Pub Date : 2023-09-29DOI: 10.5944/etfvii.11.2023.37448
Maite Dávila Mata, José Javier Azanza López
Este artículo tiene como objetivo analizar la labor de copia llevada a cabo por los artistas madrileños Julio Plaza y Elena Asins en el Museo del Prado en 1959 y 1963, y su posible influencia en sus posteriores trayectorias profesionales. Esta aportación documental permitirá una relectura de su período de aprendizaje, apenas esbozado en sus respectivas biografías, para constatar que obedece a una planificación conjunta que tiene su punto de partida en su asistencia como alumnos libres a diversos centros de la capital, en el marco de la cual se inscribe su presencia en las salas de la pinacoteca madrileña, y continúa en Alemania y Francia. Con todo este bagaje, se adentrarán en un período de búsqueda de su propia identidad en la que tendrán cabida tanto las nuevas corrientes experimentales como el legado de los grandes maestros.
本文旨在分析马德里艺术家胡利奥·普拉多(Julio Plaza)和埃琳娜·阿辛斯(Elena Asins) 1959年和1963年在普拉多博物馆(Museo del Prado)所做的复制工作，以及它对他们后来职业生涯的可能影响。该纪录片将投入第二阅读学习,只是粗略在各自的传记,确认必须服从一个联合规划的起点,而他作为学生援助框架各中心的首都,在当下是他出现在分庭pinacoteca madrileña,并继续在德国和法国。带着所有这些包袱，他们将进入一个寻找自己身份的时期，在这个时期，新的实验潮流和伟大大师的遗产都将有一席之地。
{"title":"Julio Plaza y Elena Asins, dos copistas atípicos en el Museo del Prado","authors":"Maite Dávila Mata, José Javier Azanza López","doi":"10.5944/etfvii.11.2023.37448","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.11.2023.37448","url":null,"abstract":"Este artículo tiene como objetivo analizar la labor de copia llevada a cabo por los artistas madrileños Julio Plaza y Elena Asins en el Museo del Prado en 1959 y 1963, y su posible influencia en sus posteriores trayectorias profesionales. Esta aportación documental permitirá una relectura de su período de aprendizaje, apenas esbozado en sus respectivas biografías, para constatar que obedece a una planificación conjunta que tiene su punto de partida en su asistencia como alumnos libres a diversos centros de la capital, en el marco de la cual se inscribe su presencia en las salas de la pinacoteca madrileña, y continúa en Alemania y Francia. Con todo este bagaje, se adentrarán en un período de búsqueda de su propia identidad en la que tendrán cabida tanto las nuevas corrientes experimentales como el legado de los grandes maestros.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135298964","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-08-29DOI: 10.5944/etfvii.11.2023.35978
Vicente Guerola Blay, María Castell Agustí
Alonso Cano lleva a término a mitad del siglo XVII un lienzo con la representación de Cristo esperando la crucifixión influido por el naturalismo severo. No debió de pasar desapercibida esta pintura en el neoclasicismo, en tanto que dos autores como José Maea (1759-1826) y Manuel Álvarez de Mon (f. 1809) utilizaron este modelo según dos fórmulas diferentes: el primero, a través de una copia al óleo como objeto de aprendizaje y el segundo, con un dibujo y posterior grabado para optar a un premio en forma de concurso de la Academia de San Fernando.En el presente trabajo se estudian los aspectos artísticos, estéticos, iconográficos, de análisis de fuentes gráficas, así como de la historicidad propia de las obras.Con la exposición de una pintura inédita de Maea y las versiones gráficas de Álvarez de Mon, podemos analizar una convergencia hacia el estudio de una pintura barroca bajo los postulados del academicismo.
阿隆索·卡诺(Alonso Cano)在17世纪中期完成了一幅油画，画的是等待被钉死在十字架上的基督。你真不应该保持在低位的这幅画在新古典主义,而两个作家jose Maea(1759-1826)和Manuel alvarez孟邦(f - 1809)用这两个公式不同模型:首先,通过油画副本作为学习的对象和第二,一幅画后申请奖竞赛的形式拍摄的圣费尔南多学院。在这篇文章中，我们研究了艺术、美学、肖像、图形来源的分析，以及作品本身的历史真实性。通过展示Maea的一幅未发表的画作和alvarez de Mon的图形版本，我们可以分析在学术主义假设下巴洛克绘画研究的融合。
{"title":"Cristo esperando la crucifixión: el hallazgo de una pintura de José Maea copiando a Alonso Cano y las versiones gráficas de Álvarez de Mon","authors":"Vicente Guerola Blay, María Castell Agustí","doi":"10.5944/etfvii.11.2023.35978","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.11.2023.35978","url":null,"abstract":"Alonso Cano lleva a término a mitad del siglo XVII un lienzo con la representación de Cristo esperando la crucifixión influido por el naturalismo severo. No debió de pasar desapercibida esta pintura en el neoclasicismo, en tanto que dos autores como José Maea (1759-1826) y Manuel Álvarez de Mon (f. 1809) utilizaron este modelo según dos fórmulas diferentes: el primero, a través de una copia al óleo como objeto de aprendizaje y el segundo, con un dibujo y posterior grabado para optar a un premio en forma de concurso de la Academia de San Fernando.En el presente trabajo se estudian los aspectos artísticos, estéticos, iconográficos, de análisis de fuentes gráficas, así como de la historicidad propia de las obras.Con la exposición de una pintura inédita de Maea y las versiones gráficas de Álvarez de Mon, podemos analizar una convergencia hacia el estudio de una pintura barroca bajo los postulados del academicismo.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-08-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136350055","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-06-13DOI: 10.5944/etfvii.11.2023.36681
Vega Torres Sastrús
Durante la Segunda República, algunas transformaciones sociales hicieron tambalear los pilares sobre los que se había construido la feminidad tradicional, entre otros, la piedad religiosa. Como resultado, muchas mujeres se encontraron en una situación fronteriza entre las posibilidades que les ofrecían los nuevos tiempos y unos roles de género decimonónicos que habían aprendido y que, además, continuaban constituyendo la normatividad en una sociedad que todavía estaba asimilando los cambios. En el presente artículo se analiza cómo las artistas se adaptaron a esta realidad combinando elementos modernos, como dedicarse profesionalmente a la pintura o cultivar una estética próxima a la vanguardia de los años treinta, con otros más conservadores, como la repetición de los temas religiosos en sus creaciones. Finalmente, se analiza la obra religiosa de Rosario de Velasco, Marisa Roësset y Julia Minguillón, como muestra de aquel arte entre la tradición y la modernidad que tanto éxito reportó en su momento.
{"title":"Discreta modernidad. Pintoras de género religioso en la Segunda República","authors":"Vega Torres Sastrús","doi":"10.5944/etfvii.11.2023.36681","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.11.2023.36681","url":null,"abstract":"Durante la Segunda República, algunas transformaciones sociales hicieron tambalear los pilares sobre los que se había construido la feminidad tradicional, entre otros, la piedad religiosa. Como resultado, muchas mujeres se encontraron en una situación fronteriza entre las posibilidades que les ofrecían los nuevos tiempos y unos roles de género decimonónicos que habían aprendido y que, además, continuaban constituyendo la normatividad en una sociedad que todavía estaba asimilando los cambios. En el presente artículo se analiza cómo las artistas se adaptaron a esta realidad combinando elementos modernos, como dedicarse profesionalmente a la pintura o cultivar una estética próxima a la vanguardia de los años treinta, con otros más conservadores, como la repetición de los temas religiosos en sus creaciones. Finalmente, se analiza la obra religiosa de Rosario de Velasco, Marisa Roësset y Julia Minguillón, como muestra de aquel arte entre la tradición y la modernidad que tanto éxito reportó en su momento.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-06-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136222328","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-06-12DOI: 10.5944/etfvii.11.2023.36361
Elena Monzón Pertejo
En 2018, en el clima prelectoral de las elecciones generales, una obra realizada por la artista Charo Corrales sufrió un acto iconoclasta. Se trataba de la obra titulada Con flores a María, donde la artista presentaba su rostro en lugar del de la Inmaculada Concepción de Aranjuez de Murillo. Con el fotomontaje, Corrales se mostraba como una Inmaculada masturbándose ante el público. La obra formaba parte de una exposición colectiva bajo el título Maculadas sin remedio. En el presente texto se estudian las relaciones entre arte, transgresión e iconoclasia, entendiéndose la resignificación de imágenes religiosas como una estrategia del artivismo feminista. En la primera parte, se aportan los elementos teóricos clave para poder realizar este tipo de análisis, así como las pertinentes definiciones y precisiones en torno a los conceptos de transgresión y blasfemia. Posteriormente, se analiza la obra de Corrales en su contexto, para luego mostrar otras manifestaciones artísticas en las que la figura de María es reinterpretada. Por último, se reflexiona sobre la iconoclasia y la censura para dar paso a las conclusiones.
2018年，在大选前的气氛下，艺术家查罗·科拉莱斯(Charo Corrales)的一件作品遭遇了打破传统的行为。在这幅名为《Con flores a maria》的作品中，艺术家展示了自己的脸，而不是阿兰胡埃斯·德·穆里洛(Aranjuez de Murillo)的无玷受孕。在蒙太奇中，科拉莱斯被描绘成一个在观众面前手淫的完美女人。这幅作品是一个名为Maculadas sin remedio的集体展览的一部分。在这篇文章中，我们研究了艺术、越界和破坏圣像之间的关系，将宗教形象的重新定义理解为女性主义艺术主义的一种策略。本研究的主要目的是分析这一现象的社会和政治背景，并分析其对社会和政治制度的影响。在这篇文章中，我们分析了科拉莱斯的作品的背景，然后展示了玛丽的形象被重新诠释的其他艺术表现形式。最后，对破坏圣像和审查制度进行了反思，为结论提供了空间。
{"title":"Con flores a María. La resignificación de imágenes como estrategia del artivismo feminista","authors":"Elena Monzón Pertejo","doi":"10.5944/etfvii.11.2023.36361","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.11.2023.36361","url":null,"abstract":"En 2018, en el clima prelectoral de las elecciones generales, una obra realizada por la artista Charo Corrales sufrió un acto iconoclasta. Se trataba de la obra titulada Con flores a María, donde la artista presentaba su rostro en lugar del de la Inmaculada Concepción de Aranjuez de Murillo. Con el fotomontaje, Corrales se mostraba como una Inmaculada masturbándose ante el público. La obra formaba parte de una exposición colectiva bajo el título Maculadas sin remedio. En el presente texto se estudian las relaciones entre arte, transgresión e iconoclasia, entendiéndose la resignificación de imágenes religiosas como una estrategia del artivismo feminista. En la primera parte, se aportan los elementos teóricos clave para poder realizar este tipo de análisis, así como las pertinentes definiciones y precisiones en torno a los conceptos de transgresión y blasfemia. Posteriormente, se analiza la obra de Corrales en su contexto, para luego mostrar otras manifestaciones artísticas en las que la figura de María es reinterpretada. Por último, se reflexiona sobre la iconoclasia y la censura para dar paso a las conclusiones.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-06-12","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136369605","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-05-16DOI: 10.5944/etfvii.11.2023.36074
Jorge Martín Marco
La historiografía del arte aragonés que se había referido a Felipe Busiñac y Borbón, uno de los profesionales de la arquitectura más importantes en el Aragón del Seiscientos, había situado su trayectoria laboral en Borja y en Zaragoza. Sin embargo, tanto la revisión de estudios ya publicados, como el hallazgo de noticias documentales inéditas lo sitúan involucrado en dos proyectos en la provincia de Teruel, en el convento del Carmen de Rubielos de Mora y en la iglesia parroquial de Mosqueruela, dos ejemplos que permiten comprender la evolución de la arquitectura religiosa de Busiñac.
阿拉贡艺术的史学提到了菲利普businac y borbon，他是16世纪阿拉贡最重要的建筑专业人士之一，他的职业生涯集中在博尔哈和萨拉戈萨。然而,已公布的研究的审查,如发现新闻纪录片inéditas参与两个项目我在前线,在修道院里del Carmen省Rubielos莫拉和教堂的狭隘Mosqueruela,两个例子可以了解Busiñac宗教架构的发展。
{"title":"La arquitectura religiosa de Felipe Busiñac y Borbón a través de sus obras en Teruel: los carmelitas de Rubielos de Mora (1659) y la iglesia de Mosqueruela (1675-1677)","authors":"Jorge Martín Marco","doi":"10.5944/etfvii.11.2023.36074","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.11.2023.36074","url":null,"abstract":"La historiografía del arte aragonés que se había referido a Felipe Busiñac y Borbón, uno de los profesionales de la arquitectura más importantes en el Aragón del Seiscientos, había situado su trayectoria laboral en Borja y en Zaragoza. Sin embargo, tanto la revisión de estudios ya publicados, como el hallazgo de noticias documentales inéditas lo sitúan involucrado en dos proyectos en la provincia de Teruel, en el convento del Carmen de Rubielos de Mora y en la iglesia parroquial de Mosqueruela, dos ejemplos que permiten comprender la evolución de la arquitectura religiosa de Busiñac.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-05-16","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136215977","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-04-17DOI: 10.5944/etfvii.11.2023.34413
Ramón Salas Lamamié de Clairac
Walter Benjamin no llegó a definir con claridad el término «imagen dialéctica», pero parece hacer referencia a la configuración de sentido que se produce cuando una imagen histórica alcanza un grado de actualidad superior al que tuvo en su propia época al entrar en una constelación de sentido con otra imagen contemporánea a la que interpela. En este artículo, defenderemos que el género de las pinturas de gabinete puede alcanzar una renovada actualidad al ponerse en relación con la instalación, la forma señera, según Groys, del arte contemporáneo. En esa imagen dialéctica, las pinturas de gabinete matizan su aspecto contrareformista, mientras la instalación encuentra una genealogía que le da sentido histórico a su dialéctica con la iconoclastia modernista.
Walter Benjamin未能确定用辩证的图片术语«»,但看起来提及配置方面,目前程度高于历史的形象曾在自己的时代,进入一个星座方向跟着另一个当代的拦截。在这篇文章中，我们将论证橱柜绘画的流派可以通过与装置的联系来实现更新的现实性，根据Groys的说法，装置是当代艺术的标志形式。在这种辩证的形象中，橱柜绘画模糊了它的反改革主义方面，而装置则找到了一种谱系，赋予了它与现代主义破坏圣像的辩证意义。
{"title":"La pintura de gabinete como imagen dialéctica. Un retorno al futuro de la instalación","authors":"Ramón Salas Lamamié de Clairac","doi":"10.5944/etfvii.11.2023.34413","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.11.2023.34413","url":null,"abstract":"Walter Benjamin no llegó a definir con claridad el término «imagen dialéctica», pero parece hacer referencia a la configuración de sentido que se produce cuando una imagen histórica alcanza un grado de actualidad superior al que tuvo en su propia época al entrar en una constelación de sentido con otra imagen contemporánea a la que interpela. En este artículo, defenderemos que el género de las pinturas de gabinete puede alcanzar una renovada actualidad al ponerse en relación con la instalación, la forma señera, según Groys, del arte contemporáneo. En esa imagen dialéctica, las pinturas de gabinete matizan su aspecto contrareformista, mientras la instalación encuentra una genealogía que le da sentido histórico a su dialéctica con la iconoclastia modernista.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-04-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136243436","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-03-28DOI: 10.5944/etfvii.11.2023.33652
Lucía Tello Díaz
Lotte Reiniger fue una directora alemana pionera en la animación cinematográfica, autora del primer largometraje animado que aún se conserva: Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed, 1926). Pese a ello, su animación no ha sabido encuadrarse en la vanguardia, por alejarse de la corriente abstracta del cinéma pur, la vertiente de animación no narrativa en boga en la Europa de los años veinte. En esta investigación se profundiza en la figura y cine de la animadora, exponiendo las bases de su filmografía, analizando su animación narrativa, corroborando la influencia del Jugendstil en su técnica de stop motion y reivindicando su adscripción a la corriente vanguardista del expresionismo alemán, con la que emparenta en estética y en temática (leyendas y fantasía, adaptaciones de óperas, claroscuros, estilización de las formas, exotismo y orientalismo). Tras analizar su filmografía tanto estética como temáticamente, se concluye que se trata de una cineasta que debe ser situada dentro de la nómina de directores del expresionismo alemán, lugar de la historia del cine que legítimamente le corresponde.
乐天·赖尼格(Lotte Reiniger)是德国动画电影的先驱，也是第一部至今仍在使用的动画电影《艾哈迈德王子历险记》(Die Abenteuer des Prinzen Achmed, 1926)的作者。尽管如此，他的动画并没有成为前卫的一部分，因为它远离了cinema pur的抽象潮流，这是20世纪20年代欧洲流行的非叙事动画方面。在这次调查中,在深化图和电影的啦啦队长,阐述了电影的基础,分析其动画故事,明朗Jugendstil影响技术的stop motion和乌拉圭的归属到当前德国的表现,在美学和emparenta专题(图例和幻想,歌剧、程式化、claroscuros调整、异国和萨义德)形式。在对她的电影作品进行美学和主题分析后，我们得出结论，她是一个电影制作人，应该被置于德国表现主义导演的名下，在电影史上占有合法的地位。
{"title":"Lotte Reiniger: animación, Expresionismo, Jugendstil y narrativa visual de vanguardia frente a la conceptualización abstracta del Cinéma Pur","authors":"Lucía Tello Díaz","doi":"10.5944/etfvii.11.2023.33652","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.11.2023.33652","url":null,"abstract":"Lotte Reiniger fue una directora alemana pionera en la animación cinematográfica, autora del primer largometraje animado que aún se conserva: Las aventuras del príncipe Achmed (Die Abenteuer des Prinzen Achmed, 1926). Pese a ello, su animación no ha sabido encuadrarse en la vanguardia, por alejarse de la corriente abstracta del cinéma pur, la vertiente de animación no narrativa en boga en la Europa de los años veinte. En esta investigación se profundiza en la figura y cine de la animadora, exponiendo las bases de su filmografía, analizando su animación narrativa, corroborando la influencia del Jugendstil en su técnica de stop motion y reivindicando su adscripción a la corriente vanguardista del expresionismo alemán, con la que emparenta en estética y en temática (leyendas y fantasía, adaptaciones de óperas, claroscuros, estilización de las formas, exotismo y orientalismo). Tras analizar su filmografía tanto estética como temáticamente, se concluye que se trata de una cineasta que debe ser situada dentro de la nómina de directores del expresionismo alemán, lugar de la historia del cine que legítimamente le corresponde.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-03-28","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135778096","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.5944/etfvii.11.2023.33495
Juan Luis Blanco Mozo
La restauración de las pinturas murales de la sala capitular de la Catedral de Toledo y el análisis de dos obras que han pasado desapercibidas a la crítica artística, el sotabanco pintado de su retablo mayor y los diseños para el terno de Cisneros, permiten ofrecer un nuevo acercamiento a la significación artística de Juan de Borgoña. Su firme propósito de introducir un renovado lenguaje formal, nítidamente distanciado de las inercias goticistas, y su interés en aplicar la perspectiva a su pintura sobre la base de las arquitecturas que urdían sus composiciones, le afianzan como uno de los principales introductores del clasicismo de progenie florentina en la sede catedralicia de Toledo y su arzobispado.
{"title":"Juan de Borgoña y los inicios del clasicismo en la catedral de Toledo","authors":"Juan Luis Blanco Mozo","doi":"10.5944/etfvii.11.2023.33495","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.11.2023.33495","url":null,"abstract":"La restauración de las pinturas murales de la sala capitular de la Catedral de Toledo y el análisis de dos obras que han pasado desapercibidas a la crítica artística, el sotabanco pintado de su retablo mayor y los diseños para el terno de Cisneros, permiten ofrecer un nuevo acercamiento a la significación artística de Juan de Borgoña. Su firme propósito de introducir un renovado lenguaje formal, nítidamente distanciado de las inercias goticistas, y su interés en aplicar la perspectiva a su pintura sobre la base de las arquitecturas que urdían sus composiciones, le afianzan como uno de los principales introductores del clasicismo de progenie florentina en la sede catedralicia de Toledo y su arzobispado.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135951579","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-09-12DOI: 10.5944/etfvii.10.2022.33017
Iñaki Arrieta Urtizberea, Iñaki Díaz Balerdi
Se ha hablado en muchas ocasiones de la transformación de Bilbao y de la influencia del Museo Guggenheim en dicho cambio. Pero en contadas ocasiones se ha analizado el efecto –o los efectos paradójicos– que su aparición tuvo para el resto de los museos del País Vasco.Es lo que se pretende en este texto. La descripción y valoración del proceso, los logros obtenidos, las polémicas y críticas generadas, los debates políticos y parlamentarios y el efecto en el resto de los museos del País Vasco, son algunos de los temas planteados. Para ello se recurre a bibliografía especializada, documentación oficial y seguimiento periodístico de una aventura polémica, criticada e incluso denostada que, sin embargo, marca un antes y un después en el mundo de los museos y de la gestión patrimonial.
{"title":"Guggenheim in the Land of the Basques: Repercussions and Paradoxes","authors":"Iñaki Arrieta Urtizberea, Iñaki Díaz Balerdi","doi":"10.5944/etfvii.10.2022.33017","DOIUrl":"https://doi.org/10.5944/etfvii.10.2022.33017","url":null,"abstract":"Se ha hablado en muchas ocasiones de la transformación de Bilbao y de la influencia del Museo Guggenheim en dicho cambio. Pero en contadas ocasiones se ha analizado el efecto –o los efectos paradójicos– que su aparición tuvo para el resto de los museos del País Vasco.Es lo que se pretende en este texto. La descripción y valoración del proceso, los logros obtenidos, las polémicas y críticas generadas, los debates políticos y parlamentarios y el efecto en el resto de los museos del País Vasco, son algunos de los temas planteados. Para ello se recurre a bibliografía especializada, documentación oficial y seguimiento periodístico de una aventura polémica, criticada e incluso denostada que, sin embargo, marca un antes y un después en el mundo de los museos y de la gestión patrimonial.","PeriodicalId":11829,"journal":{"name":"Espacio Tiempo y Forma. Serie VII, Historia del Arte","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-09-12","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"78531903","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-09-12DOI: 10.5944/etfvii.10.2022.33143
Luis Walias Rivera
La irrupción del Museo Guggenheim Bilbao supuso un punto de inflexión en el tradicional modelo museístico patrio, de marcada cadencia mediterránea. El modus operandi de este referente internacional, fuente constante de conflicto e inspiración, inoculó desde la perspectiva liberal el uso cotidiano del marketing, proceso hasta ese instante inexplorado en España. Replicado en innumerables ocasiones, con diverso éxito, concibió una revolución cuya reverberación llega hasta nuestros días.Entender el grado de repercusión generado, en el sentido mercadotécnico, por el «efecto Guggenheim», implica el análisis tanto de la situación previa a la creación del museo como de los innovadores procesos importados, sin obviar la posterior implantación geográfica. Los resultados obtenidos, sorprendentes en la asunción de estrategias competitivas, convierten a la gestión del marketing en una herramienta fundamental, garante de excelentes resultados gracias a su innegable capacidad de seducción.
毕尔巴鄂古根海姆博物馆(Guggenheim Bilbao museum)的出现标志着传统博物馆模式的一个转折点，具有明显的地中海节奏。这个国际参考的运作方式，不断的冲突和灵感的来源，从自由主义的角度感染了市场营销的日常使用，这一过程在当时的西班牙尚未探索。它被复制了无数次，取得了不同的成功，构思了一场革命，其反响一直延续到今天。要理解“古根海姆效应”在市场技术意义上产生的影响程度，需要分析博物馆创建前的情况和创新的进口过程，而不忽视随后的地理位置。所获得的结果，在竞争策略的假设中令人惊讶，使营销管理成为一个基本工具，由于其不可否认的诱惑能力，保证卓越的结果。
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