Los estudios artísticos se definen como un campo donde se piensa de manera crítica la modernidad, desde una perspectiva decolonial. Situados en “la frontera”, desde la Maestría y el Doctorado en Estudios Artísticos de la Universidad Distrital se empiezan a configurar las bases epistémicas y metodológicas que servirán de hoja de ruta para el desarrollo de las investigaciones/creaciones que se afincan ya en sus espacios académicos. Se pretende hacer un aporte a este ejercicio de construcción a partir de las agitaciones teóricas y artísticas que se han suscitado alrededor del ejercicio indisciplinante en Prácticas del Fracaso, un proyecto que surgió bajo la batuta del afamado clown Maladrés, y que ahora es objeto de estudio dentro del doctorado. Para ello se cruza el concepto de frontera con el de paréntesis y se enuncian aspectos transversales que comprometen la creación artística, la concepción de la obra de arte y la performatividad.
{"title":"Aportes desde las prácticas del fracaso al campo emergente de los estudios artísticos","authors":"J. Jaramillo","doi":"10.14483/21450706.18306","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.18306","url":null,"abstract":"Los estudios artísticos se definen como un campo donde se piensa de manera crítica la modernidad, desde una perspectiva decolonial. Situados en “la frontera”, desde la Maestría y el Doctorado en Estudios Artísticos de la Universidad Distrital se empiezan a configurar las bases epistémicas y metodológicas que servirán de hoja de ruta para el desarrollo de las investigaciones/creaciones que se afincan ya en sus espacios académicos. Se pretende hacer un aporte a este ejercicio de construcción a partir de las agitaciones teóricas y artísticas que se han suscitado alrededor del ejercicio indisciplinante en Prácticas del Fracaso, un proyecto que surgió bajo la batuta del afamado clown Maladrés, y que ahora es objeto de estudio dentro del doctorado. Para ello se cruza el concepto de frontera con el de paréntesis y se enuncian aspectos transversales que comprometen la creación artística, la concepción de la obra de arte y la performatividad.","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"168 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-07-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"77928162","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
espanolA pesar de los enormes avances que ha tenido la inteligencia artificial (IA) y la robotica, aun es polemico afirmar que una maquina pueda crear arte. Contrario a esta vision, propongo que tras la negacion de las capacidades esteticas de las maquinas subyace un sesgo antropocentrico. Para ilustrar lo anterior tomo ejemplos sobre el rol de las maquinas en la musica y arte pop. He seleccionado estos generos pues historicamente han incorporado de buena forma las novedades tecnologicas. En definitiva, este articulo toma a la musica pop y el metodo de trabajo de Andy Warhol, para iluminar nuevos puntos de vista sobre las capacidades esteticas de maquinas y algoritmos. De este modo se fortalece la tesis de que las maquinas si pueden crear arte EnglishDespite the enormous advances that artificial intelligence (AI) and robotics have made, it is still controversial to claim that a machine can create art. Contrary to this view, I propose that behind the denial of the aesthetic capabilities of machines there is an anthropocentric bias. To illustrate this point, I take examples of the role that machines play in music and pop art. I have selected these genres because historically they have incorporated technological innovations without upheavals. Ultimately, this article takes pop music and Andy Warhol’s method of work to illuminate new points of view on the aesthetic capabilities of machines and algorithms. At the end, the thesis that machines can create art comes out strengthened francaisMalgre les enormes progres realises par l’intelligence artificielle (IA) et la robotique, il est toujours controverse de pretendre qu’une machine peut creer de l’art. Contrairement a ce point de vue, je propose que derriere le deni des capacites esthetiques des machines, il y a un biais anthropocentrique. Pour illustrer ce point, je prends des exemples du role que jouent les machines dans la musique et le pop art. J’ai choisi ces genres car historiquement ils ont incorpore des innovations technologiques sans bouleversements. Finalement, cet article prend la musique pop et la methode de travail d’Andy Warhol pour eclairer de nouveaux points de vue sur les capacites esthetiques des machines et des algorithmes. A la fin, la these selon laquelle les machines peuvent creer de l’art est renforcee portuguesApesar dos enormes avancos realizados pela inteligencia artificial (IA) e a robotica, ainda e polemico afirmar que uma maquina possa criar arte. Contrario a essa visao, proponho que por tras da negacao das capacidades esteticas das maquinas existe um vies antropocentrico. Para ilustrar o anterior, tomo exemplos sobre o papel das maquinas na musica e arte pop. Selecionei estes generos porque historicamente, eles incorporaram as novidades tecnologicas de boa maneira. Em suma, este artigo toma a musica pop e o metodo de trabalho de Andy Warhol, para iluminar novos pontos de vista sobre as capacidades esteticas de maquinas e algoritmos. Deste modo, se fortalece a tese de que a
尽管人工智能和机器人技术取得了巨大进展，但声称机器可以创造艺术仍然是有争议的。与这种观点相反，我建议，在否认机器的审美能力之后，存在着以人为中心的偏见。为了说明这一点，我举了一些关于机器在音乐和流行艺术中的作用的例子。我选择了这些类型，因为它们在历史上很好地融合了技术的发展。简而言之，本文以流行音乐和安迪·沃霍尔的工作方法为例，阐明了对机器和算法美学能力的新看法。因此，尽管人工智能和机器人技术取得了巨大的进步，但声称机器可以创造艺术的论点得到了加强。与这一观点相反，我建议，在否认机器的审美能力背后存在着人类中心主义的偏见。为了说明这一点，我举了机器在音乐和波普艺术中所起作用的例子。我选择了这些类型，因为它们在历史上没有崛起就纳入了技术创新。最终，这篇文章采用流行音乐和安迪·沃霍尔的工作方法，启发了人们对机器和算法审美能力的新观点。最后，机器可以创造艺术的假设得到了加强，法国的人工智能和机器人技术取得了巨大的进步，人们仍然对假装什么是“机器可以相信的艺术”存在争议。与这种观点相反，我建议，在否认机器的审美能力之后，有一种人类中心主义的偏见。为了说明这一点，我以机器在音乐和流行艺术中所扮演的角色为例。我选择了这些类型，因为从历史上看，它们融合了技术创新，没有障碍。最后，这篇文章以流行音乐和安迪·沃霍尔的工作方法为基础，阐明了对机器和算法审美能力的新观点。最后，根据Laquelle les Machines Poven的说法，葡萄牙人相信艺术是加强的，尽管Pela人工智能（IA）取得了两项巨大的进展，但机器人、Ainda和Polemico声称UMA Machine有能力培养艺术。与Essa Visao相反，我建议通过否认DAS机器的美学能力，存在UM以人为中心的观点。为了说明或更早，我在DAS机器NA音乐和流行艺术上或纸上举了例子。我选择这些流派是因为从历史上看，他们将Boa Maneira的技术新手纳入其中。Em Suma，这篇文章采用了流行音乐或安迪·沃霍尔的工作方法，以阐明机器和算法的美学能力。Deste Mode，它加强了Tese，因为机器可以提高艺术
{"title":"Artistas mecánicos: una mirada a la capacidad estética de máquinas y algoritmos desde la música pop y el pop art","authors":"Leonardo Salvador Arriagada Beltrán","doi":"10.14483/21450706.17401","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17401","url":null,"abstract":"espanolA pesar de los enormes avances que ha tenido la inteligencia artificial (IA) y la robotica, aun es polemico afirmar que una maquina pueda crear arte. Contrario a esta vision, propongo que tras la negacion de las capacidades esteticas de las maquinas subyace un sesgo antropocentrico. Para ilustrar lo anterior tomo ejemplos sobre el rol de las maquinas en la musica y arte pop. He seleccionado estos generos pues historicamente han incorporado de buena forma las novedades tecnologicas. En definitiva, este articulo toma a la musica pop y el metodo de trabajo de Andy Warhol, para iluminar nuevos puntos de vista sobre las capacidades esteticas de maquinas y algoritmos. De este modo se fortalece la tesis de que las maquinas si pueden crear arte EnglishDespite the enormous advances that artificial intelligence (AI) and robotics have made, it is still controversial to claim that a machine can create art. Contrary to this view, I propose that behind the denial of the aesthetic capabilities of machines there is an anthropocentric bias. To illustrate this point, I take examples of the role that machines play in music and pop art. I have selected these genres because historically they have incorporated technological innovations without upheavals. Ultimately, this article takes pop music and Andy Warhol’s method of work to illuminate new points of view on the aesthetic capabilities of machines and algorithms. At the end, the thesis that machines can create art comes out strengthened francaisMalgre les enormes progres realises par l’intelligence artificielle (IA) et la robotique, il est toujours controverse de pretendre qu’une machine peut creer de l’art. Contrairement a ce point de vue, je propose que derriere le deni des capacites esthetiques des machines, il y a un biais anthropocentrique. Pour illustrer ce point, je prends des exemples du role que jouent les machines dans la musique et le pop art. J’ai choisi ces genres car historiquement ils ont incorpore des innovations technologiques sans bouleversements. Finalement, cet article prend la musique pop et la methode de travail d’Andy Warhol pour eclairer de nouveaux points de vue sur les capacites esthetiques des machines et des algorithmes. A la fin, la these selon laquelle les machines peuvent creer de l’art est renforcee portuguesApesar dos enormes avancos realizados pela inteligencia artificial (IA) e a robotica, ainda e polemico afirmar que uma maquina possa criar arte. Contrario a essa visao, proponho que por tras da negacao das capacidades esteticas das maquinas existe um vies antropocentrico. Para ilustrar o anterior, tomo exemplos sobre o papel das maquinas na musica e arte pop. Selecionei estes generos porque historicamente, eles incorporaram as novidades tecnologicas de boa maneira. Em suma, este artigo toma a musica pop e o metodo de trabalho de Andy Warhol, para iluminar novos pontos de vista sobre as capacidades esteticas de maquinas e algoritmos. Deste modo, se fortalece a tese de que a","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"16 1","pages":"54-66"},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"43806303","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El presente artículo se propone analizar la obra Móvil I (1969) del compositor cubano Harold Gramatges (Santiago de Cuba, 1918 - La Habana, 2008). Para alcanzar este propósito, implementé el modelo analítico de Molino-Nattiez, recurrí al uso de gráficos y tablas que me auxiliaron a valorar las macros y las microestructuras, y también me apoyé en otras herramientas como la teoría de conjuntos. Trataré de demostrar que el Móvil I continúa la tradición pianística cubana, a pesar de la incorporación de los nuevos recursos musicales de los 60.
{"title":"El Móvil I de Harold Gramatges","authors":"Rafael Guzmán Barrios","doi":"10.14483/21450706.17400","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17400","url":null,"abstract":"El presente artículo se propone analizar la obra Móvil I (1969) del compositor cubano Harold Gramatges (Santiago de Cuba, 1918 - La Habana, 2008). Para alcanzar este propósito, implementé el modelo analítico de Molino-Nattiez, recurrí al uso de gráficos y tablas que me auxiliaron a valorar las macros y las microestructuras, y también me apoyé en otras herramientas como la teoría de conjuntos. Trataré de demostrar que el Móvil I continúa la tradición pianística cubana, a pesar de la incorporación de los nuevos recursos musicales de los 60.","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"16 1","pages":"38-53"},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"44420130","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Tomando del campo teatral la noción de prácticas de escritura diversas y de la sociolingüística la noción de trayectorias textuales, el artículo describe la experiencia didáctica conducida por el grupo-escuela de teatro El Brote, radicado desde 1997 en la ciudad de Bariloche, provincia de Río Negro, Patagonia argentina, cuyos actores y actrices son personas con padecimientos de salud mental y en situación de desmanicomialización. El artículo ilustra en particular la enseñanza del concepto de conflicto junto a estos actores durante un período de dos años. La metodología empleada fue la reescritura de improvisaciones surgidas en el convivio preescénico hasta su condensación en un texto preescénico de autor. Los resultados de la experiencia muestran la asunción progresiva de juicio crítico y de una identidad profesional, lo que sugiere explorar más profundamente el efecto de la enseñanza teatral sostenida en las personas con padecimientos psíquicos.
{"title":"Recontextualizaciones en el convivio preescénico: una modalidad de enseñanza de la noción de conflicto a actores con padecimientos de salud mental","authors":"Ana Atorresi, Gabriela Otero","doi":"10.14483/21450706.17403","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17403","url":null,"abstract":"Tomando del campo teatral la noción de prácticas de escritura diversas y de la sociolingüística la noción de trayectorias textuales, el artículo describe la experiencia didáctica conducida por el grupo-escuela de teatro El Brote, radicado desde 1997 en la ciudad de Bariloche, provincia de Río Negro, Patagonia argentina, cuyos actores y actrices son personas con padecimientos de salud mental y en situación de desmanicomialización. El artículo ilustra en particular la enseñanza del concepto de conflicto junto a estos actores durante un período de dos años. La metodología empleada fue la reescritura de improvisaciones surgidas en el convivio preescénico hasta su condensación en un texto preescénico de autor. Los resultados de la experiencia muestran la asunción progresiva de juicio crítico y de una identidad profesional, lo que sugiere explorar más profundamente el efecto de la enseñanza teatral sostenida en las personas con padecimientos psíquicos.","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"16 1","pages":"78-92"},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66686593","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
La comprensión de la experiencia estética como instancia nuclear en la producción de subjetividades y la construcción de realidad social abre una reflexión sobre la dimensión tecnológica del trabajo sensible. Esta sería una forma de producción y trasformación de lo real, que aquí opera como trasvase creativo entre lo material y lo simbólico entendido como tecnologías de lo sensible. Para ello se parte del lugar de la mediación estética en las dinámicas vitales de nuestros pueblos, se muestran algunos dispositivos estéticos tradicionales, y su vinculación con artefactos del arte contemporáneo para la operación estética y la creación común de lo real. En el caso de las prácticas creadoras, artísticas y/o estéticas este proceso se orienta a la producción material de una posibilidad existencial, que pueda ser habitada, alcanzando una dimensión política.
{"title":"Dispositivos de la sensibilidad. Para una tecnología de la experiencia estética","authors":"Inés Pérez-Wilke","doi":"10.14483/21450706.17409","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17409","url":null,"abstract":"La comprensión de la experiencia estética como instancia nuclear en la producción de subjetividades y la construcción de realidad social abre una reflexión sobre la dimensión tecnológica del trabajo sensible. Esta sería una forma de producción y trasformación de lo real, que aquí opera como trasvase creativo entre lo material y lo simbólico entendido como tecnologías de lo sensible. Para ello se parte del lugar de la mediación estética en las dinámicas vitales de nuestros pueblos, se muestran algunos dispositivos estéticos tradicionales, y su vinculación con artefactos del arte contemporáneo para la operación estética y la creación común de lo real. En el caso de las prácticas creadoras, artísticas y/o estéticas este proceso se orienta a la producción material de una posibilidad existencial, que pueda ser habitada, alcanzando una dimensión política.","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"16 1","pages":"178-190"},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66686618","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Cuando en el año 2007 iniciábamos la aventura de crear una nueva revista denomi-nada Calle14: revista de investigación en el campo del arte, éramos conscientes de que el campo de las artes nunca había gozado de una completa autonomía y, por el contrario, para bien o para mal, ha estado atravesado y condicionado por las fuerzas de otros campos sociales y por jerarquías en las que se manifiesta históricamente el poder global. Al mismo tiempo, se empezaba a hablar sobre las potencialidades epistémicas, éticas y políticas de la creación artística, y la necesidad de establecer un diálogo en nuevos términos con la investigación científica, sus metodologías, sus lógicas y hasta sus formatos de elaboración de proyectos, así como con los criterios estatales para la valoración de la producción artística. En ese contexto, desde varias Facultades de Artes, reunidas desde el año 2004 en la Asociación Colombiana de Facultades de Artes, ACOFARTES, se empezaba a adoptar la investigación-creación como la categoría que haría posible el mencionado diálogo con las ciencias y, al mismo tiempo, el desenganche epistémico de las mismas, para re-posicionar las artes como modo legítimo de creación de conocimientos sensibles.
{"title":"Condición colonial y colonizadora de las artes en la heterarquía colonial del poder","authors":"P. Gómez","doi":"10.14483/21450706.17465","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17465","url":null,"abstract":"Cuando en el año 2007 iniciábamos la aventura de crear una nueva revista denomi-nada Calle14: revista de investigación en el campo del arte, éramos conscientes de que el campo de las artes nunca había gozado de una completa autonomía y, por el contrario, para bien o para mal, ha estado atravesado y condicionado por las fuerzas de otros campos sociales y por jerarquías en las que se manifiesta históricamente el poder global. Al mismo tiempo, se empezaba a hablar sobre las potencialidades epistémicas, éticas y políticas de la creación artística, y la necesidad de establecer un diálogo en nuevos términos con la investigación científica, sus metodologías, sus lógicas y hasta sus formatos de elaboración de proyectos, así como con los criterios estatales para la valoración de la producción artística. En ese contexto, desde varias Facultades de Artes, reunidas desde el año 2004 en la Asociación Colombiana de Facultades de Artes, ACOFARTES, se empezaba a adoptar la investigación-creación como la categoría que haría posible el mencionado diálogo con las ciencias y, al mismo tiempo, el desenganche epistémico de las mismas, para re-posicionar las artes como modo legítimo de creación de conocimientos sensibles.","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"16 1","pages":"10-13"},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66686640","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artículo presenta dos maneras en que se relacionan el arte y la fenomenología. Por un lado, el aire de familia que hay entre la fenomenología y los logros del arte visual moderno en relación con una nueva manera de entender nuestro encuentro visual con el mundo y las ganancias a nivel experiencial que se derivan del mismo. Y, en segundo lugar, las lecciones que podemos extraer de los grandes artistas creadores y revolucionarios para conectarnos con nuestra experiencia, para volver a encontrarnos con nosotros mismos a partir de las nuevas maneras de ver que nos legaron. Se explorará en este sentido la relación arte/fenomenología con respecto al cuerpo, haciendo el contraste con la perspectiva científica del mismo, así como un análisis de la mirada artística y científica sobre el cuerpo de las mujeres a finales del siglo XIX y comienzos del XX.
{"title":"Arte, fenomenología y cuerpo femenino","authors":"Flor Emilce Cely Á.","doi":"10.14483/21450706.17406","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17406","url":null,"abstract":"Este artículo presenta dos maneras en que se relacionan el arte y la fenomenología. Por un lado, el aire de familia que hay entre la fenomenología y los logros del arte visual moderno en relación con una nueva manera de entender nuestro encuentro visual con el mundo y las ganancias a nivel experiencial que se derivan del mismo. Y, en segundo lugar, las lecciones que podemos extraer de los grandes artistas creadores y revolucionarios para conectarnos con nuestra experiencia, para volver a encontrarnos con nosotros mismos a partir de las nuevas maneras de ver que nos legaron. Se explorará en este sentido la relación arte/fenomenología con respecto al cuerpo, haciendo el contraste con la perspectiva científica del mismo, así como un análisis de la mirada artística y científica sobre el cuerpo de las mujeres a finales del siglo XIX y comienzos del XX.","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"82963410","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El artículo analiza las viñetas políticas, publicidades e ilustraciones del artista Ricardo Warecki en el diario Crónica de Rosario (Argentina) entre 1945 y 1947, en el contexto de los sucesos nacionales e internacionales que trajeron cambios económicos y políticos durante la segunda posguerra, el inicio de la guerra fría y el ascenso del peronismo. Las transformaciones sociales que se estaban produciendo en el mundo entero quedaron registradas bajo la mirada del artista de una manera satírica, y el humor gráfico fue utilizado como un modo de evidenciar su disconformidad ante el avance de la violencia y el autoritarismo.
{"title":"Contra la guerra y el peronismo. Las imágenes de Ricardo Warecki en el diario Crónica de Rosario","authors":"Elisabet Veliscek","doi":"10.14483/21450706.17408","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17408","url":null,"abstract":"El artículo analiza las viñetas políticas, publicidades e ilustraciones del artista Ricardo Warecki en el diario Crónica de Rosario (Argentina) entre 1945 y 1947, en el contexto de los sucesos nacionales e internacionales que trajeron cambios económicos y políticos durante la segunda posguerra, el inicio de la guerra fría y el ascenso del peronismo. Las transformaciones sociales que se estaban produciendo en el mundo entero quedaron registradas bajo la mirada del artista de una manera satírica, y el humor gráfico fue utilizado como un modo de evidenciar su disconformidad ante el avance de la violencia y el autoritarismo.","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73204217","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El cuerpo femenino en el arte es el espacio en el cual se manifiestan los esquemas de pensamientos sociales. En México, la mujer ha jugado distintos roles que la encasillan, lo cual se ha plasmado pictóricamente en diferentes ocasiones. El presente artículo es el derivado de una investigación doctoral que abarcó obras pictóricas hechas en México del siglo XX-XXI. No obstante, para este texto nos concentramos en obras pertenecientes al siglo XX que muestran el cuerpo de la mujer como territorio o mapa. Nuestro objetivo es reflexionar acerca del retrato, la mujer y la cartografía del ser por medio de un método iconográfico. Se abordan los conceptos de mapa y espacio de acuerdo con distintos creadores y teóricos, para llegar a una reflexión acerca de cómo el cuerpo es el mapa de nuestro ser y particularmente cómo el arquetipo de la mujer mexicana contiene referencias tanto históricas como biográficas.
{"title":"Retrato femenino: Metáfora del mapa para la representación de la vida en México","authors":"Gabriela Arhelí García-Guerra","doi":"10.14483/21450706.17404","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17404","url":null,"abstract":"El cuerpo femenino en el arte es el espacio en el cual se manifiestan los esquemas de pensamientos sociales. En México, la mujer ha jugado distintos roles que la encasillan, lo cual se ha plasmado pictóricamente en diferentes ocasiones. El presente artículo es el derivado de una investigación doctoral que abarcó obras pictóricas hechas en México del siglo XX-XXI. No obstante, para este texto nos concentramos en obras pertenecientes al siglo XX que muestran el cuerpo de la mujer como territorio o mapa. Nuestro objetivo es reflexionar acerca del retrato, la mujer y la cartografía del ser por medio de un método iconográfico. Se abordan los conceptos de mapa y espacio de acuerdo con distintos creadores y teóricos, para llegar a una reflexión acerca de cómo el cuerpo es el mapa de nuestro ser y particularmente cómo el arquetipo de la mujer mexicana contiene referencias tanto históricas como biográficas.","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"16 1","pages":"94-103"},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66686605","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
espanolEl inconsciente esta lleno de germenes de futuras situaciones psiquicas e ideas creativas, donde el artista plastico busca inspiracion, produciendo una numerosa simbologia que tiene que ver con la evolucion de nuestra consciencia. En este articulo analizaremos en concreto el arquetipo mandala,por ser un simbolo con mucha presencia e importancia en el mundo del arte. A lo largo de investigaciones realizadas durante 20 anos con mas de 1.000 alumnos que cursaban su primer ano en Bellas Artes, hemos encontrando en sus experiencias artisticas gran abundancia de elementos formales que se repetian, o la presencia de estructuras analogas a los arquetipos mandalicos de los pacientes de C. G. Jung, lo que demostraria que el ser humano puede ver mas alla de la superficie de las cosas, mediante estos simbolos, portadores de significado en si mismos EnglishThe unconscious is full of germs of future psychic situations and creative ideas, where the visual artist seeks inspiration, producing a rich symbolism that has to do with the evolution of our consciousness. In this article we will specifically analyze the mandala archetype, as a recurring symbol of great relevance in the art world. Through research carried out over 20 years with more than 1,000 students who were in their first year of a Fine Arts degree, we have found in their artistic experiences a great abundance of formal elements that were repeated, or the presence of structures analogous to the mandala archetypes of CG Jung’s patients, which would demonstrate that the human being can see beyond the surface of things, as indicated by these symbols, carriers of meaning in themselves francaisL’inconscient est plein de germes de situations psychiques futures et d’idees creatives, ou l’artiste visuel cherche l’inspiration, produisant un symbolisme riche qui a a voir avec l’evolution de notre conscience. Dans cet article, nous analyserons specifiquement l’archetype du mandala, en tant que symbole recurrent d’une grande pertinence dans le monde de l’art. A travers des recherches menees depuis plus de 20 ans aupres de plus de 1000 etudiants qui etaient en premiere annee de Beaux-Arts, nous avons trouve dans leurs experiences artistiques une grande abondance d’elements formels qui se repetent, ou la presence de structures analogues aux archetypes mandala des patients de CG Jung, qui demontreraient que l’etre humain peut voir au-dela de la surface des choses, comme l’indiquent ces symboles, porteurs de sens en eux-memes portuguesO inconsciente esta cheio de germes de futuras situacoes psiquicas e ideias criativas onde o artista plastico busca inspiracao, produzindo uma numerosa simbologia que tem a ver com a evolucao da nossa consciencia. Neste artigo analisaremos especificamente o arquetipo mandala, por ser um simbolo com muita presenca e importância no mundo da arte. Ao longo de investigacoes realizadas durante 20 anos com mais de 1.000 alunos que cursavam seu primeiro ano em Belas Artes, encontramos e
西班牙无意识充满了未来心理情境和创造性想法的种子，在那里造型艺术家寻求灵感，产生了与我们意识的进化有关的大量符号。在这篇文章中，我们将特别分析曼荼罗原型，因为它是一个在艺术界具有很大存在和重要性的象征。调查20多年沿线超过1 000名学生攻读美术的第一年,我们发现在其项目正式管理员repetian artisticas许多经验,或存在结构analogas arquetipos mandalicos患者c . g .荣格,人类能看到什么demostraria超越表面的东西,通过这些simbolos,无意识充满了未来精神情境和创造性想法的细菌，视觉艺术家在那里寻求灵感，产生了丰富的象征主义，这与我们意识的进化有关。= =地理= =根据美国人口普查，这个县的土地面积为。通过对近20年而开展的研究大于1000 students in their first一年的好条degree, we have found in及其艺术经验a great abundance of正式物质被提出,or the在场聘用analogous to the mandala archetypes of CG荣格’s patients, which将证明,the human being can see beyond the surface of things, indicated by这些象征的诋毁,无意识充满了未来心理情况和创造性想法的萌芽，视觉艺术家寻求灵感，产生了丰富的象征主义，这与我们意识的进化有关。在这篇文章中，我们将特别分析曼荼罗的原型，作为一个在艺术世界中具有高度相关性的符号。A特拉弗斯开会今天des研究plus 20 ans plus aupres 1000联合qui etaient Beaux-Arts annee首映,《我们avons trouve dans的经验大连接artistiques abondance d 'elements formels qui repetent, ou在场的aux analogues archetypes mandala des patients CG荣格,qui demontreraient升'etre humain小组律师surface des choses au-dela,如下升'indiquent ces symboles《无意识的葡萄牙人》充满了未来心理情境和创意想法的萌芽，艺术家在这里寻求灵感，产生了与我们意识的进化有关的大量符号。在这篇文章中，我们将具体分析曼荼罗原型，因为它是一个在艺术世界中非常存在和重要的符号。在对1000多名美术大一学生进行的20年调查中，我们发现他们的艺术经验中有大量重复的形式元素，或存在类似于荣格患者的mandalic原型的结构;这将表明，人类可以通过这些符号看到超越事物表面的东西，这些符号本身就承载着意义。
{"title":"Los elementos formales del mandala: sus expresiones plásticas en la educación de las Bellas Artes a partir de C. G. Jung","authors":"Belén León-Río","doi":"10.14483/21450706.17439","DOIUrl":"https://doi.org/10.14483/21450706.17439","url":null,"abstract":"espanolEl inconsciente esta lleno de germenes de futuras situaciones psiquicas e ideas creativas, donde el artista plastico busca inspiracion, produciendo una numerosa simbologia que tiene que ver con la evolucion de nuestra consciencia. En este articulo analizaremos en concreto el arquetipo mandala,por ser un simbolo con mucha presencia e importancia en el mundo del arte. A lo largo de investigaciones realizadas durante 20 anos con mas de 1.000 alumnos que cursaban su primer ano en Bellas Artes, hemos encontrando en sus experiencias artisticas gran abundancia de elementos formales que se repetian, o la presencia de estructuras analogas a los arquetipos mandalicos de los pacientes de C. G. Jung, lo que demostraria que el ser humano puede ver mas alla de la superficie de las cosas, mediante estos simbolos, portadores de significado en si mismos EnglishThe unconscious is full of germs of future psychic situations and creative ideas, where the visual artist seeks inspiration, producing a rich symbolism that has to do with the evolution of our consciousness. In this article we will specifically analyze the mandala archetype, as a recurring symbol of great relevance in the art world. Through research carried out over 20 years with more than 1,000 students who were in their first year of a Fine Arts degree, we have found in their artistic experiences a great abundance of formal elements that were repeated, or the presence of structures analogous to the mandala archetypes of CG Jung’s patients, which would demonstrate that the human being can see beyond the surface of things, as indicated by these symbols, carriers of meaning in themselves francaisL’inconscient est plein de germes de situations psychiques futures et d’idees creatives, ou l’artiste visuel cherche l’inspiration, produisant un symbolisme riche qui a a voir avec l’evolution de notre conscience. Dans cet article, nous analyserons specifiquement l’archetype du mandala, en tant que symbole recurrent d’une grande pertinence dans le monde de l’art. A travers des recherches menees depuis plus de 20 ans aupres de plus de 1000 etudiants qui etaient en premiere annee de Beaux-Arts, nous avons trouve dans leurs experiences artistiques une grande abondance d’elements formels qui se repetent, ou la presence de structures analogues aux archetypes mandala des patients de CG Jung, qui demontreraient que l’etre humain peut voir au-dela de la surface des choses, comme l’indiquent ces symboles, porteurs de sens en eux-memes portuguesO inconsciente esta cheio de germes de futuras situacoes psiquicas e ideias criativas onde o artista plastico busca inspiracao, produzindo uma numerosa simbologia que tem a ver com a evolucao da nossa consciencia. Neste artigo analisaremos especificamente o arquetipo mandala, por ser um simbolo com muita presenca e importância no mundo da arte. Ao longo de investigacoes realizadas durante 20 anos com mais de 1.000 alunos que cursavam seu primeiro ano em Belas Artes, encontramos e","PeriodicalId":41194,"journal":{"name":"Calle 14-Revista de investigacion en el Campo del Arte","volume":"16 1","pages":"162-177"},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2021-01-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"66686628","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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