Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.6529
Michela Fabbrocino
El objetivo de este trabajo es describir un proyecto de investigación y educación artística con niños de 3 a 5 años. El escenario utilizado es la escuela llamada DPDB - Dalla Parte Dei Bambini, con sede en Nápoles (Italia), que desde hace más de treinta años utiliza diversas formas artísticas como herramienta pedagógica, en la creencia de que el niño no es sólo un sujeto reflexivo, sino también y sobre todo activo. En concreto, la investigadora responsable del proyecto educativo realizó el seguimiento de un grupo de niños de 5 años, en un periodo claramente marcado por las consecuencias materiales e inmateriales que la actual emergencia sanitaria ha tenido en la vida cotidiana de las familias, la escuela y las relaciones sociales en general. Dentro de este complejo marco, caracterizado por los importantes temas de la presencia y la ausencia, del principio y el fin, los educadores esbozaron un proyecto didáctico que puede cambiar a medida que cambian las posibilidades y que, al mismo tiempo, sigue siendo sólido y sustancial en sus intenciones pedagógicas. Durante esta delicada fase de crecimiento, los niños y niñas utilizan de hecho una forma de pensar cada vez más compleja, subdividida en gran parte en conceptos, categorías cada vez más amplias y no necesariamente perceptibles de forma concreta. Su interés comienza a dirigirse hacia la búsqueda de soluciones, el descubrimiento de las constantes que regulan los procesos, la planificación de acciones y las hipótesis sobre los posibles resultados. La atención se afina cada vez más y su tiempo se alarga considerablemente, de modo que las categorías de tiempo y espacio empiezan a tener un sentido real en la experiencia cotidiana. El proyecto didáctico se ha desarrollado, pues, en torno al gran tema del tiempo y sus dimensiones, deteniéndose después en el concepto de espacio y todas sus posibles declinaciones. El espacio se consideró tanto en su acepción más íntima de espacio individual, es decir, un espacio para uno mismo en el que escribir su propia historia personal, como en su acepción topológica vinculada a la orientación, las distancias, las medidas, las exploraciones, y entendida como espacio-mundo, es decir, desde un punto de vista ecológico. Así nació un proyecto basado en el uso de mapas. En concreto, partimos de un mapa de la propia escuela, que se estudió en sus direcciones, se dividió en grupos geográficos y se transpuso a una escala mayor. Este proceso de traducción a escala, es algo que entrena el razonamiento cognitivo a las posibilidades de la escritura: letras pequeñas que forman palabras, que luego forman frases en un espacio-hoja determinado. El siguiente paso fue ir a descubrir los espacios abiertos de la propia estructura de la escuela, en particular los patios, las escaleras, las terrazas; a continuación, se entrenó a los niños para que siguieran las flechas y los números que conducen a los distintos entornos, que son portadores de mensajes y
这项工作的目的是描述一个涉及3至5岁儿童的艺术研究和教育项目。所使用的舞台是总部设在意大利那不勒斯的名为DPDB-DALLA Part dei Bambini的学校，该学校30多年来一直使用各种艺术形式作为教学工具，相信儿童不仅是一个反思的主体，而且最重要的是一个活跃的主体。具体而言，负责教育项目的研究人员对一群5岁儿童进行了监测，这一时期的明显特点是目前的卫生紧急情况对家庭、学校和整个社会关系的日常生活产生了物质和非物质后果。在这一复杂的框架内，以存在与不存在、开始与结束等重要问题为特征，教育工作者概述了一个教学项目，该项目可以随着可能性的变化而变化，同时其教学意图仍然坚定而实质性。在这个微妙的成长阶段，男孩和女孩实际上使用了一种越来越复杂的思维方式，在很大程度上被细分为概念、越来越广泛的类别，不一定是具体可见的。他的兴趣开始转向寻找解决方案，发现调节过程的常数，规划行动和对可能结果的假设。注意力越来越集中，时间也大大延长，因此时间和空间类别开始在日常体验中具有真正的意义。因此，教育项目是围绕着时间及其维度的大主题展开的，然后是空间的概念及其所有可能的衰落。空间既被认为是他对个人空间的最亲密的理解，也被认为是一个为自己写个人历史的空间，也被认为是一个与方向、距离、测量、探索有关的拓扑意义，并被理解为空间-世界，即从生态的角度来看。因此，一个基于地图使用的项目诞生了。具体而言，我们从学校本身的地图开始，该地图按其方向进行了研究，分为地理组，并在更大的范围内进行了转移。这一大规模的翻译过程训练了认知推理对写作可能性的训练：形成单词的小写字母，然后在特定的空间-叶子中形成短语。下一步是去发现学校结构本身的开放空间，特别是庭院、楼梯、露台；然后，孩子们接受了训练，跟随通往不同环境的箭头和数字，这些环境是信息和方向的载体，必须像海盗地图一样阅读和解码，海盗地图的最终宝藏是知识。登上山顶后，一群男孩和女孩沉浸在这座城市的奇迹中，凝视着他们周围的四个地平线：维苏威火山、圣马丁诺、西班牙街区和大圆顶。
{"title":"La escuela dibujada","authors":"Michela Fabbrocino","doi":"10.17561/rtc.extra6.6529","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.6529","url":null,"abstract":"El objetivo de este trabajo es describir un proyecto de investigación y educación artística con niños de 3 a 5 años. \u0000El escenario utilizado es la escuela llamada DPDB - Dalla Parte Dei Bambini, con sede en Nápoles (Italia), que desde hace más de treinta años utiliza diversas formas artísticas como herramienta pedagógica, en la creencia de que el niño no es sólo un sujeto reflexivo, sino también y sobre todo activo. \u0000 \u0000En concreto, la investigadora responsable del proyecto educativo realizó el seguimiento de un grupo de niños de 5 años, en un periodo claramente marcado por las consecuencias materiales e inmateriales que la actual emergencia sanitaria ha tenido en la vida cotidiana de las familias, la escuela y las relaciones sociales en general. \u0000 \u0000Dentro de este complejo marco, caracterizado por los importantes temas de la presencia y la ausencia, del principio y el fin, los educadores esbozaron un proyecto didáctico que puede cambiar a medida que cambian las posibilidades y que, al mismo tiempo, sigue siendo sólido y sustancial en sus intenciones pedagógicas. \u0000 \u0000Durante esta delicada fase de crecimiento, los niños y niñas utilizan de hecho una forma de pensar cada vez más compleja, subdividida en gran parte en conceptos, categorías cada vez más amplias y no necesariamente perceptibles de forma concreta. \u0000 \u0000Su interés comienza a dirigirse hacia la búsqueda de soluciones, el descubrimiento de las constantes que regulan los procesos, la planificación de acciones y las hipótesis sobre los posibles resultados. \u0000 \u0000La atención se afina cada vez más y su tiempo se alarga considerablemente, de modo que las categorías de tiempo y espacio empiezan a tener un sentido real en la experiencia cotidiana. \u0000 \u0000El proyecto didáctico se ha desarrollado, pues, en torno al gran tema del tiempo y sus dimensiones, deteniéndose después en el concepto de espacio y todas sus posibles declinaciones. \u0000 \u0000El espacio se consideró tanto en su acepción más íntima de espacio individual, es decir, un espacio para uno mismo en el que escribir su propia historia personal, como en su acepción topológica vinculada a la orientación, las distancias, las medidas, las exploraciones, y entendida como espacio-mundo, es decir, desde un punto de vista ecológico. \u0000 \u0000Así nació un proyecto basado en el uso de mapas. En concreto, partimos de un mapa de la propia escuela, que se estudió en sus direcciones, se dividió en grupos geográficos y se transpuso a una escala mayor. Este proceso de traducción a escala, es algo que entrena el razonamiento cognitivo a las posibilidades de la escritura: letras pequeñas que forman palabras, que luego forman frases en un espacio-hoja determinado. \u0000 \u0000El siguiente paso fue ir a descubrir los espacios abiertos de la propia estructura de la escuela, en particular los patios, las escaleras, las terrazas; a continuación, se entrenó a los niños para que siguieran las flechas y los números que conducen a los distintos entornos, que son portadores de mensajes y ","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"47639388","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.6577
Ana Orejas Prats, Víctor Murillo Lígorred
La presente propuesta de innovación de aula se centra en el contexto de la educación artística infantil, a través del concepto del vacío de las esculturas, en la que tiene lugar una estrategia de enseñanza-aprendizaje activa donde la construcción del espacio es el núcleo del estudio. Para ello, se trabajan obras de autores como Naum Gabo, Pablo Gargallo, Jorge Oteiza o Eduardo Chillida en las que conviven para la configuración del espacio tanto la materia como el vacío, dando sentido, al mismo tiempo, a la obra tridimensional. A partir de esa premisa, en la coexistencia simultánea de masa y aire se trae al frente la imagen abordando la tridimensionalidad de la escultura en el tercer curso de la etapa de educación infantil. La construcción del cuerpo a través de la verticalidad en el espacio esculpido y abrazado por el vacío, se aborda en la complejidad del desarrollo artístico infantil, en una relación más allá de la simplicidad estética y cognitiva, dando paso a una metodología de investigación basada en las artes, a medio camino de la docencia, la práctica de taller, la percepción visual y el desarrollo del pensamiento abstracto. Una propuesta que busca el trabajo autónomo del alumnado basado en su propia indagación y explorando nuevos modelos formales, como las formas tridimensionales que contienen vanos, materia o partes incompletas aunando ambas, permitiendo aflorar la creatividad, la imaginación y el empoderamiento plástico desde las primeras edades.
{"title":"vacío en la escultura como recurso didáctico para la expresión plástica infantil: formas de hacer mundos","authors":"Ana Orejas Prats, Víctor Murillo Lígorred","doi":"10.17561/rtc.extra6.6577","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.6577","url":null,"abstract":"La presente propuesta de innovación de aula se centra en el contexto de la educación artística infantil, a través del concepto del vacío de las esculturas, en la que tiene lugar una estrategia de enseñanza-aprendizaje activa donde la construcción del espacio es el núcleo del estudio. Para ello, se trabajan obras de autores como Naum Gabo, Pablo Gargallo, Jorge Oteiza o Eduardo Chillida en las que conviven para la configuración del espacio tanto la materia como el vacío, dando sentido, al mismo tiempo, a la obra tridimensional. A partir de esa premisa, en la coexistencia simultánea de masa y aire se trae al frente la imagen abordando la tridimensionalidad de la escultura en el tercer curso de la etapa de educación infantil. La construcción del cuerpo a través de la verticalidad en el espacio esculpido y abrazado por el vacío, se aborda en la complejidad del desarrollo artístico infantil, en una relación más allá de la simplicidad estética y cognitiva, dando paso a una metodología de investigación basada en las artes, a medio camino de la docencia, la práctica de taller, la percepción visual y el desarrollo del pensamiento abstracto. Una propuesta que busca el trabajo autónomo del alumnado basado en su propia indagación y explorando nuevos modelos formales, como las formas tridimensionales que contienen vanos, materia o partes incompletas aunando ambas, permitiendo aflorar la creatividad, la imaginación y el empoderamiento plástico desde las primeras edades.","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"42128542","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.6525
Jianxiong Liu
Hoy en día, hay cada vez más personas que se dedican a la industria del arte en la sociedad. Gracias a esto constantemente surgen nuevas obras de arte y producciones. Por tantas opciones que existen, muchos clientes, creadores y productores suelen perderse fácilmente en esta deslumbrante variedad de obras de arte, especialmente los creadores de arte, quienes se encuentran en un dilema a la hora de comenzar a diseñar. Por lo tanto, cómo realizar mejor la comercialización de obras de arte se ha convertido en una cuestión importante para la mayoría de las personas que trabajan en esta área. La cerámica es una técnica que se ha mantenido desde la antigüedad hasta la actualidad, y que da lugar a muchas producciones como distintas mercancías y obras de arte, por lo que la comercialización de obras de arte es considerada un buen objeto de estudio para el autor. Para sustentar mejor esta investigación, el autor analizará a dos ceramistas representativos de la revista internacional Cerámica, uno es Pablo Picasso y el otro, el ceramista contemporáneo Xavier Monsalvatje. A partir de su análisis, aprenderemos cómo crear mejores obras de arte y establecer una buena base para nuestro desarrollo comercial. Por último, el autor también mostrará algunos de sus trabajos relacionados con este tema. Palabras clave: comercialización de obras de arte, cerámica, Pablo Picasso, Xavier Monsalvaje, diseño.
{"title":"Comercialización de las obras de arte. Investigación sobre la cerámica","authors":"Jianxiong Liu","doi":"10.17561/rtc.extra6.6525","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.6525","url":null,"abstract":"Hoy en día, hay cada vez más personas que se dedican a la industria del arte en la sociedad. Gracias a esto constantemente surgen nuevas obras de arte y producciones. Por tantas opciones que existen, muchos clientes, creadores y productores suelen perderse fácilmente en esta deslumbrante variedad de obras de arte, especialmente los creadores de arte, quienes se encuentran en un dilema a la hora de comenzar a diseñar. Por lo tanto, cómo realizar mejor la comercialización de obras de arte se ha convertido en una cuestión importante para la mayoría de las personas que trabajan en esta área. \u0000La cerámica es una técnica que se ha mantenido desde la antigüedad hasta la actualidad, y que da lugar a muchas producciones como distintas mercancías y obras de arte, por lo que la comercialización de obras de arte es considerada un buen objeto de estudio para el autor. Para sustentar mejor esta investigación, el autor analizará a dos ceramistas representativos de la revista internacional Cerámica, uno es Pablo Picasso y el otro, el ceramista contemporáneo Xavier Monsalvatje. A partir de su análisis, aprenderemos cómo crear mejores obras de arte y establecer una buena base para nuestro desarrollo comercial. \u0000Por último, el autor también mostrará algunos de sus trabajos relacionados con este tema. \u0000 \u0000Palabras clave: comercialización de obras de arte, cerámica, Pablo Picasso, Xavier Monsalvaje, diseño.","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"41764820","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.6601
Ángela Moreno Córdoba
En este breve estudio introducimos el análisis de la fotografía espontánea infantil desde una metodología mixta, tanto cualitativa, a través de un estudio de caso, como basada en las artes visuales utilizando instrumentos de investigación basados en la fotografía. El objetivo principal de esta investigación es indagar sobre el aprendizaje de Clara (4 años) en sus procesos espontáneos de creación de imágenes fotográficas. A partir de estos análisis trataremos de elaborar una metodología de enseñanza de la fotografía. Partimos de dos preguntas de investigación: ¿Cuándo una fotografía infantil es espontánea? y ¿se puede establecer una relación entre la forma espontánea y aprendida de crear fotografías en edades tempranas? Para responder a estas preguntas hemos partido de una revisión exhaustiva de la literatura especializada más reciente para el diseño de un taller que permitiera tomar datos y analizarlos en profundidad, así como proponer diversas actividades de creación de imágenes que nos aportan datos de interés. En la discusión de datos se ha realizado un análisis de las fotografías espontáneas de Clara, a través de series estudio, según son definidas por Roldán y Marín Viadel (2012). En dicho análisis hemos logrado identificar algunas de las claves características de la producción espontánea infantil partiendo de un esquema de cuatro fases que se desarrolló en un estudio previo (Moreno Córdoba, 2020): a) fotografía espontánea de toma de contacto; b) fotografía de experimentación; c) fotografía mejorada; y d) fotografía satisfactoria. Como conclusión a nuestro trabajo se presentan series y fotoensayos que muestran algunas coincidencias y divergencias entre los dos modelos de creación antes citados: espontáneo y aprendido.
{"title":"Fotografía infantil: análisis y métodos de enseñanza. Un estudio de caso basado en las artes visuales.","authors":"Ángela Moreno Córdoba","doi":"10.17561/rtc.extra6.6601","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.6601","url":null,"abstract":"En este breve estudio introducimos el análisis de la fotografía espontánea infantil desde una metodología mixta, tanto cualitativa, a través de un estudio de caso, como basada en las artes visuales utilizando instrumentos de investigación basados en la fotografía. El objetivo principal de esta investigación es indagar sobre el aprendizaje de Clara (4 años) en sus procesos espontáneos de creación de imágenes fotográficas. A partir de estos análisis trataremos de elaborar una metodología de enseñanza de la fotografía. Partimos de dos preguntas de investigación: ¿Cuándo una fotografía infantil es espontánea? y ¿se puede establecer una relación entre la forma espontánea y aprendida de crear fotografías en edades tempranas? Para responder a estas preguntas hemos partido de una revisión exhaustiva de la literatura especializada más reciente para el diseño de un taller que permitiera tomar datos y analizarlos en profundidad, así como proponer diversas actividades de creación de imágenes que nos aportan datos de interés. En la discusión de datos se ha realizado un análisis de las fotografías espontáneas de Clara, a través de series estudio, según son definidas por Roldán y Marín Viadel (2012). En dicho análisis hemos logrado identificar algunas de las claves características de la producción espontánea infantil partiendo de un esquema de cuatro fases que se desarrolló en un estudio previo (Moreno Córdoba, 2020): a) fotografía espontánea de toma de contacto; b) fotografía de experimentación; c) fotografía mejorada; y d) fotografía satisfactoria. Como conclusión a nuestro trabajo se presentan series y fotoensayos que muestran algunas coincidencias y divergencias entre los dos modelos de creación antes citados: espontáneo y aprendido.","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"45832003","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.6508
Rocío Texeira Jiménez, Carmen Vaquero Cañestro
Este trabajo comparte los entresijos de la acción docente desarrollada en los cursos que van desde 2017 a 2020 en diversos grupos de los Grados en Educación Infantil y Educación Primaria en la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Málaga. La propuesta dibuja una trayectoria que conecta a modo de introducción, la crisis (un resorte que impulsa, sumerge, activa y articula de forma justificada el funcionamiento de las experiencias artísticas y docentes a lo largo de las asignaturas y que sienta la base sobre la que sucede todo), para explicitar la metodología, la consciencia (como estado de revelación y comprensión -o insight- que induce una fase de indagación artística y reflexiva ineludible) y la confesión (que es consecuencia directa del cuidado por la intimidad, protección y respeto en los ambientes y espacios físicos, mentales o emocionales, tanto individuales, como grupales y que brinda las evidencias sobre los procesos de introspección). Por último, esboza las conclusiones desde su potencialidad intrínseca, dando lugar a la oportunidad (estrategia que nos permite comprender los hallazgos y rediseñar objetivos; ésta a veces es suscitada y otras, encontrada y provoca un ciclo donde se reaviva la transformación vital, así como la observación y el análisis). Desde esta perspectiva, la revisión de lo experimentado a partir de los hallazgos que se muestran resulta determinante en la medida en que nos permite rememorar y reconstruir lo vivido para generar un nuevo conocimiento, posibilitando la autoconciencia progresiva a un nivel personal, y por lo tanto, la mejora de la acción docente a un nivel profesional.
{"title":"procesos de experimentación artística e introspectiva como oportunidad de transformación vital en la didáctica de las artes plásticas","authors":"Rocío Texeira Jiménez, Carmen Vaquero Cañestro","doi":"10.17561/rtc.extra6.6508","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.6508","url":null,"abstract":"Este trabajo comparte los entresijos de la acción docente desarrollada en los cursos que van desde 2017 a 2020 en diversos grupos de los Grados en Educación Infantil y Educación Primaria en la Facultad de Ciencias de la Educación de la Universidad de Málaga. \u0000La propuesta dibuja una trayectoria que conecta a modo de introducción, la crisis (un resorte que impulsa, sumerge, activa y articula de forma justificada el funcionamiento de las experiencias artísticas y docentes a lo largo de las asignaturas y que sienta la base sobre la que sucede todo), para explicitar la metodología, la consciencia (como estado de revelación y comprensión -o insight- que induce una fase de indagación artística y reflexiva ineludible) y la confesión (que es consecuencia directa del cuidado por la intimidad, protección y respeto en los ambientes y espacios físicos, mentales o emocionales, tanto individuales, como grupales y que brinda las evidencias sobre los procesos de introspección). Por último, esboza las conclusiones desde su potencialidad intrínseca, dando lugar a la oportunidad (estrategia que nos permite comprender los hallazgos y rediseñar objetivos; ésta a veces es suscitada y otras, encontrada y provoca un ciclo donde se reaviva la transformación vital, así como la observación y el análisis). \u0000Desde esta perspectiva, la revisión de lo experimentado a partir de los hallazgos que se muestran resulta determinante en la medida en que nos permite rememorar y reconstruir lo vivido para generar un nuevo conocimiento, posibilitando la autoconciencia progresiva a un nivel personal, y por lo tanto, la mejora de la acción docente a un nivel profesional.","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"47985660","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.6526
M. Wiebe
Creativity has a significant place in visual arts education (Bastos & Zimmerman, 2015; Katz-Buonincontro, 2018; Kinsella, 2018; Sawyer, 2017; Stone, 2015; Ulger, 2019; Veon, 2014) but an understanding of creativity leads to the recognition that for something to be deemed creative, it must be both novel and appropriate in context (Amabile, 2018; Cropley, 2016; Goetz Zwirn & Vande Zande, 2015; Kaufman & Baer, 2012; Plucker, 2018). While the ‘in context’ addition to the concept of appropriate, creates more space for visual artists, the constraints of appropriateness remain. For a visual arts and design instructor, this creates tension. How do I encourage students to be creative and push boundaries, yet also teach them to be mindful of the constraints? This paper discusses observations in undergraduate design education studio classes wherein students learn to use process and thumbnail sketches to push their concepts beyond predictable and into the radical or novel realm. A modified design thinking process provides the structure that allows students to feel confident about exploring ideas. Ongoing feedback from peers and instructor serves to both push and reign in ideas when revisions are valuable. The process requires diligence and practice. It also requires that students work to break free from either/or thinking and view their work on a continuum. Reflecting on relevant methods for encouraging students to accept the value of novel ideas that also acknowledge the viewer is worthwhile. Encouraging students to recognize that creativity is enhanced through process while also engendering an understanding of the nature of creativity is valuable and can lead to the generation of radical ideas that have merit due not only to their novelty but also to their ‘appropriateness.’
{"title":"Walking the Creativity Tightrope: Teaching students to be appropriately radical","authors":"M. Wiebe","doi":"10.17561/rtc.extra6.6526","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.6526","url":null,"abstract":"Creativity has a significant place in visual arts education (Bastos & Zimmerman, 2015; Katz-Buonincontro, 2018; Kinsella, 2018; Sawyer, 2017; Stone, 2015; Ulger, 2019; Veon, 2014) but an understanding of creativity leads to the recognition that for something to be deemed creative, it must be both novel and appropriate in context (Amabile, 2018; Cropley, 2016; Goetz Zwirn & Vande Zande, 2015; Kaufman & Baer, 2012; Plucker, 2018). While the ‘in context’ addition to the concept of appropriate, creates more space for visual artists, the constraints of appropriateness remain. For a visual arts and design instructor, this creates tension. How do I encourage students to be creative and push boundaries, yet also teach them to be mindful of the constraints? \u0000 This paper discusses observations in undergraduate design education studio classes wherein students learn to use process and thumbnail sketches to push their concepts beyond predictable and into the radical or novel realm. A modified design thinking process provides the structure that allows students to feel confident about exploring ideas. Ongoing feedback from peers and instructor serves to both push and reign in ideas when revisions are valuable. The process requires diligence and practice. It also requires that students work to break free from either/or thinking and view their work on a continuum. \u0000 Reflecting on relevant methods for encouraging students to accept the value of novel ideas that also acknowledge the viewer is worthwhile. Encouraging students to recognize that creativity is enhanced through process while also engendering an understanding of the nature of creativity is valuable and can lead to the generation of radical ideas that have merit due not only to their novelty but also to their ‘appropriateness.’","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"46004397","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.6544
Rafael Romero Pineda, Joan Miquel Porquer Rigo
El Grupo de Innovación Docente Consolidado ATESI (Arte, Territorio, Estrategia docente, Sostenibilidad e Intervención social – GINDOC-UB/162) de la Universidad de Barcelona plantea, entre otras, una línea de trabajo sobre materiales artísticos y praxis relacionadas en peligro de desaparición. Desde saberes de los oficios artísticos tradicionales se plantea la puesta en valor de elementos como las tintas antiguas y medievales, su uso actual en la educación superior de arte a través de diversas asignaturas y su expansión externa a la universidad. Este artículo presenta, precisamente, un ejemplo de implementación de metodología de enseñanza-aprendizaje de tintas tradicionales, una aproximación práctica a su fabricación y un ejemplo de sus resultados.
{"title":"Enseñar tintas antiguas en la educación superior de artes plásticas. Miradas pretéritas ante futuros inciertos.","authors":"Rafael Romero Pineda, Joan Miquel Porquer Rigo","doi":"10.17561/rtc.extra6.6544","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.6544","url":null,"abstract":"El Grupo de Innovación Docente Consolidado ATESI (Arte, Territorio, Estrategia docente, Sostenibilidad e Intervención social – GINDOC-UB/162) de la Universidad de Barcelona plantea, entre otras, una línea de trabajo sobre materiales artísticos y praxis relacionadas en peligro de desaparición. Desde saberes de los oficios artísticos tradicionales se plantea la puesta en valor de elementos como las tintas antiguas y medievales, su uso actual en la educación superior de arte a través de diversas asignaturas y su expansión externa a la universidad. Este artículo presenta, precisamente, un ejemplo de implementación de metodología de enseñanza-aprendizaje de tintas tradicionales, una aproximación práctica a su fabricación y un ejemplo de sus resultados.","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"47892495","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.6539
J. Kettel
My presentation collage looks at image productions that were individually (but also collectively) developed by my students within the concept of art education during their studies for a degree in Art Education. This is combined with the search for the semantic content of the terms "thought", "aesthetic thought" and "artistic thought". Where these aspects are concerned, I am interested in the question as to how artistic art education differs from other concepts. On the one hand, other concepts eliminate the mediation of art because there is apparently nothing to learn and therefore nothing to teach about art (see Ehmer et al.) but on the other hand, they legitimise the existence of art lessons in schools by reducing them to display procedures focusing on image analysis and/or the pragmatic examination of images (Bering, Niehoff et al.) or favour the everyday aesthetic experiences of children and young people without reaching more in-depth and independent transformational processes as a result. The ultimate question that needs to be asked is what are the educational potentials and methods of art education that focuses on training artistic thought? “If you don't want to think, you're out!” (himself) (Joseph Beuys, 1977, documenta 6 in Kassel, Germany) (Image: Beuys card)
我的展示拼贴着眼于我的学生在攻读艺术教育学位期间，在艺术教育概念范围内单独（但也集体）开发的图像作品。这与寻找“思想”、“美学思想”和“艺术思想”三个术语的语义内容相结合。就这些方面而言，我感兴趣的是艺术教育与其他概念有何不同。一方面，其他概念消除了艺术的中介作用，因为关于艺术显然没有什么可学的，因此也没有什么可教的（见Ehmer等人），但另一方面，他们通过将艺术课简化为专注于图像分析和/或图像的语用检查的展示程序，使学校中艺术课的存在合法化（Bering，Niehoff et al.），或者倾向于儿童和年轻人的日常审美体验，而没有达到更深入和独立的转变过程。需要问的终极问题是，以培养艺术思维为核心的艺术教育的教育潜力和方法是什么？“如果你不想思考，你就出局了！”（他自己）（约瑟夫·博伊斯，1977年，德国卡塞尔纪录片6）（图片：博伊斯卡片）
{"title":"Why Learn Artistic Thought?","authors":"J. Kettel","doi":"10.17561/rtc.extra6.6539","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.6539","url":null,"abstract":"My presentation collage looks at image productions that were individually (but also collectively) developed by my students within the concept of art education during their studies for a degree in Art Education. This is combined with the search for the semantic content of the terms \"thought\", \"aesthetic thought\" and \"artistic thought\". Where these aspects are concerned, I am interested in the question as to how artistic art education differs from other concepts. On the one hand, other concepts eliminate the mediation of art because there is apparently nothing to learn and therefore nothing to teach about art (see Ehmer et al.) but on the other hand, they legitimise the existence of art lessons in schools by reducing them to display procedures focusing on image analysis and/or the pragmatic examination of images (Bering, Niehoff et al.) or favour the everyday aesthetic experiences of children and young people without reaching more in-depth and independent transformational processes as a result. The ultimate question that needs to be asked is what are the educational potentials and methods of art education that focuses on training artistic thought?\u0000“If you don't want to think, you're out!” (himself) (Joseph Beuys, 1977, documenta 6 in Kassel, Germany) (Image: Beuys card)","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"43537336","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.7052
Leticia Vazquez carpio
Este artículo aborda la apropiación del espacio urbano como instrumento para dar voz a minorías. Analizamos las obras de creadores contemporáneos y su papel en el contexto en el que se sitúan. Veremos cómo las piezas artísticas planteadas visibilizan problemas sociales y cómo en ocasiones modifican sustancialmente y mejoran la vida de los colectivos implicados. A diferencia de los inicios del graffiti en Nueva York, cuando un movimiento promovido por la MTA (Metropolitan transit authority) inició una lucha encarnizada contra el graffiti y los graffiteros, en la actualidad existen muchos apoyos constitucionales para realizar intervenciones de carácter público. A esto hay que añadir la capacidad de “eternización” que suponen la fotografía y posterior publicación en las redes sociales de estas creaciones, que de alguna forma convierten la obra en inmortal, a pesar del carácter efímero de este tipo de intervenciones.
{"title":"El espacio urbano como altavoz en el arte a través de la obra de Bansky y JR.","authors":"Leticia Vazquez carpio","doi":"10.17561/rtc.extra6.7052","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.7052","url":null,"abstract":"Este artículo aborda la apropiación del espacio urbano como instrumento para dar voz a minorías. Analizamos las obras de creadores contemporáneos y su papel en el contexto en el que se sitúan. Veremos cómo las piezas artísticas planteadas visibilizan problemas sociales y cómo en ocasiones modifican sustancialmente y mejoran la vida de los colectivos implicados. A diferencia de los inicios del graffiti en Nueva York, cuando un movimiento promovido por la MTA (Metropolitan transit authority) inició una lucha encarnizada contra el graffiti y los graffiteros, en la actualidad existen muchos apoyos constitucionales para realizar intervenciones de carácter público. A esto hay que añadir la capacidad de “eternización” que suponen la fotografía y posterior publicación en las redes sociales de estas creaciones, que de alguna forma convierten la obra en inmortal, a pesar del carácter efímero de este tipo de intervenciones. ","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"43861309","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-04-01DOI: 10.17561/rtc.extra6.7008
K. Štěpánková
The personal attitude of teachers towards the subject they teach, their professional self-efficacy and expertise are essential for their ability to deliver subject content to pupils. However, the relationship of future teachers to the subject is formed earlier in their own educational history than at university. From it derives their interest in the subject and further education. Our research has shown that students specialising in primary education and afterschool education have negative memories of art education at primary schools and they evaluate the subject and its benefits as marginal. In this article, we will discuss how the transformation of the didactic approach when focusing more on the creative process rather than on the product can positively affect the already established relationship of future teachers to art education, and contribute to the understanding of the objectives of art education. This research was aimed at generalist teachers (primary school) and undergraduate students who will work in school clubs or as afterschool educators. The research was segmented into three phases where in the first phase of the research, we used a qualitative approach to determine the personal attitude of students to the subject of art education. In the second phase, we used the art-based approach. In this phase, didactic procedures inspired by creative art therapy and reflective experiential education were applied to change this attitude. Art-based approach was chosen mainly because it makes it possible to monitor the changes that take place in the process and at the same time, thanks to the process, it is possible to induce these changes. This type of research generates other, unexpected questions that enable a deeper understanding of the issue. In the third phase students presented their artworks and reflected on the creative processes, as well as on the course itself, its benefits, obstacles and transferable experiences. The conclusion of the research is that these methods can in a very short time change the attitude to one's own creative abilities / creative self-confidence / to update and expand the perception of the subject and its goals. At the same time, a need arises for deeper professional education that would facilitate students' didactic preparation of meaningful artistic activities.
{"title":"The Importance of Self-Experience in Art for Future Generalist Teachers","authors":"K. Štěpánková","doi":"10.17561/rtc.extra6.7008","DOIUrl":"https://doi.org/10.17561/rtc.extra6.7008","url":null,"abstract":"The personal attitude of teachers towards the subject they teach, their professional self-efficacy and expertise are essential for their ability to deliver subject content to pupils. However, the relationship of future teachers to the subject is formed earlier in their own educational history than at university. From it derives their interest in the subject and further education. Our research has shown that students specialising in primary education and afterschool education have negative memories of art education at primary schools and they evaluate the subject and its benefits as marginal. \u0000In this article, we will discuss how the transformation of the didactic approach when focusing more on the creative process rather than on the product can positively affect the already established relationship of future teachers to art education, and contribute to the understanding of the objectives of art education. This research was aimed at generalist teachers (primary school) and undergraduate students who will work in school clubs or as afterschool educators. The research was segmented into three phases where in the first phase of the research, we used a qualitative approach to determine the personal attitude of students to the subject of art education. In the second phase, we used the art-based approach. In this phase, didactic procedures inspired by creative art therapy and reflective experiential education were applied to change this attitude. Art-based approach was chosen mainly because it makes it possible to monitor the changes that take place in the process and at the same time, thanks to the process, it is possible to induce these changes. This type of research generates other, unexpected questions that enable a deeper understanding of the issue. In the third phase students presented their artworks and reflected on the creative processes, as well as on the course itself, its benefits, obstacles and transferable experiences. \u0000The conclusion of the research is that these methods can in a very short time change the attitude to one's own creative abilities / creative self-confidence / to update and expand the perception of the subject and its goals. At the same time, a need arises for deeper professional education that would facilitate students' didactic preparation of meaningful artistic activities.","PeriodicalId":40673,"journal":{"name":"Tercio Creciente","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-04-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"44336274","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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