En este trabajo presentamos conceptos clave para el estudio sobre fronteras en general, y sobre la frontera hispanoportuguesa en particular, a través del arte contemporáneo. El objetivo final es contribuir a la multidisciplinariedad en el área de los Border Studies utilizando el arte producido en y sobre fronteras como método, lo que significa pensar y aceptar la práctica artística como investigación. Para ello, primero nos situamos en una cronología que mapea el cambio de paradigma en los estudios fronterizos hasta su interés por las producciones culturales y definiremos las características básicas del “border art”. Posteriormente analizamos tres proyectos artísticos realizados en las últimas dos décadas por artistas que crecieron viviendo las consecuencias del Acuerdo de Schengen, de forma que observamos cómo se dibujan nuevos imaginarios en torno al Espacio Único Europeo. Al mismo tiempo, a partir de entrevistas con los autores y otros textos escritos, recogemos sus motivaciones para acercarse a la frontera, las narrativas y discursos que despliegan y los procesos de creación que llevaron a cabo. En las conclusiones, comprobamos que los artistas contribuyen con valiosas reflexiones a los debates actuales sobre las fronteras ibéricas a través de sus obras, desde otros formatos y otras motivaciones distintas a las de los académicos, construyendo un lenguaje propio de indagación.
{"title":"Aproximaciones a la frontera hispano-portuguesa a través de las artes visuales: tres casos de empleo del “Border Art” como herramienta de investigación","authors":"Irene Sánchez Izquierdo","doi":"10.5209/aris.90785","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90785","url":null,"abstract":"En este trabajo presentamos conceptos clave para el estudio sobre fronteras en general, y sobre la frontera hispanoportuguesa en particular, a través del arte contemporáneo. El objetivo final es contribuir a la multidisciplinariedad en el área de los Border Studies utilizando el arte producido en y sobre fronteras como método, lo que significa pensar y aceptar la práctica artística como investigación. Para ello, primero nos situamos en una cronología que mapea el cambio de paradigma en los estudios fronterizos hasta su interés por las producciones culturales y definiremos las características básicas del “border art”. Posteriormente analizamos tres proyectos artísticos realizados en las últimas dos décadas por artistas que crecieron viviendo las consecuencias del Acuerdo de Schengen, de forma que observamos cómo se dibujan nuevos imaginarios en torno al Espacio Único Europeo. Al mismo tiempo, a partir de entrevistas con los autores y otros textos escritos, recogemos sus motivaciones para acercarse a la frontera, las narrativas y discursos que despliegan y los procesos de creación que llevaron a cabo. En las conclusiones, comprobamos que los artistas contribuyen con valiosas reflexiones a los debates actuales sobre las fronteras ibéricas a través de sus obras, desde otros formatos y otras motivaciones distintas a las de los académicos, construyendo un lenguaje propio de indagación.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-11-10","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135186555","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Son abundantes los estudios internacionales y nacionales sobre la didáctica de la expresión plástica en educación infantil, primaria y secundaria. Pero no tan abundantes las referencias a la enseñanza de artes en la Educación Superior. Esta investigación se desarrolla gracias a la participación de 22 docentes del Departamento de Arte de la [XXX]. Se asiste de las sesiones del Grado de Bellas Artes, Grado de Comunicación Audiovisual y varios posgrados durante 9 meses del curso 2022-23. Con el objetivo de identificar qué estrategias pedagógicas se han consolidado entre el profesorado de enseñanzas artísticas universitarias. Para este estudio de caso se escoge una metodología cualitativa desde la teoría fundamentada. Se obtienen 16 métodos de aprendizaje y sus diferencias para cuatro áreas de conocimiento y para materias teóricas o prácticas. Entre las conclusiones destaca que se hereda de la tradición academicista el predominio de la clase magistral principalmente mediante método expositivo demostrativo, la enseñanza a través de la fragmentación en fases, la recomendación de trucos y recetas y el aprendizaje individual autónomo. Destacan como aportaciones desde la didáctica de las artes visuales: el aprendizaje personalizado a las necesidades educativas del alumnado y la pedagogía del error.
{"title":"Estrategias pedagógicas artísticas en la Universidad Miguel Hernández de Elche: un estudio de caso","authors":"Amparo Alonso-Sanz","doi":"10.5209/aris.90414","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90414","url":null,"abstract":"Son abundantes los estudios internacionales y nacionales sobre la didáctica de la expresión plástica en educación infantil, primaria y secundaria. Pero no tan abundantes las referencias a la enseñanza de artes en la Educación Superior. Esta investigación se desarrolla gracias a la participación de 22 docentes del Departamento de Arte de la [XXX]. Se asiste de las sesiones del Grado de Bellas Artes, Grado de Comunicación Audiovisual y varios posgrados durante 9 meses del curso 2022-23. Con el objetivo de identificar qué estrategias pedagógicas se han consolidado entre el profesorado de enseñanzas artísticas universitarias. Para este estudio de caso se escoge una metodología cualitativa desde la teoría fundamentada. Se obtienen 16 métodos de aprendizaje y sus diferencias para cuatro áreas de conocimiento y para materias teóricas o prácticas. Entre las conclusiones destaca que se hereda de la tradición academicista el predominio de la clase magistral principalmente mediante método expositivo demostrativo, la enseñanza a través de la fragmentación en fases, la recomendación de trucos y recetas y el aprendizaje individual autónomo. Destacan como aportaciones desde la didáctica de las artes visuales: el aprendizaje personalizado a las necesidades educativas del alumnado y la pedagogía del error.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-11-08","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135391647","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
An active community of users is manipulating the image of early cinema using Machine Learning-based software. This practice, encompassed in the field of Artificial Intelligence, has transformed the materiality of these images, generating a mutated image as a result. Through a qualitative research design, based on a hermeneutic approach, this research aims to delimit the nature of this new image by observing it from the theoretical parameters that have shaped the specificity of the original filmic image. Starting from three historical concerns of film image theory, we have studied the interferences that this mutated image produces in the field of aesthetics, in its signifying relationship with reality and in its own ontology. Surprisingly, the new mutation presents a meagre break with the theoretical tradition of the cinematic image, oscillating between a slight dissidence and a marked continuity of its postulates.
{"title":"The Upscaling of the Early Cinema Image through Artificial Intelligence. A New Aesthetics between Continuity and Dissent in Image Theory","authors":"Luis Navarrete-Cardero, Carlos Ramírez-Moreno","doi":"10.5209/aris.90455","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90455","url":null,"abstract":"An active community of users is manipulating the image of early cinema using Machine Learning-based software. This practice, encompassed in the field of Artificial Intelligence, has transformed the materiality of these images, generating a mutated image as a result. Through a qualitative research design, based on a hermeneutic approach, this research aims to delimit the nature of this new image by observing it from the theoretical parameters that have shaped the specificity of the original filmic image. Starting from three historical concerns of film image theory, we have studied the interferences that this mutated image produces in the field of aesthetics, in its signifying relationship with reality and in its own ontology. Surprisingly, the new mutation presents a meagre break with the theoretical tradition of the cinematic image, oscillating between a slight dissidence and a marked continuity of its postulates.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-10-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136067884","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Juliane Silva, Luisa Massarani, Juliana Araujo, Alice Ribeiro
History museums can foster discussions about historical contexts and encourage critical reflections on power relations and values that permeate society, helping to overcome historically constructed prejudices. Knowing the audiences, their perceptions, readings and interpretations, allows the adoption of more efficient communication actions between museums and visitors. Thus, in this qualitative research, we aimed to investigate the memories of the experience of five adult visitors at the National Historical Museum, in Rio de Janeiro, Brazil, eight months after the visit with their families. The methodology involved the use of a semi-structured interview, with the adoption of the stimulated memory method. The results showed that the exhibition was able to promote long-term impacts, enabling the formation of memorable experiences that favored critical reflections on the part of visitors, mainly on the enslavement of black African populations, slave trade and themes related to the period of the Empire, which still reflect its problems today. It is important for museums to approach historical processes, carrying out adequate contextualization, from a decolonial perspective, which serve to raise awareness, educate and promote a movement to repair and correct the hegemonic narratives perpetuated in society.
{"title":"A decolonial look at the past, present and future based on the rescue of memories of visitors to the National History Museum (Rio de Janeiro, Brazil)","authors":"Juliane Silva, Luisa Massarani, Juliana Araujo, Alice Ribeiro","doi":"10.5209/aris.90801","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90801","url":null,"abstract":"History museums can foster discussions about historical contexts and encourage critical reflections on power relations and values that permeate society, helping to overcome historically constructed prejudices. Knowing the audiences, their perceptions, readings and interpretations, allows the adoption of more efficient communication actions between museums and visitors. Thus, in this qualitative research, we aimed to investigate the memories of the experience of five adult visitors at the National Historical Museum, in Rio de Janeiro, Brazil, eight months after the visit with their families. The methodology involved the use of a semi-structured interview, with the adoption of the stimulated memory method. The results showed that the exhibition was able to promote long-term impacts, enabling the formation of memorable experiences that favored critical reflections on the part of visitors, mainly on the enslavement of black African populations, slave trade and themes related to the period of the Empire, which still reflect its problems today. It is important for museums to approach historical processes, carrying out adequate contextualization, from a decolonial perspective, which serve to raise awareness, educate and promote a movement to repair and correct the hegemonic narratives perpetuated in society.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-10-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136068515","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Natalia Ollora-Triana, Miguel Corbi Santamaría, Alfredo Jiménez-Eguizábal, Esther García-Zabaleta
Literature on the semiology of dance is scarce and not well integrated so far. A comprehensive review of the scholarly research would allow showing which themes are the most critical ones, and what is still needed to develop this research field. In this article we aim to fill this gap by conducting a bibliographic review of papers published in Web of Science (WoS), Scopus, Dialnet, ÍnDICEs-CSIC, EBSCO, and Google Scholar from 2000 to 2022. Our review shows that within the field of dance, previous studies have emphasized the coexistence of various dynamic elements whose main purpose is to shape the construction of the play and facilitate understanding in the dance communication process. We highlight the relevance of focusing on the spectator as constructor of meaning and participant of the symbolism of the act, and not only as a passive observer.
迄今为止，关于舞蹈符号学的文献很少，也没有很好的整合。对学术研究进行全面的回顾可以显示出哪些主题是最关键的，以及发展这一研究领域还需要什么。在本文中，我们旨在通过对2000年至2022年在Web of Science (WoS)、Scopus、Dialnet、ÍnDICEs-CSIC、EBSCO和Google Scholar上发表的论文进行书目综述来填补这一空白。我们的回顾表明，在舞蹈领域内，以往的研究强调各种动态元素的共存，其主要目的是在舞蹈传播过程中塑造戏剧的结构，促进理解。我们强调了关注观众作为意义的建构者和行为象征主义的参与者的相关性，而不仅仅是作为被动的观察者。
{"title":"Semiologic process in the performance of a dance performance: a critical review","authors":"Natalia Ollora-Triana, Miguel Corbi Santamaría, Alfredo Jiménez-Eguizábal, Esther García-Zabaleta","doi":"10.5209/aris.90332","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90332","url":null,"abstract":"Literature on the semiology of dance is scarce and not well integrated so far. A comprehensive review of the scholarly research would allow showing which themes are the most critical ones, and what is still needed to develop this research field. In this article we aim to fill this gap by conducting a bibliographic review of papers published in Web of Science (WoS), Scopus, Dialnet, ÍnDICEs-CSIC, EBSCO, and Google Scholar from 2000 to 2022. Our review shows that within the field of dance, previous studies have emphasized the coexistence of various dynamic elements whose main purpose is to shape the construction of the play and facilitate understanding in the dance communication process. We highlight the relevance of focusing on the spectator as constructor of meaning and participant of the symbolism of the act, and not only as a passive observer.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-10-27","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136317552","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
La literatura académica sobre el fotolibro infantil es muy escasa en comparación con la producida en los últimos veinte años sobre el fotolibro como obra visual destinada a un público adulto, y carece especialmente de estudios que adopten una perspectiva estético-artística. Los estudios existentes, producidos principalmente en el área francesa, abordan de hecho el fotolibro infantil desde la perspectiva de las teorías pedagógicas o de la literatura infantil. Este artículo pretende subsanar, en parte, esta carencia y devolver el análisis de las obras consideradas al campo disciplinar de los estudios visuales y artísticos centrándose en la obra de tres artistas, Bruno Munari, Dominique Darbois y Tana Hoban, que pueden considerarse imprescindibles para fundamentar un estudio de las diferentes posibilidades de la fotografía en el libro como obra visual para niños. Por un lado, porque su dedicación a la infancia no fue episódica, sino privilegiada, de hecho, dedicaron a ella y al soporte del libro una parte sustancial de su actividad artística; por otro, porque las diferentes soluciones y funciones con las que la fotografía es empleada en sus obras se han convertido en un importante punto de referencia para posteriores experiencias de encuentro entre la fotografía y el libro infantil.
{"title":"Bruno Munari, Dominique Darbois, Tana Hoban: tres ejemplos paradigmáticos del uso de la fotografía en los libros infantiles","authors":"Elisabetta De Lucia","doi":"10.5209/aris.90168","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90168","url":null,"abstract":"
 La literatura académica sobre el fotolibro infantil es muy escasa en comparación con la producida en los últimos veinte años sobre el fotolibro como obra visual destinada a un público adulto, y carece especialmente de estudios que adopten una perspectiva estético-artística. Los estudios existentes, producidos principalmente en el área francesa, abordan de hecho el fotolibro infantil desde la perspectiva de las teorías pedagógicas o de la literatura infantil. Este artículo pretende subsanar, en parte, esta carencia y devolver el análisis de las obras consideradas al campo disciplinar de los estudios visuales y artísticos centrándose en la obra de tres artistas, Bruno Munari, Dominique Darbois y Tana Hoban, que pueden considerarse imprescindibles para fundamentar un estudio de las diferentes posibilidades de la fotografía en el libro como obra visual para niños. Por un lado, porque su dedicación a la infancia no fue episódica, sino privilegiada, de hecho, dedicaron a ella y al soporte del libro una parte sustancial de su actividad artística; por otro, porque las diferentes soluciones y funciones con las que la fotografía es empleada en sus obras se han convertido en un importante punto de referencia para posteriores experiencias de encuentro entre la fotografía y el libro infantil.
","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-10-25","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135170637","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El artículo analiza desde una perspectiva de género la primera fase del concurso Gure Artea (1982-1995), el certamen de arte más importante del País Vasco desde su fundación. Entre otras cuestiones, se revisa cuál fue proporcionalmente la participación de las artistas mujeres en las distintas ediciones, si el porcentaje de estas varió según el género artístico o si estos números se reflejaron en los premios; igualmente, se analiza el peso que tuvo el jurado de cada edición en las inercias de género identificadas. Asimismo, se reflexiona sobre las consecuencias del concurso: de qué forma promocionó de manera dispar la producción de los y las artistas de la época, y el peso que tuvo en la conformación y legitimación de la historiografía dominante del arte del País Vasco o en la configuración de la colección pública del Gobierno Vasco.
{"title":"Revisar los hitos: Gure Artea desde una perspectiva de género (1982-1995)","authors":"Garazi Ansa-Arbelaiz, Haizea Barcenilla, Ane Lekuona-Mariscal","doi":"10.5209/aris.86440","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.86440","url":null,"abstract":"El artículo analiza desde una perspectiva de género la primera fase del concurso Gure Artea (1982-1995), el certamen de arte más importante del País Vasco desde su fundación. Entre otras cuestiones, se revisa cuál fue proporcionalmente la participación de las artistas mujeres en las distintas ediciones, si el porcentaje de estas varió según el género artístico o si estos números se reflejaron en los premios; igualmente, se analiza el peso que tuvo el jurado de cada edición en las inercias de género identificadas. Asimismo, se reflexiona sobre las consecuencias del concurso: de qué forma promocionó de manera dispar la producción de los y las artistas de la época, y el peso que tuvo en la conformación y legitimación de la historiografía dominante del arte del País Vasco o en la configuración de la colección pública del Gobierno Vasco.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-10-18","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135888191","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Durante 2020 y 2021 asistimos al boom de un nuevo mercado artístico de la mano de los de NFTs (Non Fungible Tokens), con ventas millonarias, así como la aparición de un enorme número de plataformas y un debate mediático en torno al arte digital nunca antes visto. Este estudio trata de analizar la situación de las imágenes y los creadores asociados a la nueva tecnología blockchain. Para ello se pretende retomar y adaptar a la situación cultural y artística actual las ideas de Byung Chul Han sobre la sociedad del cansancio y la sociedad de la transparencia. El objetivo final es aclarar si el llamado como cryptoarte es la consecuencia cultural de las características de ese tipo de sociedad radiografíada por Han. Si así fuera, podría hablarse de un tipo de arte como reflejo de la propia aceleración y automatización de los procesos de producción, distribución y consumo de bienes. También de la conformación de una “estética del cansancio” derivada en gran parte del hiperempleo sufrido por los creativos y por la inflación de la imagen mediática y artística. En las nuevas circunstancias ultraliberales de la cultura, las obras de arte terminan por reducir su impacto a lo económico, convertidas en activo financiero de rápida digestión y que conlleva la anulación de toda posibilidad de una experiencia estética pausada, reflexiva y/o crítica.
{"title":"Cuestiones sobre la criptocultura y los NFTs. Hacia una estética del cansancio","authors":"Luis D. Rivero-Moreno","doi":"10.5209/aris.87798","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87798","url":null,"abstract":"Durante 2020 y 2021 asistimos al boom de un nuevo mercado artístico de la mano de los de NFTs (Non Fungible Tokens), con ventas millonarias, así como la aparición de un enorme número de plataformas y un debate mediático en torno al arte digital nunca antes visto. Este estudio trata de analizar la situación de las imágenes y los creadores asociados a la nueva tecnología blockchain. Para ello se pretende retomar y adaptar a la situación cultural y artística actual las ideas de Byung Chul Han sobre la sociedad del cansancio y la sociedad de la transparencia. El objetivo final es aclarar si el llamado como cryptoarte es la consecuencia cultural de las características de ese tipo de sociedad radiografíada por Han. Si así fuera, podría hablarse de un tipo de arte como reflejo de la propia aceleración y automatización de los procesos de producción, distribución y consumo de bienes. También de la conformación de una “estética del cansancio” derivada en gran parte del hiperempleo sufrido por los creativos y por la inflación de la imagen mediática y artística. En las nuevas circunstancias ultraliberales de la cultura, las obras de arte terminan por reducir su impacto a lo económico, convertidas en activo financiero de rápida digestión y que conlleva la anulación de toda posibilidad de una experiencia estética pausada, reflexiva y/o crítica.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-10-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135995086","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este trabajo presenta el análisis de un conjunto de piezas cerámicas en miniatura que permanecía inédito. Ellas fueron adquiridas por Debenedetti a artesanos de Tupiza, Bolivia, durante sus trabajos de campo a comienzos del s. XX. En primer lugar se revisaron diversos conceptos vinculados a las miniaturas en el mundo andino así como su catalogación como mestizas, clasificación con que se asentaron en los libros del Museo Etnográfico de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires en 1918. Esto último es importante en términos de su contexto de producción dentro de los procesos sociales desencadenados como consecuencia de la consolidación de los Estados Nación en la región del sur de Bolivia y el Noroeste Argentino, entre fines del s. XIX y comienzos del s. XX. A partir de ello y de la caracterización del conjunto de piezas, se plantean reflexiones que abonan primeramente a una hipótesis, previamente manejada por distintos investigadores, que permite vincular a las miniaturas, patrimonio material andino, con un patrimonio inmaterial que engloba, alternativa o conjuntamente, a las ideas de bienestar, fecundidad y/o abundancia. Asimismo, se sostiene que a lo largo de la historia andina esto fue posible con continuidades y discontinuidades relacionadas con algunas modificaciones, en este caso formales y estilísticas.
{"title":"Cerámicas mestizas en miniatura. Continuidades y transformaciones en el patrimonio material e inmaterial andino entre fines del s. XIX y comienzos del s. XX","authors":"Mariel A. López","doi":"10.5209/aris.90275","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90275","url":null,"abstract":"Este trabajo presenta el análisis de un conjunto de piezas cerámicas en miniatura que permanecía inédito. Ellas fueron adquiridas por Debenedetti a artesanos de Tupiza, Bolivia, durante sus trabajos de campo a comienzos del s. XX. En primer lugar se revisaron diversos conceptos vinculados a las miniaturas en el mundo andino así como su catalogación como mestizas, clasificación con que se asentaron en los libros del Museo Etnográfico de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires en 1918. Esto último es importante en términos de su contexto de producción dentro de los procesos sociales desencadenados como consecuencia de la consolidación de los Estados Nación en la región del sur de Bolivia y el Noroeste Argentino, entre fines del s. XIX y comienzos del s. XX. A partir de ello y de la caracterización del conjunto de piezas, se plantean reflexiones que abonan primeramente a una hipótesis, previamente manejada por distintos investigadores, que permite vincular a las miniaturas, patrimonio material andino, con un patrimonio inmaterial que engloba, alternativa o conjuntamente, a las ideas de bienestar, fecundidad y/o abundancia. Asimismo, se sostiene que a lo largo de la historia andina esto fue posible con continuidades y discontinuidades relacionadas con algunas modificaciones, en este caso formales y estilísticas.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-10-16","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136113042","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
{"title":"Pedagogías de la mirada. Escaño, C. (2022). Dykinson. 160 páginas. ISBN: 978-84-1122-439-0","authors":"Rafael Marfil-Carmon","doi":"10.5209/aris.91362","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91362","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-10-06","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135350621","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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