Este artículo explora la obra y el pensamiento del pedagogo francés Fernand Deligny (1913-1996), centrándose en su último proyecto comúnmente denominado la Tentative des Cévennes, desarrollado entre 1967-1996. A partir de esta experiencia que Deligny forjó junto a sus colaboradores, el artículo expone la generación de una particular forma de conocimiento, una filosofía subordinada a una red solidaria formada por cuerpos humanos y no humanos, entornos y situaciones, gestos mínimos, acciones cotidianas y acontecimientos contingentes, visibles sólo a través de una serie de dispositivos estéticos que se desarrollaron durante este periodo: escritos, trazas, mapas, películas, entrevistas y vagabundeos. Esta filosofía gestual estaría ligada a una serie de acciones que constituirían un sistema orgánico en su aparente dispersión material.
El artículo está organizado a partir de una contextualización biográfica e histórica, para posteriormente desplegar el marco teórico de la investigación y una conclusión.
本文探讨了法国教育家弗尔南多·德利尼(Fernand Deligny, 13-1996)的工作和思想，重点是他的最后一个项目，通常被称为la Tentative des cevennes，发展于1967-1996年。这一经验,Deligny谋略家,旁边同事介绍,第一代特定形式的知识,一种哲学下属团结网络由身体和没有人力、环境和局势,最小的手势、部队和事件、日常可见的股票只有通过一系列设备美学开发这个期间:圣经,水汽、地图、电影和vagabundeos采访。这种手势哲学与一系列的动作相联系，这些动作在其明显的物质分散中构成了一个有机系统。本文从传记和历史语境出发，展开了研究的理论框架和结论。
{"title":"La Aracneida, Fernand Deligny y la tentativa de una filosofía gestual","authors":"Luis Guerra-Miranda","doi":"10.5209/aris.87673","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87673","url":null,"abstract":"Este artículo explora la obra y el pensamiento del pedagogo francés Fernand Deligny (1913-1996), centrándose en su último proyecto comúnmente denominado la Tentative des Cévennes, desarrollado entre 1967-1996. A partir de esta experiencia que Deligny forjó junto a sus colaboradores, el artículo expone la generación de una particular forma de conocimiento, una filosofía subordinada a una red solidaria formada por cuerpos humanos y no humanos, entornos y situaciones, gestos mínimos, acciones cotidianas y acontecimientos contingentes, visibles sólo a través de una serie de dispositivos estéticos que se desarrollaron durante este periodo: escritos, trazas, mapas, películas, entrevistas y vagabundeos. Esta filosofía gestual estaría ligada a una serie de acciones que constituirían un sistema orgánico en su aparente dispersión material.
 El artículo está organizado a partir de una contextualización biográfica e histórica, para posteriormente desplegar el marco teórico de la investigación y una conclusión.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"39 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-20","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136308626","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Adolf Murillo, Borja Mateu-Luján, Jesús Tejada, Adela Gonzalez-Zamora
Los centros educativos de alta complejidad acogen una diversidad de niños y niñas que en general proceden de familias humildes y que habitan barrios desfavorecidos. Este estudio, financiado por el programa Resistències Artístiques del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana (España), ha consistido en la residencia de un artista durante 20 sesiones (60 horas) en un centro de alta complejidad de la etapa de Educación Primaria. Participaron 15 alumnos y alumnas de 6.º curso. El objetivo de este estudio es analizar y comprender las percepciones del profesorado sobre una experiencia de creación artística multidisciplinar a través de lenguajes contemporáneos en un centro de alta complejidad. El artista, junto con la participación activa del alumnado y la colaboración docente, orientó su trabajo a la creación multidisciplinar (música, expresión corporal, plástica y dramatización) utilizando lenguajes contemporáneos para cada una de estas áreas implicadas. Los resultados se reflejan en las composiciones y los procesos acometidos. Así, los procesos dieron lugar a 1) cambios actitudinales positivos en el alumnado con respecto a la participación, la implicación y la motivación que resignifican la utilidad de los procesos artísticos en los contextos vulnerables; 2) transformación de la perspectiva docente ante las posibilidades metodológicas derivadas de este tipo de enfoques artístico-creativos centrados en el sonido.
{"title":"Activistas del sonido: niños y artistas como co-creadores en experiencias multidisciplinares con música electroacústica en un centro de alta complejidad","authors":"Adolf Murillo, Borja Mateu-Luján, Jesús Tejada, Adela Gonzalez-Zamora","doi":"10.5209/aris.90246","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90246","url":null,"abstract":"Los centros educativos de alta complejidad acogen una diversidad de niños y niñas que en general proceden de familias humildes y que habitan barrios desfavorecidos. Este estudio, financiado por el programa Resistències Artístiques del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana (España), ha consistido en la residencia de un artista durante 20 sesiones (60 horas) en un centro de alta complejidad de la etapa de Educación Primaria. Participaron 15 alumnos y alumnas de 6.º curso. El objetivo de este estudio es analizar y comprender las percepciones del profesorado sobre una experiencia de creación artística multidisciplinar a través de lenguajes contemporáneos en un centro de alta complejidad. El artista, junto con la participación activa del alumnado y la colaboración docente, orientó su trabajo a la creación multidisciplinar (música, expresión corporal, plástica y dramatización) utilizando lenguajes contemporáneos para cada una de estas áreas implicadas. Los resultados se reflejan en las composiciones y los procesos acometidos. Así, los procesos dieron lugar a 1) cambios actitudinales positivos en el alumnado con respecto a la participación, la implicación y la motivación que resignifican la utilidad de los procesos artísticos en los contextos vulnerables; 2) transformación de la perspectiva docente ante las posibilidades metodológicas derivadas de este tipo de enfoques artístico-creativos centrados en el sonido.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"16 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-18","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135153887","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Salvador Simó-Algado, Mireia Canals-Botines, Catalina Espitia-Cepeda, Víctor J. Villanueva-Blasco
La demencia tiene una evolución crónica y progresiva generando dependencia para la realización de actividades de la vida diaria (OMSa, 2021). La enfermedad de Alzheimer (EA) es una de sus expresiones más comunes (OMSa, 2020), la cual limita algunas oportunidades de participación en ocupaciones significativas (deprivación ocupacional). Este artículo describe el proyecto Vic: Cultura y Alzheimer, el cual ha conseguido que todos los dispositivos de cultura y arte de la ciudad estén a disposición de las personas con demencia, sus familiares y cuidadores, convirtiéndola en una ciudad inclusiva y amigable para las personas con demencia. La investigación desde un enfoque cualitativo buscó comprender la percepción de utilidad por parte de los participantes y el impacto a nivel de bienestar y participación social. Fue un diálogo polifónico entre los participantes e instituciones de cultura y asistenciales, junto al Ayuntamiento y la Universidad. Los principales resultados fueron la percepción del impacto positivo en el bienestar cognitivo y emocional de los usuarios y en su participación social. Se destacó su carácter de innovación e impacto en la comunidad. Se reconocen el arte y la cultura como herramientas con poder para movilizar a toda una ciudad en pro de la inclusión, bienestar y la no estigmatización de las personas con EA.
{"title":"Una ciudad amigable con las personas con demencia y sus cuidadores. Proyecto Vic: Cultura y Alzheimer","authors":"Salvador Simó-Algado, Mireia Canals-Botines, Catalina Espitia-Cepeda, Víctor J. Villanueva-Blasco","doi":"10.5209/aris.89306","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.89306","url":null,"abstract":"La demencia tiene una evolución crónica y progresiva generando dependencia para la realización de actividades de la vida diaria (OMSa, 2021). La enfermedad de Alzheimer (EA) es una de sus expresiones más comunes (OMSa, 2020), la cual limita algunas oportunidades de participación en ocupaciones significativas (deprivación ocupacional). Este artículo describe el proyecto Vic: Cultura y Alzheimer, el cual ha conseguido que todos los dispositivos de cultura y arte de la ciudad estén a disposición de las personas con demencia, sus familiares y cuidadores, convirtiéndola en una ciudad inclusiva y amigable para las personas con demencia. La investigación desde un enfoque cualitativo buscó comprender la percepción de utilidad por parte de los participantes y el impacto a nivel de bienestar y participación social. Fue un diálogo polifónico entre los participantes e instituciones de cultura y asistenciales, junto al Ayuntamiento y la Universidad. Los principales resultados fueron la percepción del impacto positivo en el bienestar cognitivo y emocional de los usuarios y en su participación social. Se destacó su carácter de innovación e impacto en la comunidad. Se reconocen el arte y la cultura como herramientas con poder para movilizar a toda una ciudad en pro de la inclusión, bienestar y la no estigmatización de las personas con EA.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"91 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-12","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135827668","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
In this article, we closely examine the pre-Romantic artist Henry Füssli's version of The Nightmare (1781), observing how he not only accurately depicted the described and identified characteristics of the sleep disorder known as sleep paralysis, but also personified the affected sleeper's own sensations through his work. We undertake a comprehensive review of his work in order to explore the motivations behind Füssli's interest in depicting parasomnia, and attempt to understand the pictorial corporeality inspired by this phenomenon. To achieve the latter aim, we examined the different determining factors belonging to the Burkean aesthetic categories of beauty and the sublime. This approach highlights how Füssli managed to capture parasomnia in his work under a misogynistic gaze through the idea of the sublime, and the importance of its iconic and repeated representation in art. Through this, we can observe, understand, and precisely interpret the psychophysical effects of this experience on the viewer and detect the pleasure of scopophilia in Füssli's male gaze.
在这篇文章中，我们仔细研究了前浪漫主义艺术家亨利·菲斯利(Henry f ssli)版本的《噩梦》(1781)，观察他如何不仅准确地描绘和识别被称为睡眠瘫痪的睡眠障碍的特征，而且还通过他的作品将受影响的睡眠者自己的感觉人格化。我们对他的作品进行了全面的回顾，以探索 ssli对描绘睡眠异常感兴趣背后的动机，并试图理解这种现象所激发的图像肉体。为了达到后者的目的，我们考察了属于伯克美学范畴的美和崇高的不同决定因素。这种方法突出了f ssli如何通过崇高的理念在厌女凝视下成功地捕捉到他的作品中的异常性，以及它在艺术中标志性和重复表现的重要性。通过这一点，我们可以观察、理解并准确地解释这一体验对观者的心理生理影响，并在f ssli的男性凝视中发现窥镜癖的快感。
{"title":"The Nightmare by Henry Füssli: a review of its association with sleep paralysis through the idea of the sublime","authors":"Amaia Salazar, Tonia Raquejo","doi":"10.5209/aris.87917","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87917","url":null,"abstract":"In this article, we closely examine the pre-Romantic artist Henry Füssli's version of The Nightmare (1781), observing how he not only accurately depicted the described and identified characteristics of the sleep disorder known as sleep paralysis, but also personified the affected sleeper's own sensations through his work. We undertake a comprehensive review of his work in order to explore the motivations behind Füssli's interest in depicting parasomnia, and attempt to understand the pictorial corporeality inspired by this phenomenon. To achieve the latter aim, we examined the different determining factors belonging to the Burkean aesthetic categories of beauty and the sublime. This approach highlights how Füssli managed to capture parasomnia in his work under a misogynistic gaze through the idea of the sublime, and the importance of its iconic and repeated representation in art. Through this, we can observe, understand, and precisely interpret the psychophysical effects of this experience on the viewer and detect the pleasure of scopophilia in Füssli's male gaze.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"67 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-12","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"135878180","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Mónica R. Ravelo-García, Álvaro A. Cárdenas-Castro
Las referencias al cuidado están presentes en las obras de las mujeres artistas de Chile entre 2000 y 2022. Ejemplo de ello son las obras de Karen Pazán, Zaida González, Gabriela Rivera, Rocío Hormazábal, Senoritaugarte y Antonieta Clunes. Nuestro estudio propone analizar sus abordajes críticos o de resistencia al cuidado en vínculo con las comunidades y las técnicas artísticas. Las obras abordan distintas variantes del cuidado con visiones críticas y decoloniales, yendo desde la explotación física y espiritual de las mujeres, el daño a otros sectores humanos y seres vivos, hasta la afectación del ecosistema. La conjugación de las manifestaciones artísticas tradicionales, efímeras o realizadas con aparatos técnicos es un factor significativo en el contenido crítico de las obras. Particularmente, el medio digital, originado por la industria bélica y potenciado por el capitalismo de las grandes empresas, sirve a la defensa del derecho a la vida. Nuestro estudio sigue el enfoque teórico de arte de resistencia, conjuga las perspectivas de los feminismos, los estudios culturales y los estudios visuales. Aplica la metodología cualitativa, el método de análisis de discurso y los enfoques histórico-descriptivo y analítico.
{"title":"Labores que importan: cuidado y comunidad en las artes visuales de Chile","authors":"Mónica R. Ravelo-García, Álvaro A. Cárdenas-Castro","doi":"10.5209/aris.89314","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.89314","url":null,"abstract":"Las referencias al cuidado están presentes en las obras de las mujeres artistas de Chile entre 2000 y 2022. Ejemplo de ello son las obras de Karen Pazán, Zaida González, Gabriela Rivera, Rocío Hormazábal, Senoritaugarte y Antonieta Clunes. Nuestro estudio propone analizar sus abordajes críticos o de resistencia al cuidado en vínculo con las comunidades y las técnicas artísticas. Las obras abordan distintas variantes del cuidado con visiones críticas y decoloniales, yendo desde la explotación física y espiritual de las mujeres, el daño a otros sectores humanos y seres vivos, hasta la afectación del ecosistema. La conjugación de las manifestaciones artísticas tradicionales, efímeras o realizadas con aparatos técnicos es un factor significativo en el contenido crítico de las obras. Particularmente, el medio digital, originado por la industria bélica y potenciado por el capitalismo de las grandes empresas, sirve a la defensa del derecho a la vida. Nuestro estudio sigue el enfoque teórico de arte de resistencia, conjuga las perspectivas de los feminismos, los estudios culturales y los estudios visuales. Aplica la metodología cualitativa, el método de análisis de discurso y los enfoques histórico-descriptivo y analítico.\u0000 ","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"82 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-09-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"90692664","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
In 1971, Rockne Krebs presented an immersive artwork composed of the optical phenomenon of the camera obscura, among other elements. Although this artist appears to be the first interested in this phenomenon, it was only from the 1990s onwards that the artistic practice of camera obscura as room installation became widespread. In the decades since, several authors have included it in their production—developing projects of a photographic nature through different approaches, mainly focusing on projected image or spectator participation. Through the method of media archaeology, it is possible to find three lines of contemporary artistic research on the phenomenon: camera obscura related to meta-photography in Abelardo Morell’s works; immersive installation pieces as proposed by Zoe Leonard; and projections of other worlds in the work of the artistic duo João Maria Gusmão and Pedro Paiva. This paper aims at a comparative study that intends to analyze these three paths, underlining the characteristics of some contemporary artworks and contextualizing their elements to the history and use of camera obscura in the photographic context.
1971年，洛克尼·克雷布斯(Rockne Krebs)展示了一件由暗箱光学现象和其他元素组成的沉浸式艺术品。虽然这位艺术家似乎是第一个对这种现象感兴趣的人，但直到20世纪90年代以后，暗箱作为室内装置的艺术实践才开始普及。在此后的几十年里，几位作者通过不同的方法将其纳入他们的摄影性质的生产开发项目中，主要关注投影图像或观众参与。通过媒介考古学的方法，我们可以找到三条关于这一现象的当代艺术研究路线:阿贝拉多·莫雷尔作品中与元摄影相关的暗箱;Zoe Leonard的沉浸式装置作品;以及艺术二人组jo o Maria gusm o和Pedro Paiva作品中对其他世界的预测。本文旨在通过对比研究来分析这三种路径，强调一些当代艺术作品的特点，并将其元素与摄影语境中暗箱的历史和使用联系起来。
{"title":"Notes on camera obscura: three contemporary artistic perspectives on the path of photography","authors":"Filippo De Tomasi","doi":"10.5209/aris.87944","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87944","url":null,"abstract":"\u0000In 1971, Rockne Krebs presented an immersive artwork composed of the optical phenomenon of the camera obscura, among other elements. Although this artist appears to be the first interested in this phenomenon, it was only from the 1990s onwards that the artistic practice of camera obscura as room installation became widespread. In the decades since, several authors have included it in their production—developing projects of a photographic nature through different approaches, mainly focusing on projected image or spectator participation. Through the method of media archaeology, it is possible to find three lines of contemporary artistic research on the phenomenon: camera obscura related to meta-photography in Abelardo Morell’s works; immersive installation pieces as proposed by Zoe Leonard; and projections of other worlds in the work of the artistic duo João Maria Gusmão and Pedro Paiva. This paper aims at a comparative study that intends to analyze these three paths, underlining the characteristics of some contemporary artworks and contextualizing their elements to the history and use of camera obscura in the photographic context. \u0000","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"5 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-09-05","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"84444324","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Anna Mª Biedermann, Ana Serrano-Tierz, Francisco J. Galán-Pérez, Teresa Blanco-Bascuas
Las exposiciones facilitan nuevos contextos de aprendizaje, comunicación y experiencias. Los entornos expositivos son cada vez más mediáticos, incorporan tecnologías audiovisuales e inmersivas. Este cambio parece conectar con el interés del público. Para profundizar en la comprensión de las audiencias y su percepción sobre el impacto cultural, se ha realizado un experimento con 406 participantes en el que los visitantes han sido expuestos al mismo contenido expositivo mostrado en tres formatos distintos. Se ha seguido una estrategia de evaluación basada en métodos mixtos, donde se ha analizado el impacto cultural de cada formato expositivo. Además, se han evaluado los aspectos más valorados por el público a través de doce indicadores identificados y extraídos de la literatura. Este estudio confirma que las audiencias, ante todo jóvenes, prefieren entornos inmersivos, sin embargo, a la hora de exponer al público el mismo contenido, el experimento realizado demuestra que las diferencias en el impacto cultural sobre el individuo no son significativas. Este hecho indicaría que si bien las nuevas tecnologías aplicadas a la expografía tienen mayor importancia como argumento de atracción hacia una exposición no son decisivas en cómo el público evalúa la conexión emocional, el aprendizaje, la reflexión personal, en definitiva, el impacto que ha tenido la exposición en él.
{"title":"Influencia del diseño del formato expositivo en el impacto percibido por las audiencias","authors":"Anna Mª Biedermann, Ana Serrano-Tierz, Francisco J. Galán-Pérez, Teresa Blanco-Bascuas","doi":"10.5209/aris.89220","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.89220","url":null,"abstract":"Las exposiciones facilitan nuevos contextos de aprendizaje, comunicación y experiencias. Los entornos expositivos son cada vez más mediáticos, incorporan tecnologías audiovisuales e inmersivas. Este cambio parece conectar con el interés del público. Para profundizar en la comprensión de las audiencias y su percepción sobre el impacto cultural, se ha realizado un experimento con 406 participantes en el que los visitantes han sido expuestos al mismo contenido expositivo mostrado en tres formatos distintos. Se ha seguido una estrategia de evaluación basada en métodos mixtos, donde se ha analizado el impacto cultural de cada formato expositivo. Además, se han evaluado los aspectos más valorados por el público a través de doce indicadores identificados y extraídos de la literatura. Este estudio confirma que las audiencias, ante todo jóvenes, prefieren entornos inmersivos, sin embargo, a la hora de exponer al público el mismo contenido, el experimento realizado demuestra que las diferencias en el impacto cultural sobre el individuo no son significativas. Este hecho indicaría que si bien las nuevas tecnologías aplicadas a la expografía tienen mayor importancia como argumento de atracción hacia una exposición no son decisivas en cómo el público evalúa la conexión emocional, el aprendizaje, la reflexión personal, en definitiva, el impacto que ha tenido la exposición en él.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"693 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-09-04","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"77393903","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
The displacement from the essay film to the video installation has in Chris Marker one of its first and most relevant figures. The comparative study of Zapping Zone. Proposal for an imaginary television (1990) and Level Five (1997) allows for the analysis of the construction and complexification, and the deconstruction and saturation processes that take place between the most complex expression of the Markerian essay film and its transformation into the video installation. Zapping Zone responds to the embodiment of both the magmatic stage of the postmodern audiovisual era and the starting point of the filmmaker's work (documentaries, essay films, video installations, etc.), which would be the opposite of the writer’s blank page: a saturated world of images that needs to be selected, analysed and worked on in order to build meaning. Level Five offers the filmmaker’s reflection on that same reality, applied to the Battle of Okinawa, through a complex audiovisual thinking process that hybridises different types of images—documentary and fictional; analogue and electronic—devices—epistolary video diary, video game and cyberspace—and their authorial subjectivities—Laura, Laura’s lover and Chris—in order to reflect on the relationship between these audiovisual forms and spaces and the thematic axis memory-pain-oblivion.
{"title":"Zapping Zone and Level Five. Between the visitor’s experience of the video installation and the filmmaker’s reflection of the essay film","authors":"Lourdes Monterrubio-Ibáñez","doi":"10.5209/aris.87867","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87867","url":null,"abstract":"The displacement from the essay film to the video installation has in Chris Marker one of its first and most relevant figures. The comparative study of Zapping Zone. Proposal for an imaginary television (1990) and Level Five (1997) allows for the analysis of the construction and complexification, and the deconstruction and saturation processes that take place between the most complex expression of the Markerian essay film and its transformation into the video installation. Zapping Zone responds to the embodiment of both the magmatic stage of the postmodern audiovisual era and the starting point of the filmmaker's work (documentaries, essay films, video installations, etc.), which would be the opposite of the writer’s blank page: a saturated world of images that needs to be selected, analysed and worked on in order to build meaning. Level Five offers the filmmaker’s reflection on that same reality, applied to the Battle of Okinawa, through a complex audiovisual thinking process that hybridises different types of images—documentary and fictional; analogue and electronic—devices—epistolary video diary, video game and cyberspace—and their authorial subjectivities—Laura, Laura’s lover and Chris—in order to reflect on the relationship between these audiovisual forms and spaces and the thematic axis memory-pain-oblivion. ","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"22 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-09-04","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"79269579","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En este artículo se presenta la experiencia docente e investigadora compartida llevada a cabo entre el Departamento de Educación de Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco y la asignatura Educación en las artes y en la cultura visual del Grado en Educación Primaria de la Facultad de Educación de Bilbao (UPV/EHU). Tras analizar teorías que contemplan la necesidad de abogar por una educación artística de calidad y la relevancia que adquiere en dicho camino el vínculo entre los centros educativos y los museos de arte, se presenta el programa educativo museo-universidad Mano a mano. Ante la potencialidad del museo como herramienta educativa, este programa ha sido diseñado de manera conjunta con el fin de contribuir a la mejora de las capacidades del futuro profesorado a la hora de trabajar en y desde el arte, queriendo, a su vez, poner en valor las posibilidades que brinda la colaboración con un museo de arte. Finalmente, se constata que gracias al programa diseñado el alumnado del Grado de Educación Primaria gana confianza dentro del museo, aumenta su capacidad para plantear propuestas educativas a través de las artes y crece su interés y motivación en relación al arte contemporáneo.
{"title":"El museo de arte contemporáneo como herramienta educativa. Propuesta de un programa de vinculación universidad-museo diseñado para alumnado del Grado en Educación Primaria","authors":"Naiara Herrera, Charo Garaigorta","doi":"10.5209/aris.88819","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.88819","url":null,"abstract":"En este artículo se presenta la experiencia docente e investigadora compartida llevada a cabo entre el Departamento de Educación de Artium Museoa, Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco y la asignatura Educación en las artes y en la cultura visual del Grado en Educación Primaria de la Facultad de Educación de Bilbao (UPV/EHU). Tras analizar teorías que contemplan la necesidad de abogar por una educación artística de calidad y la relevancia que adquiere en dicho camino el vínculo entre los centros educativos y los museos de arte, se presenta el programa educativo museo-universidad Mano a mano. Ante la potencialidad del museo como herramienta educativa, este programa ha sido diseñado de manera conjunta con el fin de contribuir a la mejora de las capacidades del futuro profesorado a la hora de trabajar en y desde el arte, queriendo, a su vez, poner en valor las posibilidades que brinda la colaboración con un museo de arte. Finalmente, se constata que gracias al programa diseñado el alumnado del Grado de Educación Primaria gana confianza dentro del museo, aumenta su capacidad para plantear propuestas educativas a través de las artes y crece su interés y motivación en relación al arte contemporáneo.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-09-04","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"87266692","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El artículo estudia la autoridad que sobre el Nuevo Cine Español ejerció Manuel Villegas López (1906-1980), uno de los críticos de cine más importantes del ámbito hispano. Para ello se recurre al análisis documental de numerosos textos inéditos depositados en el Archivo de la Familia de Villegas: cartas, fotografías, textos preparatorios de conferencias, programas de sesiones de cineclub, etc. Además, se recurre a sus libros, en especial, El nuevo cine español (1967), el primer estudio sobre este movimiento. Con ello demostramos su influencia en la prefiguración, configuración y refiguración del NCE. Es decir, en la formación de los cineastas, en la factura de los filmes y en la formación del público. Se mencionan los autores que reconocen la autoridad de Villegas como Gubern o García Escudero y se confrontan las ideas de Villegas sobre el concepto de modernidad, la diferenciación entre nuevas olas y nuevos cines o el éxito de público con los estudios posteriores de Losilla, Martínez Torres, Monterde o Zunzunegui. Concluimos que la autoridad de Villegas fue ejercida por activa y pasiva, esto es, fue reconocida por unos (de Summers a Saura), criticada por otros (los formalistas de la Escuela de Barcelona) y hasta rechazada (los defensores del cine como espectáculo).
在这篇文章中，我们分析了西班牙电影业最重要的评论家之一Manuel Villegas lopez(2006 -1980)对新西班牙电影的权威。为此，我们对维勒加斯家族档案中许多未发表的文本进行了文献分析:信件、照片、会议准备文本、电影俱乐部会议计划等。此外，还参考了他的书，特别是El nuevo cine espanol(1967)，这是对这一运动的第一次研究。在这篇论文中，我们研究了NCE的结构和演化。换句话说，在电影制作人的培训中，在电影制作中，在公众的培训中。作者提到承认Villegas权威如Gubern garcia药并面临Villegas关于现代性概念的思想、区分新海浪和新电影院或重磅Losilla后续研究,马丁内斯、Monterde或Zunzunegui塔。我们的结论是，维勒加斯的权威是主动的和被动的，也就是说，它被一些人认可(从萨默斯到Saura)，被其他人批评(巴塞罗那学派的形式主义者)，甚至被拒绝(作为一种奇观的电影的支持者)。
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