Fabienne Verdier, artista contemporánea francesa, ha creado un estilo pictórico gestual único que fusiona arte oriental y occidental. Su recorrido empezó a orillas del Sena, en la barcaza que su padre había amarrado frente al Museo de Arte Moderno de París. Tras estudiar arte en Toulouse pasó diez años en China para formarse en la pintura taoísta. Aprende a buscar la esencia de las cosas y a expresarla en una sola pincelada. A su regreso, integra estas enseñanzas en la tradición occidental del expresionismo abstracto. Amplía los formatos y aumenta el gesto del pincel a todo el cuerpo. Esta búsqueda de la expresividad total la lleva a inventar herramientas absolutamente innovadoras como un pincel gigante, sin mango, suspendido del techo, al que injerta un manillar de bicicleta que le permite pintar sus grandes lienzos con ligereza y rapidez, entablando una lucha expresiva que involucra todo el cuerpo. En esta entrevista nos revela su perpetua búsqueda filosófica y artística, sus encuentros con la neurociencia, la astrofísica, la lingüística y sus numerosos proyectos creativos, hasta su última exposición dedicada a las estrellas, al misterio del universo y a la perpetua renovación de la vida.
{"title":"Pintar con todo el cuerpo. Entrevista a Fabienne Verdier","authors":"Laura Apolonio","doi":"10.5209/aris.88101","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.88101","url":null,"abstract":"Fabienne Verdier, artista contemporánea francesa, ha creado un estilo pictórico gestual único que fusiona arte oriental y occidental. Su recorrido empezó a orillas del Sena, en la barcaza que su padre había amarrado frente al Museo de Arte Moderno de París. Tras estudiar arte en Toulouse pasó diez años en China para formarse en la pintura taoísta. Aprende a buscar la esencia de las cosas y a expresarla en una sola pincelada. A su regreso, integra estas enseñanzas en la tradición occidental del expresionismo abstracto. Amplía los formatos y aumenta el gesto del pincel a todo el cuerpo. Esta búsqueda de la expresividad total la lleva a inventar herramientas absolutamente innovadoras como un pincel gigante, sin mango, suspendido del techo, al que injerta un manillar de bicicleta que le permite pintar sus grandes lienzos con ligereza y rapidez, entablando una lucha expresiva que involucra todo el cuerpo. En esta entrevista nos revela su perpetua búsqueda filosófica y artística, sus encuentros con la neurociencia, la astrofísica, la lingüística y sus numerosos proyectos creativos, hasta su última exposición dedicada a las estrellas, al misterio del universo y a la perpetua renovación de la vida.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-07-03","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"87684247","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
The purpose is to compare the development of innovative thinking in two groups of students who learn the intangible cultural heritage of the ancient ethnic group and master oil painting techniques in two formats: distantly and visiting the Miao settlement in the deep southeast of Guizhou. In addition to the traditional learning of oil painting techniques, the students learnt folklore and the cultural heritage of ethnic minorities as a part of the art curriculum. For practice, the control group (96 students) visited the villages of Miao in Guizhou, and the experimental group (96 students) gained experience and knowledge about the Miao ethnic minority distantly, through videos and e-discussions. At the end of the training, the students presented their final oil paintings on the life of the Miao. They have been assessed by teachers and art critics to identify innovative thinking among students as a driving force of creativity. The control group showed higher results on parameters such as Integrity (454 points) and Flexibility (287 points). The high-end result of the control group proved that innovative thinking is best developed by immersing students in the real world of the Miao and allowing them to experiment and feel their works.
{"title":"Oil painting within the framework of art education to support local ethnic cultures and preserve cultural heritage in China","authors":"Beibei Wang","doi":"10.5209/aris.87531","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87531","url":null,"abstract":"The purpose is to compare the development of innovative thinking in two groups of students who learn the intangible cultural heritage of the ancient ethnic group and master oil painting techniques in two formats: distantly and visiting the Miao settlement in the deep southeast of Guizhou. In addition to the traditional learning of oil painting techniques, the students learnt folklore and the cultural heritage of ethnic minorities as a part of the art curriculum. For practice, the control group (96 students) visited the villages of Miao in Guizhou, and the experimental group (96 students) gained experience and knowledge about the Miao ethnic minority distantly, through videos and e-discussions. At the end of the training, the students presented their final oil paintings on the life of the Miao. They have been assessed by teachers and art critics to identify innovative thinking among students as a driving force of creativity. The control group showed higher results on parameters such as Integrity (454 points) and Flexibility (287 points). The high-end result of the control group proved that innovative thinking is best developed by immersing students in the real world of the Miao and allowing them to experiment and feel their works.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-06-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"83030640","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Esta investigación analiza cuatro tipologías de prácticas curatoriales prototípicas, desarrolladas en instituciones rurales, privadas y públicas de la geografía española, cuyos criterios comparten la supeditación a las necesidades del territorio y sus gentes a través de la producción y difusión artística. Los casos de estudio seleccionados son: Genalguacil Pueblo Museo, en la Serranía de Ronda de Málaga; la caminata El Grand Tour de la Nau Côclea de Camallera, en Girona; el programa de TV Territori Contemporani de Vallès Oriental Televisió en Granollers, y la Fundación Cerezales Antonino y Cinia de Cerezales del Condado, en León. Estos espacios desarrollan una labor curatorial permeable e integradora, mediadora, con profundas raíces en un arte sostenible, socialmente comprometido y vinculado a diversidad de prácticas sociales emancipatorias divulgadas bajo el término de prácticas artísticas colaborativas o participativas. Sus rasgos distintivos acaban identificando un tipo de curaduría que opera con distinta intensidad y a diferentes velocidades en cada caso, porque se adapta a las necesidades y características idiosincráticas de los habitantes y agentes de su territorio, actuando en consecuencia. Todos son representativos de cierta curaduría colaborativa que se ha resuelto mediante la introducción de perspectivas de trabajo colaborativas en el seno de la función curatorial.
本研究分析了四种类型的原型策展实践，它们是在西班牙地理上的农村、私人和公共机构中发展起来的，它们的标准通过艺术生产和传播共同服从于领土及其人民的需求。选定的案例研究有:malaga serrania de Ronda的Genalguacil Pueblo博物馆;在赫罗纳的Camallera的Nau coclea大旅行;电视节目Territori Contemporani de valles Oriental televisio在Granollers, Cerezales Antonino和Cinia de Cerezales del Condado基金会在leon。这些空间发展了一种渗透、整合、中介的策展工作，深深植根于可持续的艺术，社会承诺，并与在合作或参与式艺术实践术语下传播的解放社会实践的多样性相联系。它的独特特征最终确定了一种策展类型，在每种情况下以不同的强度和不同的速度运作，因为它适应其领土上的居民和代理人的需求和特殊特征，并采取相应的行动。所有这些都代表了某种合作策展，通过在策展功能中引入合作工作视角来解决。
{"title":"Prácticas curatoriales colaborativas vinculadas al territorio","authors":"Laura Baigorri-Ballarín","doi":"10.5209/aris.87753","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87753","url":null,"abstract":"Esta investigación analiza cuatro tipologías de prácticas curatoriales prototípicas, desarrolladas en instituciones rurales, privadas y públicas de la geografía española, cuyos criterios comparten la supeditación a las necesidades del territorio y sus gentes a través de la producción y difusión artística. Los casos de estudio seleccionados son: Genalguacil Pueblo Museo, en la Serranía de Ronda de Málaga; la caminata El Grand Tour de la Nau Côclea de Camallera, en Girona; el programa de TV Territori Contemporani de Vallès Oriental Televisió en Granollers, y la Fundación Cerezales Antonino y Cinia de Cerezales del Condado, en León. Estos espacios desarrollan una labor curatorial permeable e integradora, mediadora, con profundas raíces en un arte sostenible, socialmente comprometido y vinculado a diversidad de prácticas sociales emancipatorias divulgadas bajo el término de prácticas artísticas colaborativas o participativas. Sus rasgos distintivos acaban identificando un tipo de curaduría que opera con distinta intensidad y a diferentes velocidades en cada caso, porque se adapta a las necesidades y características idiosincráticas de los habitantes y agentes de su territorio, actuando en consecuencia. Todos son representativos de cierta curaduría colaborativa que se ha resuelto mediante la introducción de perspectivas de trabajo colaborativas en el seno de la función curatorial.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-06-08","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"86856793","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El cine del escritor y antropólogo Ruy Duarte de Carvalho ha sido estudiado desde la perspectiva de la antropología y desde la contextualización histórica de su función política en la Angola de los años setenta y ochenta. En este trabajo quiero, complementariamente, examinar su puesta en forma. Las películas de Duarte son obras de urgencia, pero también son obras de un poeta para el que la forma fílmica es importante: más allá de facilitar su circulación, contribuye a que las películas cumplan una función que supere el mero encargo propagandístico. Las obras cinematográficas de Duarte de Carvalho parten de los postulados del MPLA, pero los problematizan, prestando atención y dando voz a etnias cuya relación con lo real no se adecua al tiempo lineal y a la idea de progreso. Al mismo tiempo, sus estrategias constructivas les permiten alzar el vuelo y acercarse cada vez más a lo que Duarte llamó en alguna ocasión poesía no escrita.
作者兼人类学家鲁伊·杜阿尔特·德·卡瓦略的电影从人类学的角度和他在七八十年代安哥拉政治角色的历史背景进行了研究。在这篇文章中，我想进一步研究它的形式。杜阿尔特的电影是紧急作品，但它们也是一位诗人的作品，对他来说，电影的形式很重要:除了促进电影的流通，他还帮助电影实现了超越单纯宣传任务的功能。杜阿尔特·德·卡瓦略(Duarte de Carvalho)的电影作品从安哥拉人民解放运动(MPLA)的假设出发，但对这些假设提出了质疑，关注并给予少数民族发言权，他们与现实的关系不适合线性时间和进步的理念。与此同时，他们的建设性策略让他们飞起来，越来越接近杜阿尔特有时所说的不成文的诗歌。
{"title":"La importancia de la forma en el cine de Ruy Duarte de Carvalho","authors":"F. González-García","doi":"10.5209/aris.87202","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87202","url":null,"abstract":"El cine del escritor y antropólogo Ruy Duarte de Carvalho ha sido estudiado desde la perspectiva de la antropología y desde la contextualización histórica de su función política en la Angola de los años setenta y ochenta. En este trabajo quiero, complementariamente, examinar su puesta en forma. Las películas de Duarte son obras de urgencia, pero también son obras de un poeta para el que la forma fílmica es importante: más allá de facilitar su circulación, contribuye a que las películas cumplan una función que supere el mero encargo propagandístico. Las obras cinematográficas de Duarte de Carvalho parten de los postulados del MPLA, pero los problematizan, prestando atención y dando voz a etnias cuya relación con lo real no se adecua al tiempo lineal y a la idea de progreso. Al mismo tiempo, sus estrategias constructivas les permiten alzar el vuelo y acercarse cada vez más a lo que Duarte llamó en alguna ocasión poesía no escrita.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-06-06","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"91367643","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
R. García-Alvarado, Ernesto Echeverria-Valiente, Flavio Celis-D'amico, Pedro Soza-Ruiz, Hernán Barría-Chateau
El pintor surrealista Roberto Matta comenzó su trayectoria artística después de estudiar arquitectura en Chile y trabajar con Le Corbusier en París en los años treinta, periodo en el cual realizó unas singulares ilustraciones residenciales. Este trabajo presenta una revisión e interpretación geométrica de estas imágenes para comprender sus características y posibilidades. Se revisan antecedentes de su realización, y se desarrolla un registro de elementos y modelación paramétrica tridimensional de las formas y organización espacial de las ilustraciones, interpretando su configuración y vinculación con aspectos arquitectónicos. Se elabora una restitución tridimensional basada en la interpretación perspectiva de los elementos, y una programación paramétrica de la geometría de los elementos y ambientes, que permite reconstituir vistas similares a las imágenes, como también generar nuevas vistas, recorridos y configuraciones. La restitución paramétrica de estas imágenes revela posibilidades formales que evidencian una definición espacial relacionada con un cuestionamiento emocional al diseño de las viviendas, expresando una alternativa temprana al desarrollo habitacional moderno.
{"title":"Restitución Paramétrica de ilustraciones residenciales del pintor surrealista Roberto Matta","authors":"R. García-Alvarado, Ernesto Echeverria-Valiente, Flavio Celis-D'amico, Pedro Soza-Ruiz, Hernán Barría-Chateau","doi":"10.5209/aris.87629","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87629","url":null,"abstract":"El pintor surrealista Roberto Matta comenzó su trayectoria artística después de estudiar arquitectura en Chile y trabajar con Le Corbusier en París en los años treinta, periodo en el cual realizó unas singulares ilustraciones residenciales. Este trabajo presenta una revisión e interpretación geométrica de estas imágenes para comprender sus características y posibilidades. Se revisan antecedentes de su realización, y se desarrolla un registro de elementos y modelación paramétrica tridimensional de las formas y organización espacial de las ilustraciones, interpretando su configuración y vinculación con aspectos arquitectónicos. Se elabora una restitución tridimensional basada en la interpretación perspectiva de los elementos, y una programación paramétrica de la geometría de los elementos y ambientes, que permite reconstituir vistas similares a las imágenes, como también generar nuevas vistas, recorridos y configuraciones. La restitución paramétrica de estas imágenes revela posibilidades formales que evidencian una definición espacial relacionada con un cuestionamiento emocional al diseño de las viviendas, expresando una alternativa temprana al desarrollo habitacional moderno.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"80717981","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
La inclusión social debe ser un eje rector en los museos desde todas sus aristas de accesibilidad, diversidad y equidad que aún no han alcanzado un nivel de desarrollo e implementación adecuado. El objetivo de este estudio es analizar en qué aspectos se manifiesta la noción de inclusión social en los museos de arte chilenos para determinar el papel que este concepto posee en su misión institucional y sus prácticas educativas, así como conocer qué entienden por inclusión social. Para ello, se trabaja desde un enfoque de análisis cualitativo deductivo que nos permite identificar los factores de inclusión más presentes a través del análisis de sus documentos institucionales organizativos y educativos. Para el análisis se utilizó una pauta con cinco categorías preestablecidas: (1) orientación de museo al público, (2) tipo de público, (3) accesibilidad del museo, (4) equidad y diversidad del equipo y (5) enfoque educativo. Los resultados revelaron que los museos entienden y abordan el concepto de inclusión desde un enfoque reduccionista, principalmente referido a la atención de públicos. Estos resultados subrayan la necesidad de continuar definiendo y formando a las instituciones y sus equipos respecto a la polivocalidad, la educación activa, y a la equidad y diversidad.
{"title":"La inclusión social en los museos de arte chilenos: Un análisis de los factores de accesibilidad, diversidad y equidad","authors":"Kata Springinzeisz, Silvia García-Ceballos","doi":"10.5209/aris.87397","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87397","url":null,"abstract":"La inclusión social debe ser un eje rector en los museos desde todas sus aristas de accesibilidad, diversidad y equidad que aún no han alcanzado un nivel de desarrollo e implementación adecuado. El objetivo de este estudio es analizar en qué aspectos se manifiesta la noción de inclusión social en los museos de arte chilenos para determinar el papel que este concepto posee en su misión institucional y sus prácticas educativas, así como conocer qué entienden por inclusión social. Para ello, se trabaja desde un enfoque de análisis cualitativo deductivo que nos permite identificar los factores de inclusión más presentes a través del análisis de sus documentos institucionales organizativos y educativos. Para el análisis se utilizó una pauta con cinco categorías preestablecidas: (1) orientación de museo al público, (2) tipo de público, (3) accesibilidad del museo, (4) equidad y diversidad del equipo y (5) enfoque educativo. Los resultados revelaron que los museos entienden y abordan el concepto de inclusión desde un enfoque reduccionista, principalmente referido a la atención de públicos. Estos resultados subrayan la necesidad de continuar definiendo y formando a las instituciones y sus equipos respecto a la polivocalidad, la educación activa, y a la equidad y diversidad.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-05-25","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"85774837","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Estella Freire-Pérez, Carmen Franco-Vázquez, Olalla Cortizas
El objetivo principal de este artículo es el de presentar una metodología para el desarrollo de proyectos educativos intergeneracionales que conecten escuela, barrio, infancia y comunidad. Establecer un diálogo compartido que relacione la visión espontánea de la infancia con la mirada y experiencia de generaciones anteriores, significa reconocer el papel fundamental de ambos colectivos como principales agentes activos para el cambio social. Educando desde los primeros años en el conocimiento de la cultura propia de nuestro contexto local, conseguiremos generar actitudes de sensibilidad, respecto y crítica consciente sobre las problemáticas que nos afectan en el día a día. Los tres proyectos realizados parten de una investigación previa sobre el lugar que se realiza a través de encuentros vecinales en los centros sociales del barrio, y que sirve como detonante para el desarrollo de los talleres con la infancia. Finalmente, se realiza un soporte de creación colectiva que varía en las diferentes propuestas y que funciona a modo de registro y transferencia de los contenidos analizados. Estos dispositivos de mediación son el resultado de la aplicación del modelo metodológico presentado, conformando una extensa base documental para el desarrollo de nuevos proyectos de acción e investigación sobre la construcción social del lugar.
{"title":"Miradas compartidas del lugar. Patrones para el diseño de proyectos intergeneracionales escuela-barrio","authors":"Estella Freire-Pérez, Carmen Franco-Vázquez, Olalla Cortizas","doi":"10.5209/aris.87276","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87276","url":null,"abstract":"El objetivo principal de este artículo es el de presentar una metodología para el desarrollo de proyectos educativos intergeneracionales que conecten escuela, barrio, infancia y comunidad. Establecer un diálogo compartido que relacione la visión espontánea de la infancia con la mirada y experiencia de generaciones anteriores, significa reconocer el papel fundamental de ambos colectivos como principales agentes activos para el cambio social. Educando desde los primeros años en el conocimiento de la cultura propia de nuestro contexto local, conseguiremos generar actitudes de sensibilidad, respecto y crítica consciente sobre las problemáticas que nos afectan en el día a día. Los tres proyectos realizados parten de una investigación previa sobre el lugar que se realiza a través de encuentros vecinales en los centros sociales del barrio, y que sirve como detonante para el desarrollo de los talleres con la infancia. Finalmente, se realiza un soporte de creación colectiva que varía en las diferentes propuestas y que funciona a modo de registro y transferencia de los contenidos analizados. Estos dispositivos de mediación son el resultado de la aplicación del modelo metodológico presentado, conformando una extensa base documental para el desarrollo de nuevos proyectos de acción e investigación sobre la construcción social del lugar.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-05-23","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81068754","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
A partir de un trabajo etnográfico, el artículo analiza las maneras en que una pedagogía comprometida, desarrollada desde hace diez años en una escuela ubicada en los márgenes de la Ciudad de México, echa mano de prácticas artísticas como el performance para ayudar a los/as estudiantes a indagar y pensar el abandono social que prevalece en sus comunidades, al tiempo que les permite imaginar un futuro más esperanzador. Se propone entender algunos de los performances llevados a cabo como lumpenperformance, pues los/as alumnos/as visten harapos y basura para crear imágenes corporales que metaforizan la precarización que se vive en la periferia, revelando posteriormente una imagen que expresa esperanza por medio del acto de “desechar el desecho” con el que finalizan todas estas acciones. Se concluye que los lumpenperformances son procesos pedagógicos de investigación/creación que permiten a las/os estudiantes articular colectivamente un gesto utópico que no es una reacción de optimismo banal, sino que se manifiesta como una “imaginación material”: un tipo de agencia que configura modos de hacer por medio de la creación de imágenes de desecho que trasmutan en imágenes de esperanza, generando así un aprendizaje sensible y crítico sobre las formas de vida en la periferia urbana.
{"title":"Utopía, educación y prácticas artísticas: el lumpenperformance como herramienta pedagógica para crear esperanza ante el abandono en la periferia urbana","authors":"José R. Gutiérrez-Vargas","doi":"10.5209/aris.85394","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.85394","url":null,"abstract":"A partir de un trabajo etnográfico, el artículo analiza las maneras en que una pedagogía comprometida, desarrollada desde hace diez años en una escuela ubicada en los márgenes de la Ciudad de México, echa mano de prácticas artísticas como el performance para ayudar a los/as estudiantes a indagar y pensar el abandono social que prevalece en sus comunidades, al tiempo que les permite imaginar un futuro más esperanzador. Se propone entender algunos de los performances llevados a cabo como lumpenperformance, pues los/as alumnos/as visten harapos y basura para crear imágenes corporales que metaforizan la precarización que se vive en la periferia, revelando posteriormente una imagen que expresa esperanza por medio del acto de “desechar el desecho” con el que finalizan todas estas acciones. Se concluye que los lumpenperformances son procesos pedagógicos de investigación/creación que permiten a las/os estudiantes articular colectivamente un gesto utópico que no es una reacción de optimismo banal, sino que se manifiesta como una “imaginación material”: un tipo de agencia que configura modos de hacer por medio de la creación de imágenes de desecho que trasmutan en imágenes de esperanza, generando así un aprendizaje sensible y crítico sobre las formas de vida en la periferia urbana.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-05-23","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"82987916","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Since its publication in 1572 the poem Os Lusíadas by Luís de Camões has been considered a masterwork, describing in decasyllabic verses one of the most extraordinary events of the Portuguese sixteenth century: the conquest of seas never before sailed and the triumphant arrival in the lands of Calicut in 1497. However, it was only from the last quarter of the eighteenth century that Camões’s work became a scholarly benchmark in the curriculum vitae of Portuguese artists. This was due above all to the cultural context of the era, closely attuned to the interest of the Lisbon elites in recovering Portuguese poetic memory. It can be stated that this era witnessed the recovery of Os Lusíadas, which had won its own space in Lisbon artistic circles, later serving different “causes” throughout the nineteenth and twentieth centuries, in a striking process of reversed “Ekfrásis”.
自1572年出版以来，这首由Luís de Camões创作的诗《Os Lusíadas》一直被认为是一部杰作，它用十字诗描述了16世纪葡萄牙人最不寻常的事件之一:征服从未航行过的海洋，并于1497年成功抵达卡利卡特的土地。然而，直到18世纪的最后25年，Camões的作品才成为葡萄牙艺术家简历中的学术基准。这首先是由于那个时代的文化背景，与里斯本精英们对恢复葡萄牙诗意记忆的兴趣密切相关。可以说，这个时代见证了Os Lusíadas的复苏，它在里斯本艺术界赢得了自己的空间，后来在整个19世纪和20世纪为不同的“原因”服务，在一个惊人的逆转“Ekfrásis”的过程中。
{"title":"Concepts of “Reversed Ekfrásis”: Camões’s Poetry in Portuguese Artistic Narrative","authors":"S. Braga","doi":"10.5209/aris.87693","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.87693","url":null,"abstract":"Since its publication in 1572 the poem Os Lusíadas by Luís de Camões has been considered a masterwork, describing in decasyllabic verses one of the most extraordinary events of the Portuguese sixteenth century: the conquest of seas never before sailed and the triumphant arrival in the lands of Calicut in 1497. However, it was only from the last quarter of the eighteenth century that Camões’s work became a scholarly benchmark in the curriculum vitae of Portuguese artists. This was due above all to the cultural context of the era, closely attuned to the interest of the Lisbon elites in recovering Portuguese poetic memory. It can be stated that this era witnessed the recovery of Os Lusíadas, which had won its own space in Lisbon artistic circles, later serving different “causes” throughout the nineteenth and twentieth centuries, in a striking process of reversed “Ekfrásis”.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-05-22","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73883857","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Eva Gregori-Giralt, Carmen Benítez-Robles, J. Menéndez-Varela
El Objetivo de Desarrollo Sostenible 4 propone una educación de calidad, pertinente, efectiva e igualitaria que debe permitir a la persona intervenir en el mundo. Esta idea de participación en la comunidad es la base del concepto actual de alfabetización. Dada la dependencia de la imagen atribuida a la cultura contemporánea, se infiere que dicha alfabetización integra lo visual e inspira la redacción del ODS número 4, máxime considerando todos los beneficios educativos que las investigaciones han reconocido al trabajo con imágenes. El artículo examina cuál es la definición concreta de alfabetización que manejan los ODS y qué papel desempeña en ella la visual. Para ello, se analiza una selección de textos promovidos por UNESCO partiendo del hecho de que es el organismo que lidera y coordina el ODS 4. El resultado de dicho análisis muestra que la alfabetización visual no es mencionada en ninguno de los documentos examinados; que ello supone un desajuste con el concepto de una alfabetización que debe ayudar a vivir en sociedad; y que tal vez esta omisión de la imagen responda a la certidumbre de que introducirla en los sistemas educativos supone una transformación en profundidad de los mismos no asumible en 2030.
{"title":"La alfabetización visual y los Objetivos de Desarrollo Sostenible: un estudio del concepto de alfabetización en los documentos de la UNESCO","authors":"Eva Gregori-Giralt, Carmen Benítez-Robles, J. Menéndez-Varela","doi":"10.5209/aris.82025","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.82025","url":null,"abstract":"El Objetivo de Desarrollo Sostenible 4 propone una educación de calidad, pertinente, efectiva e igualitaria que debe permitir a la persona intervenir en el mundo. Esta idea de participación en la comunidad es la base del concepto actual de alfabetización. Dada la dependencia de la imagen atribuida a la cultura contemporánea, se infiere que dicha alfabetización integra lo visual e inspira la redacción del ODS número 4, máxime considerando todos los beneficios educativos que las investigaciones han reconocido al trabajo con imágenes. El artículo examina cuál es la definición concreta de alfabetización que manejan los ODS y qué papel desempeña en ella la visual. Para ello, se analiza una selección de textos promovidos por UNESCO partiendo del hecho de que es el organismo que lidera y coordina el ODS 4. El resultado de dicho análisis muestra que la alfabetización visual no es mencionada en ninguno de los documentos examinados; que ello supone un desajuste con el concepto de una alfabetización que debe ayudar a vivir en sociedad; y que tal vez esta omisión de la imagen responda a la certidumbre de que introducirla en los sistemas educativos supone una transformación en profundidad de los mismos no asumible en 2030.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-05-22","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"91196900","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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