Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022146
Clediane Lourenço
Este artigo pretende investigar imagens de pinheiros na pintura paranaense. Parte-se de obras de diversos artistas do Estado de diferentes períodos e contextos, nos quais se observam as relações do detalhe na obra e a obra em detalhe, mas também a abordagem de trecho e as singularidades dessa figura. As reflexões de Georges Didi-Hubermann acerca da Aporia do Detalhe e do Trecho dão suporte para pensar a imagem intermitente do pinheiro; nas suas aparições mínimas, fantasmáticas, tênues, diluídas e delusórias. Ainda, apresenta-se o pinheiro como um processo de acumulação de espaço, tempo e memória, que implica a diferença e a repetição, o sintoma e a abertura da imagem na sua relação com a história, na convocação de um passado e/ou futuro, que interrompe o tempo linear.
{"title":"A Visibilidade Tênue e a Delusão na Imagem do Pinheiro na Pintura Paranaense","authors":"Clediane Lourenço","doi":"10.5965/2175234614332022146","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022146","url":null,"abstract":"Este artigo pretende investigar imagens de pinheiros na pintura paranaense. Parte-se de obras de diversos artistas do Estado de diferentes períodos e contextos, nos quais se observam as relações do detalhe na obra e a obra em detalhe, mas também a abordagem de trecho e as singularidades dessa figura. As reflexões de Georges Didi-Hubermann acerca da Aporia do Detalhe e do Trecho dão suporte para pensar a imagem intermitente do pinheiro; nas suas aparições mínimas, fantasmáticas, tênues, diluídas e delusórias. Ainda, apresenta-se o pinheiro como um processo de acumulação de espaço, tempo e memória, que implica a diferença e a repetição, o sintoma e a abertura da imagem na sua relação com a história, na convocação de um passado e/ou futuro, que interrompe o tempo linear.","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"47464958","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022251
M. Craveiro, V. Gomes, Mercês Lorena, Francisco Gil, L. Catarino
A realidade que se observa em cada momento é a expressão de um olhar contaminado pelo observador e por um tempo mais ou menos longo que pertence aos objetos; neles se condensa um processo sempre ativo de interferências, que escapa, muitas vezes, à real descodificação das obras. A pintura da Anunciação (MNMC2528) é precisamente um dos casos que requer a concentração no detalhe para resgatar uma integridade perdida. Aparentemente unidos pela iconografia que lhe é própria (o Arcanjo Gabriel e a Virgem), os dois painéis que a constituem chegaram ao século XXI reunidos num só. Pela análise do detalhe foi possível intuir que, para além da camada pictórica observável, se escondia outra verdade, comprovada agora pelo trabalho de conservação e restauro e pelas análises laboratoriais realizadas. A pintura correspondia a dois painéis separados (e unidos em tempo incerto), ocultando também os sinais mais evidentes (como a presença de um cão) de uma outra cultura estética. O sentido humanista da pintura inicial transformou-se então em “panfleto” mais óbvio dos valores da Reforma Católica (com a atribuição ao pintor Bernardo Manuel), e assim chegou aos nossos dias e à capacidade para descodificar as camadas do tempo. Pilar num processo investigativo interdisciplinar, o detalhe assume-se, desta forma, como o grande protagonista que conduz à inteligibilidade das formas e da cultura do tempo.
{"title":"A radiografia do tempo. A Anunciação do Museu Nacional de Machado de Castro","authors":"M. Craveiro, V. Gomes, Mercês Lorena, Francisco Gil, L. Catarino","doi":"10.5965/2175234614332022251","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022251","url":null,"abstract":"A realidade que se observa em cada momento é a expressão de um olhar contaminado pelo observador e por um tempo mais ou menos longo que pertence aos objetos; neles se condensa um processo sempre ativo de interferências, que escapa, muitas vezes, à real descodificação das obras. A pintura da Anunciação (MNMC2528) é precisamente um dos casos que requer a concentração no detalhe para resgatar uma integridade perdida. Aparentemente unidos pela iconografia que lhe é própria (o Arcanjo Gabriel e a Virgem), os dois painéis que a constituem chegaram ao século XXI reunidos num só. Pela análise do detalhe foi possível intuir que, para além da camada pictórica observável, se escondia outra verdade, comprovada agora pelo trabalho de conservação e restauro e pelas análises laboratoriais realizadas. A pintura correspondia a dois painéis separados (e unidos em tempo incerto), ocultando também os sinais mais evidentes (como a presença de um cão) de uma outra cultura estética. O sentido humanista da pintura inicial transformou-se então em “panfleto” mais óbvio dos valores da Reforma Católica (com a atribuição ao pintor Bernardo Manuel), e assim chegou aos nossos dias e à capacidade para descodificar as camadas do tempo. Pilar num processo investigativo interdisciplinar, o detalhe assume-se, desta forma, como o grande protagonista que conduz à inteligibilidade das formas e da cultura do tempo.","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"41639803","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022421
Ana Cristina Lima Santos, Isabela de Souza Vilela
Este artigo investiga a obra Postcards from Brazil, realizada em 2016 por Gilvan Barreto, na qual fotografias de paisagens difundidas durante a ditadura civil-militar brasileira são transformadas em cartões-postais que, retalhados, passam a referenciar assassinatos ocorridos nos locais retratados. Busca-se, aqui, apreender de que forma a ressignificação dessas imagens visa o passado autoritário sob a ótica da reconstrução da verdade e da memória sobre a violência ditatorial. O artigo reflete sobre a noção de paisagem, inclusive no que diz respeito à sua constituição histórica. Em seguida, analisa como o artista a subverte em seus predicados imaginados na medida em que inscreve os crimes no espaço, dando visibilidade aos horrores da ditadura, em um mecanismo de resistência voltado para as vítimas, então eternizadas nos vazios impostos à paisagem.
本文调查了吉尔万·巴雷托(Gilvan Barreto) 2016年创作的作品《来自巴西的明信片》(Postcards from Brazil)，在这幅作品中，巴西军民独裁时期传播的风景照片被转换成明信片，这些明信片被撕碎后，开始参考所描绘地点发生的谋杀。在这里，我们试图从重建关于独裁暴力的真相和记忆的角度来理解这些图像的重新定义是如何针对独裁的过去的。本文对景观的概念进行了反思，包括其历史构成。然后分析艺术家是如何颠覆他想象中的谓词的，因为他将犯罪记录在空间中，让人们看到独裁的恐怖，在一种针对受害者的抵抗机制中，然后在强加于景观的空白中永恒。
{"title":"Da beleza ao horror, da ditadura à resistência: a ressignificação de paisagens em Postcards from Brazil","authors":"Ana Cristina Lima Santos, Isabela de Souza Vilela","doi":"10.5965/2175234614332022421","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022421","url":null,"abstract":"Este artigo investiga a obra Postcards from Brazil, realizada em 2016 por Gilvan Barreto, na qual fotografias de paisagens difundidas durante a ditadura civil-militar brasileira são transformadas em cartões-postais que, retalhados, passam a referenciar assassinatos ocorridos nos locais retratados. Busca-se, aqui, apreender de que forma a ressignificação dessas imagens visa o passado autoritário sob a ótica da reconstrução da verdade e da memória sobre a violência ditatorial. O artigo reflete sobre a noção de paisagem, inclusive no que diz respeito à sua constituição histórica. Em seguida, analisa como o artista a subverte em seus predicados imaginados na medida em que inscreve os crimes no espaço, dando visibilidade aos horrores da ditadura, em um mecanismo de resistência voltado para as vítimas, então eternizadas nos vazios impostos à paisagem.","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"46609465","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022320
Fabrício Andrade Pereira, I. Rocha
O artigo discute o Ensino de Artes Visuais, a partir de uma escola em Betim-MG, durante a pandemia causada pelo novo coronavírus. As atividades oferecidas, em um primeiro momento, podem ser tomadas como ponto de partida para refletir sobre os desafios que estão surgindo em relação à construção do conhecimento em Arte no contexto do Ensino Remoto Emergencial. Este artigo busca retomar o debate de alguns aspectos relevantes ao Ensino de Arte, como a Abordagem Triangular, a potencialidade dos imprevistos e das experiências trazidas pelos educandos para oportunizar aprendizagens significativas, os objetos estendidos, a incitação à criação artística por meio da Arte Contemporânea, a Instalação como práxis artística levando a desconstrução de espaços e ideias no ambiente doméstico. Por fim, apresenta-se algumas distinções entre o Ensino Remoto Emergencial e a Educação a Distância, concluindo que a interação, sobretudo, a realizada presencialmente entre os indivíduos, tem uma função central no processo de internalização do conhecimento. Os principais autores trabalhados são Antunes (2020), Pimentel (2011), Zamperetti (2021) entre outros.
{"title":"Ensino de Artes Visuais em um contexto de pandemia: interlocuções para o Ensino Remoto Emergencial","authors":"Fabrício Andrade Pereira, I. Rocha","doi":"10.5965/2175234614332022320","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022320","url":null,"abstract":"O artigo discute o Ensino de Artes Visuais, a partir de uma escola em Betim-MG, durante a pandemia causada pelo novo coronavírus. As atividades oferecidas, em um primeiro momento, podem ser tomadas como ponto de partida para refletir sobre os desafios que estão surgindo em relação à construção do conhecimento em Arte no contexto do Ensino Remoto Emergencial. Este artigo busca retomar o debate de alguns aspectos relevantes ao Ensino de Arte, como a Abordagem Triangular, a potencialidade dos imprevistos e das experiências trazidas pelos educandos para oportunizar aprendizagens significativas, os objetos estendidos, a incitação à criação artística por meio da Arte Contemporânea, a Instalação como práxis artística levando a desconstrução de espaços e ideias no ambiente doméstico. Por fim, apresenta-se algumas distinções entre o Ensino Remoto Emergencial e a Educação a Distância, concluindo que a interação, sobretudo, a realizada presencialmente entre os indivíduos, tem uma função central no processo de internalização do conhecimento. Os principais autores trabalhados são Antunes (2020), Pimentel (2011), Zamperetti (2021) entre outros.","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"43272388","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022087
Marize Malta
A partir de quatro peças em micro mosaico da coleção Ferreira das Neves do Museu D. João VI-EBA-UFRJ, a proposta deste artigo aborda a análise da técnica, de sua forma-imagem, historicidade e seu processo colecionista, a identificação de sua procedência e datação, os percursos teórico-metodológicos envolvidos na pesquisa e as reflexões instigadas pela estética das coisas minúsculas, cujo olhar está incontornavelmente relacionado à proximidade e ao detalhe. Nesse sentido, busca-se apresentar a importância das coisas minúsculas para as narrativas da história da arte e sua potência estética particular.
本文从D.João VI Museum EBA UFRJ的Ferreira das Neves藏品中的四件微马赛克作品中，分析了该技术、其图像形式、历史性及其收藏过程、其起源和日期的确定，研究所涉及的理论和方法论路径，以及微小事物美学所引发的思考，其外观不可避免地与接近和细节有关。从这个意义上说，我们试图呈现微小事物对艺术史叙事的重要性及其独特的美学力量。
{"title":"Detalhes importam: micro mosaicos e a estética da coisa minúscula","authors":"Marize Malta","doi":"10.5965/2175234614332022087","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022087","url":null,"abstract":"A partir de quatro peças em micro mosaico da coleção Ferreira das Neves do Museu D. João VI-EBA-UFRJ, a proposta deste artigo aborda a análise da técnica, de sua forma-imagem, historicidade e seu processo colecionista, a identificação de sua procedência e datação, os percursos teórico-metodológicos envolvidos na pesquisa e as reflexões instigadas pela estética das coisas minúsculas, cujo olhar está incontornavelmente relacionado à proximidade e ao detalhe. Nesse sentido, busca-se apresentar a importância das coisas minúsculas para as narrativas da história da arte e sua potência estética particular.","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"48664229","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022190
P. Telles
À la fin du XVIIIe siècle, Rome domine encore les rêves et les objectifs des artistes européens. Ils partent de Paris, de Londres, mais aussi de villes moins étudiées par l’histoire de l’art canonique, comme Lisbonne et Madrid, ou même Marseille, Barcelone ou Saragosse. Par l’énumération détaillée de ses arrêts entre Lisbonne et la « Ville éternelle », l’itinéraire terrestre du prêtre portugais Anastacio de Santa Clara, publié pour la première fois en 1791, fondé sur son expérience personnelle, nous permet de retracer certains de ces itinéraires, usuels mais moins connus - car partant des confins occidentaux de l’Europe - et de mieux comprendre ainsi ces parcours, en termes temporels et visuels. Nous parcourrons avec lui le chemin jusqu’à Gênes, où il recommande au voyager d’embarquer et poursuivre par la mer.
18世纪末，罗马仍然主导着欧洲艺术家的梦想和目标。他们从巴黎、伦敦出发，但也从传统艺术史研究较少的城市出发，如里斯本和马德里，甚至马赛、巴塞罗那或萨拉戈萨。1791年，葡萄牙牧师阿纳斯塔西奥·德·圣克拉拉（Anastacio de Santa Clara）根据自己的个人经历首次出版了《里斯本和“永恒之城”之间的陆路路线》，详细列出了他在里斯本和“永恒之城”之间的停留时间，使我们能够追溯其中一些常见但鲜为人知的路线-因为它们来自欧洲西部边界-从而从时间和视觉角度更好地理解这些路线。我们将与他一起前往热那亚，在那里他建议旅行者上船并继续出海。
{"title":"Direction : Rome - détails d’un trajet entre Lisbonne et Gênes à la fin du Settecento","authors":"P. Telles","doi":"10.5965/2175234614332022190","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022190","url":null,"abstract":"À la fin du XVIIIe siècle, Rome domine encore les rêves et les objectifs des artistes européens. Ils partent de Paris, de Londres, mais aussi de villes moins étudiées par l’histoire de l’art canonique, comme Lisbonne et Madrid, ou même Marseille, Barcelone ou Saragosse. Par l’énumération détaillée de ses arrêts entre Lisbonne et la « Ville éternelle », l’itinéraire terrestre du prêtre portugais Anastacio de Santa Clara, publié pour la première fois en 1791, fondé sur son expérience personnelle, nous permet de retracer certains de ces itinéraires, usuels mais moins connus - car partant des confins occidentaux de l’Europe - et de mieux comprendre ainsi ces parcours, en termes temporels et visuels. Nous parcourrons avec lui le chemin jusqu’à Gênes, où il recommande au voyager d’embarquer et poursuivre par la mer.\u0000 ","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"49083982","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022349
Andréia Cristina Dulianel
O artigo aborda a criação de livros de artista como dispositivos que auxiliam a sistematização de minha pesquisa em poéticas visuais, apresentando-se como uma forma de mapeamento visual do processo criativo, criando pistas e possíveis trajetos para reflexão. Partindo da abordagem metodológica de Warburg, ao organizar a sua biblioteca elíptica (Biblioteca Warburg, atualmente Instituto Warburg) ou ao criar seu Atlas Mnemosyne a partir do princípio de “Lei da boa vizinhança”, levando em consideração a capacidade de livros ou imagens de se relacionarem entre si, sem a necessidade de uma organização tão óbvia ou linear, como a cronológica ou por nome dos autores. Deste modo, partir da justaposição de imagens de minha criação e obras de artistas que são referência em meu processo, apresento quatro livros de artista que dão conta de quatro eixos de discussão, dentro de minha poética, os quais serão apresentados de forma sucinta neste artigo, pois o objetivo central será a discussão da metodologia adotada na organização do trabalho em si, através dos livros de artista, assim como uma discussão sobre os desafios de se realizar uma pesquisa na área de processo de criação.
{"title":"Livros de artista como dispositivo na pesquisa em arte","authors":"Andréia Cristina Dulianel","doi":"10.5965/2175234614332022349","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022349","url":null,"abstract":"O artigo aborda a criação de livros de artista como dispositivos que auxiliam a sistematização de minha pesquisa em poéticas visuais, apresentando-se como uma forma de mapeamento visual do processo criativo, criando pistas e possíveis trajetos para reflexão. Partindo da abordagem metodológica de Warburg, ao organizar a sua biblioteca elíptica (Biblioteca Warburg, atualmente Instituto Warburg) ou ao criar seu Atlas Mnemosyne a partir do princípio de “Lei da boa vizinhança”, levando em consideração a capacidade de livros ou imagens de se relacionarem entre si, sem a necessidade de uma organização tão óbvia ou linear, como a cronológica ou por nome dos autores. Deste modo, partir da justaposição de imagens de minha criação e obras de artistas que são referência em meu processo, apresento quatro livros de artista que dão conta de quatro eixos de discussão, dentro de minha poética, os quais serão apresentados de forma sucinta neste artigo, pois o objetivo central será a discussão da metodologia adotada na organização do trabalho em si, através dos livros de artista, assim como uma discussão sobre os desafios de se realizar uma pesquisa na área de processo de criação.","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"71101318","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022064
Paulo Simões Rodrigues
Em Lisboa, no século XIX, durante a campanha de restauro do Convento da Madre de Deus, edifício fundado no século XVI, no capitel de uma das colunas de um dos claustros, foi esculpido um comboio a vapor, a entrar num túnel. Pretendemos demonstrar que não se tratou de um equívoco, mas da figuração de um detalhe explicitamente moderno que funcionasse como dispositivo temporal que distinguisse as alterações introduzidas pelo restauro das pré-existências, em linha com o restauro filológico de Camillo Boito, mesmo quando as primeiras recriavam o estilo arquitetónico original do edifício, em conformidade com os princípios do restauro estilístico de Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc. Num restauro ainda dominado pela doutrina de Viollet-le-Duc, representará um primeiro impacte da receção das ideias de Boito em Portugal.
19世纪，在里斯本，一座建于16世纪的建筑Madre de Deus修道院的修复活动中，在其中一座回廊的一根柱子的首都上，雕刻了一列蒸汽火车，进入一条隧道。我们打算证明，这不是一个误解，而是一个明确的现代细节的塑造，它起到了一种时间装置的作用，与卡米洛·博伊托的文献学修复相一致，区分了先前存在的修复所带来的变化，即使前者重建了建筑的原始建筑风格，按照欧风格修复的原则。在一个仍然由维奥莱特·勒杜克学说主导的复辟中，这将代表葡萄牙接受博伊托思想的第一次影响。
{"title":"O detalhe como dispositivo temporal do restauro arquitetónico em Portugal no século XIX: o caso do comboio no convento da Madre de Deus em Lisboa","authors":"Paulo Simões Rodrigues","doi":"10.5965/2175234614332022064","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022064","url":null,"abstract":"Em Lisboa, no século XIX, durante a campanha de restauro do Convento da Madre de Deus, edifício fundado no século XVI, no capitel de uma das colunas de um dos claustros, foi esculpido um comboio a vapor, a entrar num túnel. Pretendemos demonstrar que não se tratou de um equívoco, mas da figuração de um detalhe explicitamente moderno que funcionasse como dispositivo temporal que distinguisse as alterações introduzidas pelo restauro das pré-existências, em linha com o restauro filológico de Camillo Boito, mesmo quando as primeiras recriavam o estilo arquitetónico original do edifício, em conformidade com os princípios do restauro estilístico de Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc. Num restauro ainda dominado pela doutrina de Viollet-le-Duc, representará um primeiro impacte da receção das ideias de Boito em Portugal.","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"49190537","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022224
Marco Antonio Baptista
O retrato de Bethencourt da Silva é uma complexa composição do artista catarinense Sebastião Vieira Fernandes. O personagem central dessa obra, Bethencourt da Silva, é o idealizador e mantenedor do Liceu de Artes e Ofícios, local onde Sebastião Fernandes teve formação e atuou como professor até seus últimos dias. A composição criada para homenagear Bethencourt celebra também o aniversário de fundação do Liceu, que, ao lado da Academia Imperial de Belas Artes, foi um dos principais centros de ensino de artes no Brasil. Através da leitura detalhada dos elementos figurativos e da estrutura compositiva, procura-se entender um pouco mais do caráter do retratado tal como apresentado pelo pintor, e, por conseguinte, reconhecer também um pouco da linguagem poética do artista. Da mesma forma, é perceptível que a conexão entre artista e retratado desenvolvida pelo vínculo destes com o Liceu se materializa nas cores e formas desta pintura.
贝当古·达·席尔瓦的肖像是圣卡塔琳娜艺术家sebastiao维埃拉·费尔南德斯的复杂作品。这部作品的中心人物贝思考特·达·席尔瓦(Bethencourt da Silva)是Liceu de Artes e oficios的创始人和维护者，sebastiao费尔南德斯(sebastiao Fernandes)在这里接受培训并担任教师，直到他去世。为纪念贝当古而创作的作品也庆祝了Liceu的成立纪念日，Liceu与帝国美术学院(Imperial academy of fine arts)一起，是巴西主要的艺术教学中心之一。通过对具象元素和构图结构的详细阅读，我们试图对画家所呈现的人物性格有更多的理解，从而也认识到艺术家的一些诗意语言。同样值得注意的是，艺术家和被描绘者之间的联系是由他们与高中的联系发展起来的，体现在这幅画的颜色和形式上。
{"title":"Sebastião Vieira Fernandes e o retrato de Bethencourt da Silva","authors":"Marco Antonio Baptista","doi":"10.5965/2175234614332022224","DOIUrl":"https://doi.org/10.5965/2175234614332022224","url":null,"abstract":"O retrato de Bethencourt da Silva é uma complexa composição do artista catarinense Sebastião Vieira Fernandes. O personagem central dessa obra, Bethencourt da Silva, é o idealizador e mantenedor do Liceu de Artes e Ofícios, local onde Sebastião Fernandes teve formação e atuou como professor até seus últimos dias. A composição criada para homenagear Bethencourt celebra também o aniversário de fundação do Liceu, que, ao lado da Academia Imperial de Belas Artes, foi um dos principais centros de ensino de artes no Brasil. Através da leitura detalhada dos elementos figurativos e da estrutura compositiva, procura-se entender um pouco mais do caráter do retratado tal como apresentado pelo pintor, e, por conseguinte, reconhecer também um pouco da linguagem poética do artista. Da mesma forma, é perceptível que a conexão entre artista e retratado desenvolvida pelo vínculo destes com o Liceu se materializa nas cores e formas desta pintura.","PeriodicalId":33720,"journal":{"name":"Palindromo","volume":" ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"42100683","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-05-01DOI: 10.5965/2175234614332022014
C. Gonçalves
O detalhe pode assumir várias dimensões, entre o pormenor, uma parte num todo, um fragmento, elemento mínimo, marginal, liminar, passando pelo carácter de elemento autónomo, simbólico, significante, dispositivo modificador, até de um acaso, ou insignificância ou, pelo contrário, de um exagero formal. O nome detalhe reveste-se de uma extraordinária polissemia, aplicando-se a um vasto conjunto de situações, pelo que os detalhes, no contexto da história da arte e da estética, não serão todos iguais, no que cumpre ao discurso, intenção, significação e carácter, não surgirão pelos mesmos motivos, não possuem a mesma força expressiva, nem devem ler-se segundo modelos de interpretação generalistas. A compleição do detalhe dificulta a objectividade e a fluidez da análise, e, sobretudo, a construção de narrativas limpas e acabadas. Estudar o detalhe pode, por tudo, constituir-se como uma tarefa que origina discursos fragmentários. Depois de uma introdução teórica ao detalhe, na espessura das suas dimensões, traz-se à colação o caso das encomendas das três torres da Catedral de Ruão (Normandia, França): a torre de Saint-Romain, a torre da Manteiga, e a idealização do pináculo sobre a torre do cruzeiro. Estas edificações foram criticadas pela encomenda devido ao detalhe excessivo e ao talhe demorado e minucioso da pedra para obras fora da vista. O último trabalho, tido como o apogeu do detalhe, não chegaria a edificar-se. A questão por resolver relaciona-se com os justos motivos que levaram às duras críticas dos comitentes e com a resistência empreendida pelos artistas, defendendo o detalhe mesmo perigando os seus trabalhos.
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