Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68009
Ana Sedano Solís
En esta ponencia se presenta una reflexión teórica acerca de algunas prácticas escénicas que se realizan en espacios formativos y que poseen enfoque de género con perspectiva feminista. Se trata de explorar el potencial que tiene el Teatro Aplicado en Educación para subvertir los modelos que tradicionalmente oprimen a mujeres, hombres y disidencias, siendo instalados de manera muy temprana en la escuela. La pregunta que nos realizamos y que está a la base de nuestro estudio es si existe de manera clara e intencionada una consciencia de género por parte de artistas, educadores, teatristas aplicados e investigadores teatrales, en el abordaje de las prácticas teatrales que desarrollan dentro y fuera de las instituciones educativas; además de cuáles son las perspectivas éticas que los sustentan. A partir del análisis de casos es posible aproximarnos al problema de género, a sus cruces y tensiones, así como a observar de qué manera los procesos teatrales, sus metodologías y recursos didácticos, logran promover un aprendizaje situado y corporizado, a través del juego dramático. Se trata de pensar los cuerpos escolares como corporalidades oprimidas a fin de liberarlos mediante las prácticas escénicas, dando cuenta del poder transformador que posee el teatro respecto a derechos humanos, equidad de género, identidades de género y disidencias sexuales, entre otros.
{"title":"Prácticas escénicas con enfoque de género en espacios educativos: La escuela como espacio de emancipación del cuerpo","authors":"Ana Sedano Solís","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68009","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68009","url":null,"abstract":"En esta ponencia se presenta una reflexión teórica acerca de algunas prácticas escénicas que se realizan en espacios formativos y que poseen enfoque de género con perspectiva feminista. Se trata de explorar el potencial que tiene el Teatro Aplicado en Educación para subvertir los modelos que tradicionalmente oprimen a mujeres, hombres y disidencias, siendo instalados de manera muy temprana \u0000en la escuela. La pregunta que nos realizamos y que está a la base de nuestro estudio es si existe de manera clara e intencionada una consciencia de género por parte de artistas, educadores, teatristas aplicados e investigadores teatrales, en el abordaje de las prácticas teatrales que desarrollan dentro y fuera de las instituciones educativas; además de cuáles son las perspectivas éticas que los sustentan. A partir del análisis de casos es posible aproximarnos al problema de género, a sus cruces y tensiones, así como a observar de qué manera los procesos teatrales, sus metodologías y recursos didácticos, logran promover un aprendizaje situado y corporizado, a través del juego dramático. Se trata de pensar los cuerpos escolares como corporalidades oprimidas a fin de liberarlos mediante las prácticas escénicas, dando cuenta del poder transformador que posee el teatro respecto a derechos humanos, equidad de género, identidades de género y disidencias sexuales, entre otros.","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"253 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"76117588","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68014
Serguei Eisenstein, Alejandra Gutiérrez
Es difícil vaticinar en qué medida estas ideas serán realizadas. Mucho se va cayendo “por el camino”. Es mucho lo que no se puede llevar a cabo debido a dificultades técnicas. A propósito, es inevitable que exista cierta distancia entre la idea y su realización. Mas, por eso, es más interesante guardar, en forma incólume, este conjunto de buenas intenciones, que pavimentan caminos quién sabe a dónde.
{"title":"Encarnación del mito","authors":"Serguei Eisenstein, Alejandra Gutiérrez","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68014","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68014","url":null,"abstract":"Es difícil vaticinar en qué medida estas ideas serán realizadas. Mucho se va cayendo “por el camino”. Es mucho lo que no se puede llevar a cabo debido a dificultades técnicas. A propósito, es inevitable que exista cierta distancia entre la idea y su realización. Mas, por eso, es más interesante guardar, en forma incólume, este conjunto de buenas intenciones, que pavimentan caminos quién sabe a dónde.","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"114 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"77968103","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68013
Paulo Olivares Rojas
La escena actual dialoga insistentemente con propuestas que buscan tensar el lugar de la ficción a la hora de dar cuenta de la historia reciente en términos sociales y personales. La emergencia de “cuerpos reales/no actorales” en el territorio del teatro genera un cuestionamiento al estatuto representacional de los dispositivos escénicos en virtud de una contemporaneidad que se resiste al desplazamiento semiótico para dar pie a lo “real”. El documento, el testimonio, la primera persona, emergen con el propósito de realizar una relación experiencial con la historia viva, constitutivas de los cuerpos “reales”. En este sentido, en base a los montajes Este (no) es un testamento y Animales invisibles ambas de la compañía La Laura Palmer, Anarko de Soledad Gaspar y Paisajes para no colorear de La Re-Sentida, propongo reflexionar sobre los supuestos ideológicos que estas operaciones articulan con el fin de delimitar el campo de acción de lo ficcional y lo representacional en el territorio de lo escénico y lo performativo.
{"title":"Resistencia a la ficción: ideología de la forma en la escena chilena","authors":"Paulo Olivares Rojas","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68013","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68013","url":null,"abstract":"La escena actual dialoga insistentemente con propuestas que buscan tensar el lugar de la ficción a la hora de dar cuenta de la historia reciente en términos sociales y personales. La emergencia de “cuerpos reales/no actorales” en el territorio del teatro genera un cuestionamiento al estatuto representacional de los dispositivos escénicos en virtud de una contemporaneidad que se resiste al desplazamiento semiótico para dar pie a lo “real”. El documento, el testimonio, la primera persona, emergen con el propósito de realizar una relación experiencial con la historia viva, constitutivas de los cuerpos “reales”. En este sentido, en base a los montajes Este (no) es un testamento y Animales invisibles ambas de la compañía La Laura Palmer, Anarko de Soledad Gaspar y Paisajes para no colorear de La Re-Sentida, propongo reflexionar sobre los supuestos ideológicos que estas operaciones articulan con el fin de delimitar el campo de acción de lo ficcional y lo representacional en el territorio de lo escénico y lo performativo.","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"13 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"83577519","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68006
Eva da Porta
Nos proponemos analizar experiencias formativas vinculadas a la producción artística en espacios escolares y no escolares como acontecimientos disruptivos en tanto permiten reconfigurar la subjetividad juvenil, explorando dimensiones corporales, afectivas y creativas novedosas y de carácter dislocatorio. Sin embargo, estas prácticas no se reducen a la dimensión individual si no que pueden generar nuevas formas de intersubjetividad, nuevos agenciamientos colectivos en tanto abren, espacios críticos, horizontes experienciales que les permiten protagonizar verdaderos desplazamientos subjetivos e intersubjetivos propiciando prácticas autorreflexivas y propiciando ‘otros/renovados’ modos de transitar, habitar e incidir en la condición juvenil.
{"title":"Arte, educación y procesos de (re)subjetivación juvenil. La experiencia de creación artística como experiencia formativa","authors":"Eva da Porta","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68006","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68006","url":null,"abstract":"Nos proponemos analizar experiencias formativas vinculadas a la producción artística en espacios escolares y no escolares como acontecimientos disruptivos en tanto permiten reconfigurar la subjetividad juvenil, explorando dimensiones corporales, afectivas y creativas novedosas y de carácter dislocatorio. Sin embargo, estas prácticas no se reducen a la dimensión individual si no que pueden generar nuevas formas de intersubjetividad, nuevos agenciamientos colectivos en tanto abren, espacios críticos, horizontes experienciales que les permiten protagonizar verdaderos desplazamientos subjetivos e intersubjetivos propiciando prácticas autorreflexivas y propiciando ‘otros/renovados’ modos de transitar, habitar e incidir en la condición juvenil.","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"38 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"77664239","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68017
A. Campusano
El libro Álbum de archivo, documentos teatrales de Sergio Zapata Brunet (2021) comienza su existencia en la oscuridad de la muerte. Sergio Zapata fallece el 09 de junio del 2016. Casi un año después, las autoras/ archivadoras, Catalina Devia, diseñadora teatral, y Pía Gutiérrez, investigadora y archivista teatral, inician, silenciosamente, el trabajo de recolección del material que quedó en casa de Zapata y que será vendido, con la finalidad de generar recursos económicos que cubran, en parte, la deuda de la enfermedad terminal que Zapata padeció hasta su muerte en un hospital clínico en Santiago. Sergio Zapata Brunet (1934), perteneció a aquella generación de artistas que tejieron la matriz profesionalizante del teatro en Chile, logrando articular una manera de comprender y dar existencia a la escena teatral desde todas sus capas de composición: el texto, la visualidad, la técnica y el discurso.
{"title":"Álbum de archivo, documentos teatrales de Sergio Zapata Brunet","authors":"A. Campusano","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68017","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68017","url":null,"abstract":"El libro Álbum de archivo, documentos teatrales de Sergio Zapata Brunet (2021) comienza su existencia en la oscuridad de la muerte. Sergio Zapata fallece el 09 de junio del 2016. Casi un año después, las autoras/ archivadoras, Catalina Devia, diseñadora teatral, y Pía Gutiérrez, investigadora y archivista teatral, inician, silenciosamente, el trabajo de recolección del material que quedó en casa de Zapata y que será vendido, con la finalidad de generar recursos económicos que cubran, en parte, la deuda de la enfermedad terminal que Zapata padeció hasta su muerte en un hospital clínico en Santiago. Sergio Zapata Brunet (1934), perteneció a aquella generación de artistas que tejieron la matriz profesionalizante del teatro en Chile, logrando articular una manera de comprender y dar existencia a la escena teatral desde todas sus capas de composición: el texto, la visualidad, la técnica y el discurso.","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"180 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"77330134","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68008
I. Retuerto
Desde el año 2004 hasta el 2019 se desarrolló, en un programa especializado en la reparación del daño de niños, niñas y adolescentes víctimas de explotación sexual comercial (dependiente del Servicio Nacional de Menores y gestionado por la ONG Raíces), un taller de teatro cuyo fin era contribuir al proceso de restitución de derechos de las y los adolescentes. Iniciado de manera intuitiva, con una metodología que iba descubriendo los caminos de diálogo con las y los participantes, se fueron tomando una serie de decisiones que configuran lo que hoy denominamos Teatro Reparatorio, como una propuesta metodológica específica para el trabajo con población vulnerada. Pese a los ecos terapéuticos que evoca el nombre y el tema, la metodología de Teatro Reparatorio parte de una premisa pedagógica, destacando los efectos de aprender un arte grupal - altamente simbólico, esencialmente experiencial, donde el cuerpo está directamente involucrado en toda su integralidad- sobre una población que, por sus historias personales y la marginalidad de sus contextos, ha tenido escasas oportunidades de vivenciar experiencias estéticas totales, de esas que captan los sentidos, los pensamientos, las emociones y producen ese asombro tan necesario para querer estar vivo.
{"title":"Teatro reparatorio: la incidencia pedagógica de una experiencia estética","authors":"I. Retuerto","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68008","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68008","url":null,"abstract":"Desde el año 2004 hasta el 2019 se desarrolló, en un programa especializado en la reparación del daño de niños, niñas y adolescentes víctimas de explotación sexual comercial (dependiente del Servicio Nacional de Menores y gestionado por la ONG Raíces), un taller de teatro cuyo fin era contribuir al proceso de restitución de derechos de las y los adolescentes. Iniciado de manera intuitiva, con una metodología que iba descubriendo los caminos de diálogo con las y los participantes, se fueron tomando una serie de decisiones que configuran lo que hoy denominamos Teatro Reparatorio, como una propuesta metodológica específica para el trabajo con población vulnerada. Pese a los ecos terapéuticos que evoca el nombre y el tema, la metodología de Teatro Reparatorio parte de una premisa pedagógica, destacando los efectos de aprender un arte grupal - altamente simbólico, esencialmente experiencial, donde el cuerpo está directamente involucrado en toda su integralidad- sobre una población que, por sus historias personales y la marginalidad de sus contextos, ha tenido escasas oportunidades de vivenciar experiencias estéticas totales, de esas que captan los sentidos, los pensamientos, las emociones y producen ese asombro tan necesario para querer estar vivo.","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"30 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81577777","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68003
François Dubet, L. Souto
Con la masificación de las escuelas que ha ampliado el acceso a los estudios, aunque sin por ello reducido la desigualdad del éxito académico, la escuela se ha convertido en una máquina clasificadora tan implacable que los diplomas juegan un papel decisivo en el acceso a la educación y al empleo. Uno de los principales riesgos inducidos por esta evolución es el de reducir las culturas escolares y los aprendizajes a esta función de clasificación. Razonablemente, la mayoría de los estudiantes aprenden para alcanzar el éxito sin adherirse profundamente a las culturas escolares. Entonces, ¿qué debe uno aprender? Por supuesto, coincidiremos en la necesidad de proporcionar a todos los estudiantes los conocimientos básicos. Pero la reflexión sobre los programas es necesariamente limitada en la medida en que cada disciplina defiende su programa y en que el programa envejece más rápido que el conocimiento. Por lo tanto, debemos cambiar nuestra forma de pensar, considerando que los conocimientos útiles para las sociedades y los individuos son los que quedan después de que los estudiantes terminan la escuela. Para lograr este objetivo, los estudiantes deben hacer algo en la escuela. No basta con que aprendan ciencia o literatura, tienen que hacer experimentos científicos, tienen que escribir, tienen que montar obras de teatro, tienen que hacer deporte, tienen que construir Fab Labs, etc. Las cosas que hacemos son las que quedan en el aprendizaje, en las habilidades y en las memorias. Si bien el conocimiento está actualmente disponible en todas partes gracias a las pantallas, el aula debería ser el lugar donde los estudiantes hacen algo, producen, experimentan, aplican sus capacidades intelectuales y sociales. La función de clasificación no cesará, pero todos habrán aprendido a interactuar con los demás. Evidentemente, se trata de una revolución cultural y sabemos que son las más largas y más difíciles de lograr.
{"title":"Por la escuela del hacer","authors":"François Dubet, L. Souto","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68003","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68003","url":null,"abstract":"Con la masificación de las escuelas que ha ampliado el acceso a los estudios, aunque sin por ello reducido la desigualdad del éxito académico, la escuela se ha convertido en una máquina clasificadora tan implacable que los diplomas juegan un papel decisivo en el acceso a la educación y al empleo. Uno de los principales riesgos inducidos por esta evolución es el de reducir las culturas escolares y los aprendizajes a esta función de clasificación. Razonablemente, la mayoría de los estudiantes aprenden para alcanzar el éxito sin adherirse profundamente a las culturas escolares. \u0000Entonces, ¿qué debe uno aprender? Por supuesto, coincidiremos en la necesidad de proporcionar a todos los estudiantes los conocimientos básicos. Pero la reflexión sobre los programas es necesariamente limitada en la medida en que cada disciplina defiende su programa y en que el programa envejece más rápido que el conocimiento. Por lo tanto, debemos cambiar nuestra forma de pensar, considerando que los conocimientos útiles para las sociedades y los individuos son los que quedan después de que los estudiantes terminan la escuela. Para lograr este objetivo, los estudiantes deben hacer algo en la escuela. No basta con que aprendan ciencia o literatura, tienen que hacer experimentos científicos, tienen que escribir, tienen que montar obras de teatro, tienen que hacer deporte, tienen que construir Fab Labs, etc. Las cosas que hacemos son las que quedan en el aprendizaje, en las habilidades y en las memorias. Si bien el conocimiento está actualmente disponible en todas partes gracias a las pantallas, el aula debería ser el lugar donde los estudiantes hacen algo, producen, experimentan, aplican sus capacidades intelectuales y sociales. La función de clasificación no cesará, pero todos habrán aprendido a interactuar con los demás. Evidentemente, se trata de una revolución cultural y sabemos que son las más largas y más difíciles de lograr.","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"24 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"87722542","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68016
S. Cáceres
{"title":"2020. Teatro Performance","authors":"S. Cáceres","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68016","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68016","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"15 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"84595291","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-08-19DOI: 10.5354/0719-6490.2022.68004
C. O’Sullivan, S. Franz, Ciarán Fagan, Catalina Villanueva
En la vida cotidiana, las experiencias se ‘enmarcan’ o se presentan desde perspectivas sociológicas, culturales, políticas, filosóficas, comunicacionales, históricas o psicológicas, y esto se ha vuelto cada vez más frecuente en nuestro mundo digital dominado por las redes sociales. Los marcos dan forma a la manera en que interactuamos y damos sentido a los eventos según cómo los presentemos o experimentemos. El cambio de marco puede resultar en una modificación del punto de vista que tenemos sobre nuestras circunstancias y ayudarnos a interpretar y dar sentido a las situaciones vividas. El término ‘marco’ se utiliza ampliamente en Drama in Education (DiE) y generalmente se remonta a la concepción sociológica de marco de Goffman (1974). En DiE, el marco es un principio importante de planificación y organización y un enfoque eficaz para estimular el pensamiento crítico, la práctica y la evaluación. En esta presentación, la Profesora Carmel O'Sullivan identifica los principios clave del marco y explora cómo el marco dramático ayuda a los/as participantes a identificarse con un rol, asumir un punto de vista asociado con ese rol en un escenario ficticio y lidiar con los obstáculos a los que se ven enfrentados/as (tensión dramática). Ella discute cómo se puede profundizar el marco para prevenir el mono-perspectivismo y cumplir varias funciones, como colocar a los/as participantes en relación con el evento dramático, aumentar la participación afectiva y al mismo tiempo proteger a quienes participan a través de la distancia del marco, crear tensión dramática y proporcionar nuevas perspectivas sobre los problemas (Davis, 2014; Eriksson, 2011; Heathcote, 1984).
{"title":"Usando el marco en educación dramática y teatral","authors":"C. O’Sullivan, S. Franz, Ciarán Fagan, Catalina Villanueva","doi":"10.5354/0719-6490.2022.68004","DOIUrl":"https://doi.org/10.5354/0719-6490.2022.68004","url":null,"abstract":"En la vida cotidiana, las experiencias se ‘enmarcan’ o se presentan desde perspectivas sociológicas, culturales, políticas, filosóficas, comunicacionales, históricas o psicológicas, y esto se ha vuelto cada vez más frecuente en nuestro mundo digital dominado por las redes sociales. Los marcos dan forma a la manera en que interactuamos y damos sentido a los eventos según cómo los presentemos o experimentemos. El cambio de marco puede resultar en una modificación del punto de vista que tenemos sobre nuestras circunstancias y ayudarnos a interpretar y dar sentido a las situaciones vividas. \u0000El término ‘marco’ se utiliza ampliamente en Drama in Education (DiE) y generalmente se remonta a la concepción sociológica de marco de Goffman (1974). En DiE, el marco es un principio importante de planificación y organización y un enfoque eficaz para estimular el pensamiento crítico, la práctica y la evaluación. En esta presentación, la Profesora Carmel O'Sullivan identifica los principios clave del marco y explora cómo el marco dramático ayuda a los/as participantes a identificarse con un rol, asumir un punto de vista asociado con ese rol en un escenario ficticio y lidiar con los obstáculos a los que se ven enfrentados/as (tensión dramática). Ella discute cómo se puede profundizar el marco para prevenir el mono-perspectivismo y cumplir varias funciones, como colocar a los/as participantes en relación con el evento dramático, aumentar la participación afectiva y al mismo tiempo proteger a quienes participan a través de la distancia del marco, crear tensión dramática y proporcionar nuevas perspectivas sobre los problemas (Davis, 2014; Eriksson, 2011; Heathcote, 1984).","PeriodicalId":40779,"journal":{"name":"Teatro e Storia","volume":"248 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2022-08-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73526758","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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