Pub Date : 2023-01-15DOI: 10.7238/artnodes.v0i31.402845
Paula Fernández Valdés
Video art has earned its spot within cultural heritage since the beginning of the 1970s, especially as a medium for activist practices, and it is now one of the most collected and exhibited artistic typologies in museums. The use of video art as a means of social protest and reflection continues to produce relevant artworks in the present day that constitute a part of our collective memory and that need to be safeguarded for the future, since they act as a valuable means of expression for marginal collectives and alternative ways of living. In this regard, the preservation of cultural heritage is a part of what has been called cultural sustainability: an essential part of sustainable development, which refers to the necessity of ensuring the access of future generations to past and current artistic practices. The following research reflects on what cultural sustainability means for cultural institutions and museums, and how availability is fundamental to the preservation of video artworks, endangered by technological obsolescence. Specifically, single-channel video is examined from a conservator’s perspective and some ethical considerations are examined regarding its obsolescence and reproducibility. Subsequently, with the idea that proliferation equals conservation, some institutional initiatives are presented that use the Internet as an environment for video art distribution across the world; the issue of copyright is also examined, under the belief of open distribution and fair use. What does the future of video art hold? How can we ensure sustainable cultural development? And is it possible for museums to balance private and public interests? This article reflects on these questions and tries to provide some answers based on the idea of preservation through open access. Keywords: video art, activism, preservation, cultural sustainability, access
{"title":"Achieving cultural sustainability through the preservation of video art: open distribution platforms","authors":"Paula Fernández Valdés","doi":"10.7238/artnodes.v0i31.402845","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i31.402845","url":null,"abstract":"Video art has earned its spot within cultural heritage since the beginning of the 1970s, especially as a medium for activist practices, and it is now one of the most collected and exhibited artistic typologies in museums. The use of video art as a means of social protest and reflection continues to produce relevant artworks in the present day that constitute a part of our collective memory and that need to be safeguarded for the future, since they act as a valuable means of expression for marginal collectives and alternative ways of living. In this regard, the preservation of cultural heritage is a part of what has been called cultural sustainability: an essential part of sustainable development, which refers to the necessity of ensuring the access of future generations to past and current artistic practices. The following research reflects on what cultural sustainability means for cultural institutions and museums, and how availability is fundamental to the preservation of video artworks, endangered by technological obsolescence. Specifically, single-channel video is examined from a conservator’s perspective and some ethical considerations are examined regarding its obsolescence and reproducibility. Subsequently, with the idea that proliferation equals conservation, some institutional initiatives are presented that use the Internet as an environment for video art distribution across the world; the issue of copyright is also examined, under the belief of open distribution and fair use. What does the future of video art hold? How can we ensure sustainable cultural development? And is it possible for museums to balance private and public interests? This article reflects on these questions and tries to provide some answers based on the idea of preservation through open access. Keywords: video art, activism, preservation, cultural sustainability, access","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2023-01-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"47623843","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-01-15DOI: 10.7238/artnodes.v0i31.405252
Rene G. Cepeda
While the study of new media art is diverse and encompasses a wide range of art practices, curatorial and art historical concerns, as well as philosophical questions regarding the coexistence of art and technology, research and training on the practical aspects of curating new media art and in particular its interactive manifestations is sparse, and what does exist often becomes obsolete within a decade. Having identified this gap in knowledge, The Manual for the Curation and Display of Interactive New Media Art is a creative commons living document aimed at assisting curators and exhibition designers, particularly non-specialist curators seeking to engage with interactive new media art. This paper will explain the design philosophy of the manual as well as the methodologies.
{"title":"Making a Manual: The Manual for the Curation and Display of Interactive New Media Art","authors":"Rene G. Cepeda","doi":"10.7238/artnodes.v0i31.405252","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i31.405252","url":null,"abstract":"While the study of new media art is diverse and encompasses a wide range of art practices, curatorial and art historical concerns, as well as philosophical questions regarding the coexistence of art and technology, research and training on the practical aspects of curating new media art and in particular its interactive manifestations is sparse, and what does exist often becomes obsolete within a decade. Having identified this gap in knowledge, The Manual for the Curation and Display of Interactive New Media Art is a creative commons living document aimed at assisting curators and exhibition designers, particularly non-specialist curators seeking to engage with interactive new media art. This paper will explain the design philosophy of the manual as well as the methodologies.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2023-01-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"46278081","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-01-15DOI: 10.7238/artnodes.v0i31.402821
Predrag K. Nikolić, Giacomo Bertin
AI.R Taletorium is an artificial intelligence-based collaborative learning environment based on Human-AI co-creation and social relationship development between users. AI.R Taletorium is designed to achieve a common creative experience between groups of users with different preferences, not necessarily at the same location. The system is built upon a character-centric interactive storytelling framework. AI follows users’ characteristics to transfer participants into the AI-generated story environment via avatars. Additionally, the multimodal interface helps users participate in the story creation and stimulate their perceptive and emotional engagement. In the 1001 Cyber Nights series of AI-created fairy tales, our focus is on the neural-network-based automated storytelling part of the AI.R Taletorium project. We are inspired by the 1001 Middle Eastern folk tales collection and Scheherazade, who fought for her life by telling stories for 1001 nights. We are using our AI.R Taletorium automated storytelling system to challenge AI creativity and imagination in creating fairy tales for children. As in the story of Scheherazade, we see this as a paradigm of AI’s creative effort toward its further emancipation.
{"title":"AI.R Taletorium: Artificial Intelligence 1001 Cyber Nights","authors":"Predrag K. Nikolić, Giacomo Bertin","doi":"10.7238/artnodes.v0i31.402821","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i31.402821","url":null,"abstract":"AI.R Taletorium is an artificial intelligence-based collaborative learning environment based on Human-AI co-creation and social relationship development between users. AI.R Taletorium is designed to achieve a common creative experience between groups of users with different preferences, not necessarily at the same location. The system is built upon a character-centric interactive storytelling framework. AI follows users’ characteristics to transfer participants into the AI-generated story environment via avatars. Additionally, the multimodal interface helps users participate in the story creation and stimulate their perceptive and emotional engagement. In the 1001 Cyber Nights series of AI-created fairy tales, our focus is on the neural-network-based automated storytelling part of the AI.R Taletorium project. We are inspired by the 1001 Middle Eastern folk tales collection and Scheherazade, who fought for her life by telling stories for 1001 nights. We are using our AI.R Taletorium automated storytelling system to challenge AI creativity and imagination in creating fairy tales for children. As in the story of Scheherazade, we see this as a paradigm of AI’s creative effort toward its further emancipation.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2023-01-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"43686006","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-01-13DOI: 10.7238/artnodes.v0i31.402823
F. Portal, María Jesús Schultz
Este artículo recoge la experiencia de la investigación artística basada en la práctica Sensible al código, la cual explora, a través de la producción de obras artísticas, cosmologías no occidentales como base para la aplicación de algoritmos de aprendizaje maquínico. Esto tiene como objetivo explorar metodologías de creación artística que integren saberes ancestrales como base para el desarrollo y la preservación de tecnodiversidades, en el contexto de la propuesta cosmotécnica de Yuk Hui. Para esto, el artículo comienza caracterizando la cosmología y los rituales propios de la ontología relacional del pueblo shipibo-konibo en la Amazonía, desde una visión informada por el perspectivismo de Viveiros de Castro y el animismo dividualista de Bird-David. Estos rituales son desplegados como un método, desde un análisis informado por la teoría de los medios y la antropología, que luego es aplicado a procedimientos de aprendizaje maquínico y en la materialización de las imágenes obtenidas, a través de consideraciones artísticas de sus propiedades físicas, visuales, táctiles y sonoras. Finalmente, la reflexión informada por la interacción corporal con estas obras y la agencialidad de sus materiales entregará como conclusión la posibilidad de reposicionarnos como integrantes de un flujo continuo de intercambio de energía, habilitando la especulación sobre el potencial de estas transferencias para provocar bifurcaciones cosmotécnicas.
本文收集了基于代码敏感实践的艺术研究经验，通过艺术作品的生产探索非西方宇宙学作为机器学习算法应用的基础。这旨在探索艺术创作的方法，将祖先的知识作为发展和保护技术多样性的基础，在Yuk Hui的宇宙技术建议的背景下。本文首先从Viveiros de Castro的透视主义和Bird-David的个人唯心主义的观点出发，描述了亚马逊地区shipibo-konibo人关系本体论的宇宙学和仪式特征。这些仪式作为一种方法,从分析潜告知媒体理论和应用人类学,然后是maquínico学习程序,并实现图像,通过艺术考虑物理特性、触觉、视觉和声音效果。最后,思考了解身体互动与这些作品和材料交付agencialidad总之reposicionarnos,作为成员的交流不断,启用投机能源潜力这些导致渠道常cosmotécnicas的转让。
{"title":"Sensible al código. Transferencias metodológicas entre saberes ancestrales y nuevos medios para la dividuación","authors":"F. Portal, María Jesús Schultz","doi":"10.7238/artnodes.v0i31.402823","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i31.402823","url":null,"abstract":"Este artículo recoge la experiencia de la investigación artística basada en la práctica Sensible al código, la cual explora, a través de la producción de obras artísticas, cosmologías no occidentales como base para la aplicación de algoritmos de aprendizaje maquínico. Esto tiene como objetivo explorar metodologías de creación artística que integren saberes ancestrales como base para el desarrollo y la preservación de tecnodiversidades, en el contexto de la propuesta cosmotécnica de Yuk Hui. Para esto, el artículo comienza caracterizando la cosmología y los rituales propios de la ontología relacional del pueblo shipibo-konibo en la Amazonía, desde una visión informada por el perspectivismo de Viveiros de Castro y el animismo dividualista de Bird-David. Estos rituales son desplegados como un método, desde un análisis informado por la teoría de los medios y la antropología, que luego es aplicado a procedimientos de aprendizaje maquínico y en la materialización de las imágenes obtenidas, a través de consideraciones artísticas de sus propiedades físicas, visuales, táctiles y sonoras. Finalmente, la reflexión informada por la interacción corporal con estas obras y la agencialidad de sus materiales entregará como conclusión la posibilidad de reposicionarnos como integrantes de un flujo continuo de intercambio de energía, habilitando la especulación sobre el potencial de estas transferencias para provocar bifurcaciones cosmotécnicas.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2023-01-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"44101727","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-01-13DOI: 10.7238/artnodes.v0i31.402867
Andrea Soto
Vilém Flusser desarrolla un pensamiento del medio inscrito en una dimensión tecnológica y cultural, para desde ahí pensar el cambio de paradigma que comporta para él la invención de la fotografía como creación de las primeras imágenes técnicas. Se trata de una transformación que ha modificado radicalmente nuestra existencia al abrir la posibilidad de automatizar nuestros procesos de creación. De ahí que todos los esfuerzos de análisis crítico que Flusser aporta se centren en pensar operaciones y modos de uso desde los que resistir a la figura del «funcionario», que para él representa el carácter tendencial de nuestra relación con los aparatos y el medio que nos rodea. En este artículo nos proponemos atender a las características estructurales que definen el carácter de «la condición funcionarial», para desde ella repensar la categoría crítica de imágenes improbables, explorada por Flusser, como forma de creación que trabaja desde la materialidad y genealogía de los medios para producir su posibilidad. Si bien Flusser propone que la creación de imágenes habría de tender a su improbabilidad, esto es, imágenes que aporten una información nueva, en su análisis estas serían generadas por una práctica contra el programa del aparato que las produce. El presente análisis sostiene que no es posible crear imágenes improbables sin una atención a su arqueología medial. Por lo tanto, no se trataría tanto de pensar contra los aparatos sino entre-los-medios, lo que reclama un giro de la supuesta inmaterialidad de las imágenes, al tiempo que exige una reflexión de su dimensión infraestructural.
{"title":"Vilém Flusser: imágenes improbables","authors":"Andrea Soto","doi":"10.7238/artnodes.v0i31.402867","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i31.402867","url":null,"abstract":"Vilém Flusser desarrolla un pensamiento del medio inscrito en una dimensión tecnológica y cultural, para desde ahí pensar el cambio de paradigma que comporta para él la invención de la fotografía como creación de las primeras imágenes técnicas. Se trata de una transformación que ha modificado radicalmente nuestra existencia al abrir la posibilidad de automatizar nuestros procesos de creación. De ahí que todos los esfuerzos de análisis crítico que Flusser aporta se centren en pensar operaciones y modos de uso desde los que resistir a la figura del «funcionario», que para él representa el carácter tendencial de nuestra relación con los aparatos y el medio que nos rodea. En este artículo nos proponemos atender a las características estructurales que definen el carácter de «la condición funcionarial», para desde ella repensar la categoría crítica de imágenes improbables, explorada por Flusser, como forma de creación que trabaja desde la materialidad y genealogía de los medios para producir su posibilidad. Si bien Flusser propone que la creación de imágenes habría de tender a su improbabilidad, esto es, imágenes que aporten una información nueva, en su análisis estas serían generadas por una práctica contra el programa del aparato que las produce. El presente análisis sostiene que no es posible crear imágenes improbables sin una atención a su arqueología medial. Por lo tanto, no se trataría tanto de pensar contra los aparatos sino entre-los-medios, lo que reclama un giro de la supuesta inmaterialidad de las imágenes, al tiempo que exige una reflexión de su dimensión infraestructural.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2023-01-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"46146832","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-01-13DOI: 10.7238/artnodes.v0i31.402704
S. Morilla
En la nueva ontología espacial híbrida los procesos de producción simbólica y cultural cuestionan la validez del marco teórico del arte locativo, asociado en un principio a la psicogeografía situacionista y al contexto informacional ofrecido por los metadatos del GPS. Sin embargo, el arte postlocativo supera el marco anterior asumiendo críticamente el importante papel que juegan las multiplicidades no humanas, tanto en la representación pública como en la delegación de la producción geosemántica a la IA. Las estrategias artísticas que despliega parecen estar abocadas al despertar crítico, activo y contingente en la toma de posiciones de un humano descentrado dentro del complejo tejido de heterogéneos ensamblajes y múltiples significados que conforman su entorno onlife.
{"title":"Hacia un arte postlocativo","authors":"S. Morilla","doi":"10.7238/artnodes.v0i31.402704","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i31.402704","url":null,"abstract":"En la nueva ontología espacial híbrida los procesos de producción simbólica y cultural cuestionan la validez del marco teórico del arte locativo, asociado en un principio a la psicogeografía situacionista y al contexto informacional ofrecido por los metadatos del GPS. Sin embargo, el arte postlocativo supera el marco anterior asumiendo críticamente el importante papel que juegan las multiplicidades no humanas, tanto en la representación pública como en la delegación de la producción geosemántica a la IA. Las estrategias artísticas que despliega parecen estar abocadas al despertar crítico, activo y contingente en la toma de posiciones de un humano descentrado dentro del complejo tejido de heterogéneos ensamblajes y múltiples significados que conforman su entorno onlife.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2023-01-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"49523768","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-11-24DOI: 10.7238/artnodes.v0i30.401928
Umberto Luigi Roncoroni Osio
El objetivo del artículo es estudiar las relaciones entre investigación y creación artística y discutir algunas inconsistencias en sus fundamentos, poniendo especial atención en el pensamiento complejo y la tecnología. Para esto, se analizó la literatura, se sintetizaron los resultados de proyectos de investigación interdisciplinarios y se desarrolló un software experimental. La hipótesis es que al artista investigador le conviene aceptar el reto de las ciencias, actualizar sus procesos y abandonar el romanticismo latente en el arte y sus instituciones. Como sugiere la producción artística y tecnológica de la investigación, esto es posible de acuerdo con la teoría de los programas de investigación de Lakatos, mediante la selección de los elementos interdisciplinarios, la recuperación de los valores formales y el aprovechamiento de las dimensiones mediáticas, estéticas y epistemológicas del software.
{"title":"Notas acerca de la estética y la epistemología de la investigación-creación","authors":"Umberto Luigi Roncoroni Osio","doi":"10.7238/artnodes.v0i30.401928","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i30.401928","url":null,"abstract":"El objetivo del artículo es estudiar las relaciones entre investigación y creación artística y discutir algunas inconsistencias en sus fundamentos, poniendo especial atención en el pensamiento complejo y la tecnología. Para esto, se analizó la literatura, se sintetizaron los resultados de proyectos de investigación interdisciplinarios y se desarrolló un software experimental. La hipótesis es que al artista investigador le conviene aceptar el reto de las ciencias, actualizar sus procesos y abandonar el romanticismo latente en el arte y sus instituciones. Como sugiere la producción artística y tecnológica de la investigación, esto es posible de acuerdo con la teoría de los programas de investigación de Lakatos, mediante la selección de los elementos interdisciplinarios, la recuperación de los valores formales y el aprovechamiento de las dimensiones mediáticas, estéticas y epistemológicas del software.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2022-11-24","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"44498008","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-11-17DOI: 10.7238/artnodes.v0i30.401218
A. Manetti, Pablo Lara-Navarra, Jórdi Sánchez-Navarro
This article suggests a new approach to developing instruments for futurecasting, presenting the methodology for creating a digital map of trends based on the discipline of design. To achieve this goal, the article proposes a set of processes that lead to establishing the elements, components, and interactions of a trend visualization system. The result of the application of the described set of processes is the creation of an automatic interactive visual map of trends, which helps users to interpret and predict changes in society, and thus becomes a tool offering solutions to complex problems and generating opportunities for innovation. In addition, this paper presents the tangible results of the described methodology, detailing a specific case: the digital map of trends known as Deflexor.
{"title":"Possibilities for futurecasting: designing a digital map of trends","authors":"A. Manetti, Pablo Lara-Navarra, Jórdi Sánchez-Navarro","doi":"10.7238/artnodes.v0i30.401218","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i30.401218","url":null,"abstract":"This article suggests a new approach to developing instruments for futurecasting, presenting the methodology for creating a digital map of trends based on the discipline of design. To achieve this goal, the article proposes a set of processes that lead to establishing the elements, components, and interactions of a trend visualization system. The result of the application of the described set of processes is the creation of an automatic interactive visual map of trends, which helps users to interpret and predict changes in society, and thus becomes a tool offering solutions to complex problems and generating opportunities for innovation. In addition, this paper presents the tangible results of the described methodology, detailing a specific case: the digital map of trends known as Deflexor.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2022-11-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"43146203","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2022-11-15DOI: 10.7238/artnodes.v0i30.401072
Ricardo Roncero Palomar
Los procesos alternativos de fotografía analógica, aquellas técnicas no estándar que datan de más de un siglo de antigüedad, vuelven a recuperarse promovidos por las comunidades virtuales y la facilidad de acceso a la información que permite internet. Dentro de estos procesos existe una serie de técnicas que permiten la obtención de imágenes de carácter no permanente, es decir, la fotografía desaparece paulatinamente. Esta investigación trata de encontrar los motivos por los que artistas y fotógrafos deciden trabajar con estos procesos efímeros en la actualidad. El artículo se centra en cuatro técnicas no permanentes: la antotipia, la impresión en clorofila, los yeastograms («levaduragramas») y la impresión de lumen. Se utilizarán como ejemplo para conocer las causas que se esconden detrás del uso de estas prácticas, que implican la necesidad de una planificación previa y el uso de tiempos excesivamente largos para obtener una imagen que se irá desvaneciendo poco a poco. La necesidad de reflexionar sobre la inmediatez de la imagen, la búsqueda de una obra plástica cambiante ligada a lo performativo, el control total de un proceso respetuoso con el medio ambiente, y que justifica un perfil que vincule práctica artística y científica, así como la búsqueda de nuevas formas plásticas que den como resultado una copia única, son los principales ejes que analiza este artículo para contextualizar los usos actuales de los procesos fotográficos efímeros.
{"title":"Poética de la desaparición. Recuperación y desarrollo de técnicas alternativas de reproducción fotográfica de carácter no permanente","authors":"Ricardo Roncero Palomar","doi":"10.7238/artnodes.v0i30.401072","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i30.401072","url":null,"abstract":"Los procesos alternativos de fotografía analógica, aquellas técnicas no estándar que datan de más de un siglo de antigüedad, vuelven a recuperarse promovidos por las comunidades virtuales y la facilidad de acceso a la información que permite internet. Dentro de estos procesos existe una serie de técnicas que permiten la obtención de imágenes de carácter no permanente, es decir, la fotografía desaparece paulatinamente. Esta investigación trata de encontrar los motivos por los que artistas y fotógrafos deciden trabajar con estos procesos efímeros en la actualidad. El artículo se centra en cuatro técnicas no permanentes: la antotipia, la impresión en clorofila, los yeastograms («levaduragramas») y la impresión de lumen. Se utilizarán como ejemplo para conocer las causas que se esconden detrás del uso de estas prácticas, que implican la necesidad de una planificación previa y el uso de tiempos excesivamente largos para obtener una imagen que se irá desvaneciendo poco a poco. La necesidad de reflexionar sobre la inmediatez de la imagen, la búsqueda de una obra plástica cambiante ligada a lo performativo, el control total de un proceso respetuoso con el medio ambiente, y que justifica un perfil que vincule práctica artística y científica, así como la búsqueda de nuevas formas plásticas que den como resultado una copia única, son los principales ejes que analiza este artículo para contextualizar los usos actuales de los procesos fotográficos efímeros.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2022-11-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"45889839","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
¿Qué significa hoy en día ser humano? El presente artículo tiene como objetivo abordar esa pregunta a partir de dos filmes que comparten un gen literario: ambas son adaptaciones de obras de Isaac Asimov (escritor y científico, creador de las tres leyes de la robótica), por lo que el mundo potencial-futurístico que plantean pertenece al mismo universo imaginario, bajo el arreglo de normas compartidas. Los dos títulos son, en concreto, El hombre bicentenario (Bicentennial Man, Chris Columbus 1999) y Yo, robot (I, Robot, Alex Proyas 2004). Se han seleccionado estas dos películas, además, porque permiten explorar las variables de un(os) mundo(s) posible(s), pues en las narraciones de ficción reside el saber tan hipotético y humano que supone imaginar el futuro. Este estudio no consiste en establecer sentencias en torno a las ideas planteadas, sino que pretende hacer ver las posibilidades ideológicas, temáticas, artísticas y narrativas que ofrece dicha discusión. Para ello, la herramienta que mejor se adapta a dicha empresa es el análisis fílmico de corte estructuralista, que pondrá el foco en las formas, figuras y estructuras de cada filme, incidiendo en qué se dice (y cómo) sobre la frontera humano-no humano. En suma, se buscará confrontar posturas y reflexiones, tanto históricas como contemporáneas, acerca de la robótica y el ser humano y su consiguiente impacto ético-filosófico.
{"title":"Avatares icónicos de lo humano y lo no humano en Yo, robot (2004) y El hombre bicentenario (1999)","authors":"Ignacio Gastaca Eguskiza, Víctor Iturregui Motiloa","doi":"10.7238/artnodes.v0i30.402863","DOIUrl":"https://doi.org/10.7238/artnodes.v0i30.402863","url":null,"abstract":"¿Qué significa hoy en día ser humano? El presente artículo tiene como objetivo abordar esa pregunta a partir de dos filmes que comparten un gen literario: ambas son adaptaciones de obras de Isaac Asimov (escritor y científico, creador de las tres leyes de la robótica), por lo que el mundo potencial-futurístico que plantean pertenece al mismo universo imaginario, bajo el arreglo de normas compartidas. Los dos títulos son, en concreto, El hombre bicentenario (Bicentennial Man, Chris Columbus 1999) y Yo, robot (I, Robot, Alex Proyas 2004). Se han seleccionado estas dos películas, además, porque permiten explorar las variables de un(os) mundo(s) posible(s), pues en las narraciones de ficción reside el saber tan hipotético y humano que supone imaginar el futuro. Este estudio no consiste en establecer sentencias en torno a las ideas planteadas, sino que pretende hacer ver las posibilidades ideológicas, temáticas, artísticas y narrativas que ofrece dicha discusión. Para ello, la herramienta que mejor se adapta a dicha empresa es el análisis fílmico de corte estructuralista, que pondrá el foco en las formas, figuras y estructuras de cada filme, incidiendo en qué se dice (y cómo) sobre la frontera humano-no humano. En suma, se buscará confrontar posturas y reflexiones, tanto históricas como contemporáneas, acerca de la robótica y el ser humano y su consiguiente impacto ético-filosófico.","PeriodicalId":42030,"journal":{"name":"Artnodes","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.3,"publicationDate":"2022-11-10","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"41698714","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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