Lin Tianmiao (Taiyuan, 1961) ha recibido especial atención en el ámbito artístico occidental, siendo frecuentemente considerada como “artista feminista”. Sin embargo, la artista ha rechazado de manera continua esta etiqueta. Un rechazo que resulta especialmente interesante para la reevaluación de la categoría de “artista feminista” y las connotaciones de esta taxonomía. En este artículo, para problematizar la figura de “artista feminista”, en primer lugar, se introduce el marco conceptual en torno a conceptos como “mujer artista” y “arte femenino” para después ahondar en la figura de “artista feminista” en relación al arte contemporáneo chino. A continuación, se analiza la posición de rechazo de Lin con respecto a la etiqueta “artista feminista”, para después analizar dos factores que han influido en la identificación de Lin con dicha figura, es decir: el uso del textil y la autorrepresentación corporal. Finalmente, se estudia de qué modo esa percepción como “artista feminista” ha influenciado la propia producción de la autora. De este modo, a través de un caso específico, se muestra la lógica de la construcción de la categoría de “artista feminista” y los retos que conlleva, con el fin de poder reevaluar su modo de empleo.
{"title":"Ser o no ser una artista feminista: el caso de Lin Tianmiao","authors":"Maite Luengo-Aguirre","doi":"10.5209/aris.91826","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91826","url":null,"abstract":"Lin Tianmiao (Taiyuan, 1961) ha recibido especial atención en el ámbito artístico occidental, siendo frecuentemente considerada como “artista feminista”. Sin embargo, la artista ha rechazado de manera continua esta etiqueta. Un rechazo que resulta especialmente interesante para la reevaluación de la categoría de “artista feminista” y las connotaciones de esta taxonomía. En este artículo, para problematizar la figura de “artista feminista”, en primer lugar, se introduce el marco conceptual en torno a conceptos como “mujer artista” y “arte femenino” para después ahondar en la figura de “artista feminista” en relación al arte contemporáneo chino. A continuación, se analiza la posición de rechazo de Lin con respecto a la etiqueta “artista feminista”, para después analizar dos factores que han influido en la identificación de Lin con dicha figura, es decir: el uso del textil y la autorrepresentación corporal. Finalmente, se estudia de qué modo esa percepción como “artista feminista” ha influenciado la propia producción de la autora. De este modo, a través de un caso específico, se muestra la lógica de la construcción de la categoría de “artista feminista” y los retos que conlleva, con el fin de poder reevaluar su modo de empleo.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"11 5","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140413585","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artículo es una interpretación de la obra de María Zambrano (1904-1991) Algunos lugares de la pintura en el marco de la razón poética, la clave de su filosofía. Discute, en primer lugar, el sentido de dicha razón e integra en ella la razón pictórica y la búsqueda de la verdad en pintura. Aunque ambas están constantemente haciéndose, necesitan pausas y huecos. Estos son fundamentales para mediar entre la nada y el ser, tradicionales contrarios asociados con el pensamiento oriental y la filosofía occidental, respectivamente. La correlación entre filosofía y arte establecida por Zambrano, Maurice Merleau-Ponty (1908-1961) y Kitaro Nishida (1870-1945) se opone a estos dualismos. Esto se ejemplificará en sus concepciones del dibujo, del inacabamiento esencial de la pintura y de la atención a los espacios en blanco en ciertas pinturas japonesas y en las de Cézanne. El artículo sostiene que estos “vacios mediales” (Maldiney 1910-2005), forman parte de la razón mediadora (Zambrano) y élargie (Merleau-Ponty), y son tan esenciales para expresar el movimiento como para crear. La poiética de la razón lo logra demostrando así la productividad del diálogo entre filosofía y arte.
本文是对玛丽亚-赞布拉诺（1904-1991 年）的作品《Algunos lugares de la pintura》在诗歌理性框架内的解读，诗歌理性是其哲学的关键。它首先讨论了这种理性的含义，并将绘画理性和对绘画真理的探求融入其中。尽管两者都在不断进行，但它们需要停顿和间隙。这是在虚无和存在之间进行调解的根本，而虚无和存在分别是东方思想和西方哲学的传统对立面。桑布拉诺、莫里斯-梅洛-庞蒂（1908-1961 年）和西田喜太郎（1870-1945 年）在哲学和艺术之间建立的关联反对这些二元论。这将体现在他们对素描、绘画的本质未完成性以及某些日本绘画和塞尚绘画中对空白的关注等概念上。文章认为，这些 "中间空隙"（马尔蒂内，1910-2005 年）是中介（桑布拉诺）和放大（梅洛-庞蒂）理性的一部分，对于表达运动和创作同样重要。理性诗学通过展示哲学与艺术之间对话的生产力来实现这一目标。
{"title":"El vacío que crea en pintura. María Zambrano y Oriente","authors":"María Carmen López Sáenz","doi":"10.5209/aris.90147","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90147","url":null,"abstract":"Este artículo es una interpretación de la obra de María Zambrano (1904-1991) Algunos lugares de la pintura en el marco de la razón poética, la clave de su filosofía. Discute, en primer lugar, el sentido de dicha razón e integra en ella la razón pictórica y la búsqueda de la verdad en pintura. Aunque ambas están constantemente haciéndose, necesitan pausas y huecos. Estos son fundamentales para mediar entre la nada y el ser, tradicionales contrarios asociados con el pensamiento oriental y la filosofía occidental, respectivamente. La correlación entre filosofía y arte establecida por Zambrano, Maurice Merleau-Ponty (1908-1961) y Kitaro Nishida (1870-1945) se opone a estos dualismos. Esto se ejemplificará en sus concepciones del dibujo, del inacabamiento esencial de la pintura y de la atención a los espacios en blanco en ciertas pinturas japonesas y en las de Cézanne. El artículo sostiene que estos “vacios mediales” (Maldiney 1910-2005), forman parte de la razón mediadora (Zambrano) y élargie (Merleau-Ponty), y son tan esenciales para expresar el movimiento como para crear. La poiética de la razón lo logra demostrando así la productividad del diálogo entre filosofía y arte.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"23 38","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140409512","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artículo realiza una revisión de la práctica artística y de ciertas narrativas visuales desarrolladas durante el período de inicio de la pandemia de Covid-19 (marzo a mayo 2020) concentrándose en proyectos realizados en Chile y España. Mediante una selección de obras producidas durante el confinamiento y la cuarentena, este estudio propone una lectura comparativa entre países con el objetivo de encontrar afinidades y diferencias en las producciones artísticas, analizando cómo desde cada contexto y bajo una mirada particular socioeconómica y política, surgen representaciones tan documentales como metafóricas. Nos focalizaremos en dos perspectivas: por un lado, obras que apelan a un imaginario distópico que sugiere cómo las sociedades, debido a la parálisis global, experimentaron una realidad anómala y amenazante que parecía ficticia; por otro, obras que desarrollan un imaginario ecosocial que esboza una sensibilidad sobre la crisis medioambiental y el actual desequilibrio entre naturaleza/humano. Desde ambas perspectivas se examina cómo las/los artistas, en el encierro, articularon dispositivos reflexivos que retrataron la inquietud ante un porvenir desconocido y la activación de la noción de fragilidad, logrando visibilizar procesos desastrosos tan sociales como ecológicos que ya venían desarrollándose y que parecieron agudizarse con la llegada de la pandemia.
{"title":"Imaginarios distópicos e imaginarios ecosociales: prácticas artísticas al inicio de la pandemia en Chile y España","authors":"Paloma Villalobos","doi":"10.5209/aris.93263","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.93263","url":null,"abstract":"Este artículo realiza una revisión de la práctica artística y de ciertas narrativas visuales desarrolladas durante el período de inicio de la pandemia de Covid-19 (marzo a mayo 2020) concentrándose en proyectos realizados en Chile y España. Mediante una selección de obras producidas durante el confinamiento y la cuarentena, este estudio propone una lectura comparativa entre países con el objetivo de encontrar afinidades y diferencias en las producciones artísticas, analizando cómo desde cada contexto y bajo una mirada particular socioeconómica y política, surgen representaciones tan documentales como metafóricas. Nos focalizaremos en dos perspectivas: por un lado, obras que apelan a un imaginario distópico que sugiere cómo las sociedades, debido a la parálisis global, experimentaron una realidad anómala y amenazante que parecía ficticia; por otro, obras que desarrollan un imaginario ecosocial que esboza una sensibilidad sobre la crisis medioambiental y el actual desequilibrio entre naturaleza/humano. Desde ambas perspectivas se examina cómo las/los artistas, en el encierro, articularon dispositivos reflexivos que retrataron la inquietud ante un porvenir desconocido y la activación de la noción de fragilidad, logrando visibilizar procesos desastrosos tan sociales como ecológicos que ya venían desarrollándose y que parecieron agudizarse con la llegada de la pandemia.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"177 5","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-26","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140428763","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Carlos L. Marcos, Jorge Domingo-Gresa, Roberta Spallone
Desde la fundación de la Accademia del Disegno,el dibujo hermanó a las denominadas bellas artes. Era el instrumento de control intelectual de la labor creativa común a tres disciplinas: pintura, escultura y arquitectura. La pintura sólo puede recrear la ilusión de profundidad, pero, escultura y arquitectura se desenvuelven directamente en el espacio. Esta investigación analiza los paralelismos y las divergencias en las estrategias de la conformación de la geometría en el espacio de ambas disciplinas desde una perspectiva histórica. El análisis se circunscribe en la escultura no figurativa para propiciar un adecuado análisis comparado con la arquitectura, en tanto que disciplina no representacional. Este estudio permite afirmar que existen tres estrategias primarias de conformación del espacio desde el punto de vista de la génesis de la forma: adición, sustracción y limitación o confinamiento. Se pretende contribuir así a establecer una taxonomía común a la arquitectura y a la escultura en relación con la configuración de la forma en el espacio y las acciones conceptuales que la engendran, por un lado, y la dialéctica que se establece entre materia, límite y espacio, por otro, prestando especial atención a las relaciones topológicas de compacidad y conectividad.
自绘画艺术学院（Accademia del Disegno）成立以来，素描一直是所谓美术的孪生兄弟。它是绘画、雕塑和建筑三门学科共同的创造性工作的智力控制工具。绘画只能再现深度的幻觉，而雕塑和建筑则直接在空间中展开。本研究从历史角度分析了这两个学科在空间中塑造几何形状的策略的相似之处和不同之处。分析仅限于非具象雕塑，以便与作为非具象学科的建筑学进行充分的比较分析。通过这项研究，我们可以确认，从形式的起源角度来看，有三种塑造空间的主要策略：加法、减法和限制或约束。其目的在于，一方面，就空间中的形式配置和产生形式的概念行为，另一方面，就物质、限制和空间之间建立的辩证关系，建立一个建筑和雕塑通用的分类法，并特别关注紧凑性和连通性的拓扑关系。
{"title":"La ideación de la forma en el espacio. Estrategias de conformación espacial en escultura y arquitectura","authors":"Carlos L. Marcos, Jorge Domingo-Gresa, Roberta Spallone","doi":"10.5209/aris.91696","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91696","url":null,"abstract":"Desde la fundación de la Accademia del Disegno,el dibujo hermanó a las denominadas bellas artes. Era el instrumento de control intelectual de la labor creativa común a tres disciplinas: pintura, escultura y arquitectura. La pintura sólo puede recrear la ilusión de profundidad, pero, escultura y arquitectura se desenvuelven directamente en el espacio. Esta investigación analiza los paralelismos y las divergencias en las estrategias de la conformación de la geometría en el espacio de ambas disciplinas desde una perspectiva histórica. El análisis se circunscribe en la escultura no figurativa para propiciar un adecuado análisis comparado con la arquitectura, en tanto que disciplina no representacional. Este estudio permite afirmar que existen tres estrategias primarias de conformación del espacio desde el punto de vista de la génesis de la forma: adición, sustracción y limitación o confinamiento. Se pretende contribuir así a establecer una taxonomía común a la arquitectura y a la escultura en relación con la configuración de la forma en el espacio y las acciones conceptuales que la engendran, por un lado, y la dialéctica que se establece entre materia, límite y espacio, por otro, prestando especial atención a las relaciones topológicas de compacidad y conectividad.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"4 7","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-19","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139959067","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Carlos Barberá-Pastor, Raúl León-Mendoza, Roser Domingo-Muñoz
El artículo analiza una práctica performativa llevada a cabo en el edificio Rialto de la ciudad de Valencia, en España, el 26 de noviembre de 2022. Dentro del Rialto, la sala 7 acoge artistas visuales, músicos y bailarines para producir un acontecimiento analizado desde una concepción intermedial. Las condiciones improvisadas de la performance; con sonoridades producidas por un piano, una guitarra, un bajo, una flauta travesera, y sonidos sintetizados y sampleados junto a videos procesados en tiempo real y proyectados en cenital sobre el suelo y una pantalla vertical; generan unos razonamientos sobre el esquema espacial en el que se llevó a cabo la acción performativa. La interdependencia de los cuerpos danzantes — espacio, sonido e imágenes proyectadas— lleva a estudiar el movimiento de la danza, prestando atención a la ocupación del espacio, que se articula claramente desde el centro de la sala. La argumentación de la performance nos lleva a vincularla con la ciudad, en el sentido diferencial entre el centro y periferia. El objetivo es investigar su sentido según ciertas conexiones entre la sala y la urbe. El trabajo concluye sobre la necesidad de redefinir el espacio de la performance y la importancia del análisis para su caracterización.
{"title":"Estética intermediada en la performance Laboratorio de fantasmas. Una instalación multimedia de danza en el edificio Rialto de Valencia","authors":"Carlos Barberá-Pastor, Raúl León-Mendoza, Roser Domingo-Muñoz","doi":"10.5209/aris.91691","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91691","url":null,"abstract":"El artículo analiza una práctica performativa llevada a cabo en el edificio Rialto de la ciudad de Valencia, en España, el 26 de noviembre de 2022. Dentro del Rialto, la sala 7 acoge artistas visuales, músicos y bailarines para producir un acontecimiento analizado desde una concepción intermedial. Las condiciones improvisadas de la performance; con sonoridades producidas por un piano, una guitarra, un bajo, una flauta travesera, y sonidos sintetizados y sampleados junto a videos procesados en tiempo real y proyectados en cenital sobre el suelo y una pantalla vertical; generan unos razonamientos sobre el esquema espacial en el que se llevó a cabo la acción performativa. La interdependencia de los cuerpos danzantes — espacio, sonido e imágenes proyectadas— lleva a estudiar el movimiento de la danza, prestando atención a la ocupación del espacio, que se articula claramente desde el centro de la sala. La argumentación de la performance nos lleva a vincularla con la ciudad, en el sentido diferencial entre el centro y periferia. El objetivo es investigar su sentido según ciertas conexiones entre la sala y la urbe. El trabajo concluye sobre la necesidad de redefinir el espacio de la performance y la importancia del análisis para su caracterización.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"664 ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-16","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140454088","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El cine doméstico ha despertado un creciente interés en las últimas décadas y en distintas partes del mundo. En este artículo, tras caracterizar este tipo de materiales audiovisuales, se describen y analizan distintas iniciativas y proyectos de recuperación y archivo de cine doméstico en España. Los agentes sociales que han impulsado este tipo de proyectos y se sienten concernidos por el cine doméstico pertenecen a tres ámbitos principalmente: 1) los archivos y las filmotecas, 2) el cine y el arte visual y 3) la investigación académica. Una vez identificados estos agentes, se analiza el desplazamiento de las películas domésticas hacia instituciones archivísticas de diversa índole y cómo, en ese proceso, su significación y tratamiento se transforman. Los usos y significados de las películas domésticas varían según la posición y los intereses de cada tipo de agente, por lo que se hace un análisis diferenciado de cada ámbito identificado. Finalmente, tras examinar cuáles son las principales disciplinas interesadas en el valor documental del cine doméstico, entre las que no destacan las ciencias sociales, se proponen varías vías de investigación etnográfica a partir de estos materiales visuales
{"title":"Los desplazamientos del cine doméstico en España. Entre el archivo, la práctica artística y la investigación","authors":"Juan de Dios López López, Ignacio Alcalde-Sánchez","doi":"10.5209/aris.91631","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91631","url":null,"abstract":"El cine doméstico ha despertado un creciente interés en las últimas décadas y en distintas partes del mundo. En este artículo, tras caracterizar este tipo de materiales audiovisuales, se describen y analizan distintas iniciativas y proyectos de recuperación y archivo de cine doméstico en España. Los agentes sociales que han impulsado este tipo de proyectos y se sienten concernidos por el cine doméstico pertenecen a tres ámbitos principalmente: 1) los archivos y las filmotecas, 2) el cine y el arte visual y 3) la investigación académica. Una vez identificados estos agentes, se analiza el desplazamiento de las películas domésticas hacia instituciones archivísticas de diversa índole y cómo, en ese proceso, su significación y tratamiento se transforman. Los usos y significados de las películas domésticas varían según la posición y los intereses de cada tipo de agente, por lo que se hace un análisis diferenciado de cada ámbito identificado. Finalmente, tras examinar cuáles son las principales disciplinas interesadas en el valor documental del cine doméstico, entre las que no destacan las ciencias sociales, se proponen varías vías de investigación etnográfica a partir de estos materiales visuales","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"28 8","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139963277","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Linda Manuela Piardi, Ana López-Montes, María Elena Díez- Jorge
El contexto de este artículo es la ciudad de Turín en la primera mitad del siglo XIX, capital del Reino de Cerdeña y, posteriormente, primera capital de la joven nación, escenario en el que emerge una actividad artística femenina bastante intensa, atestiguada sobre todo por los catálogos de las exposiciones, por el periodismo de la época y confirmada por la investigación en archivos y colecciones.Entre las experiencias artísticas y biográficas femeninas más significativas, emerge la de una pintora, Ottavia Borghese, condesa Masino di Mombello, Académica de San Luca en Roma, hija y discípula de Giuseppina Quaglia Borghese, hermana de la “Compagnia di San Luca” de Turín.Este artículo esboza su perfil biográfico-artístico y pone de manifiesto su actividad, aún desconocida, gracias al hallazgo de pinturas y dibujos conservados en museos y colecciones privadas y siguiendo las huellas del material epistolar que han permitido devolver algunas obras a la autora legítima, allanando el camino para futuros estudios.
{"title":"Ottavia Borghese, condesa Masino di Mombello: vivencias de una pintora romántica","authors":"Linda Manuela Piardi, Ana López-Montes, María Elena Díez- Jorge","doi":"10.5209/aris.90726","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90726","url":null,"abstract":"El contexto de este artículo es la ciudad de Turín en la primera mitad del siglo XIX, capital del Reino de Cerdeña y, posteriormente, primera capital de la joven nación, escenario en el que emerge una actividad artística femenina bastante intensa, atestiguada sobre todo por los catálogos de las exposiciones, por el periodismo de la época y confirmada por la investigación en archivos y colecciones.Entre las experiencias artísticas y biográficas femeninas más significativas, emerge la de una pintora, Ottavia Borghese, condesa Masino di Mombello, Académica de San Luca en Roma, hija y discípula de Giuseppina Quaglia Borghese, hermana de la “Compagnia di San Luca” de Turín.Este artículo esboza su perfil biográfico-artístico y pone de manifiesto su actividad, aún desconocida, gracias al hallazgo de pinturas y dibujos conservados en museos y colecciones privadas y siguiendo las huellas del material epistolar que han permitido devolver algunas obras a la autora legítima, allanando el camino para futuros estudios.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"35 5","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139840947","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
This paper explores the widespread practice of adding multiple inscriptions to a single artwork at different times in the fifteenth to seventeenth centuries China. Such practices became prominent when literati painters revisited artworks they had previously created or owned, or when paintings had accumulated a multitude of inscriptions over time. Within the realm of Chinese art discourse, this phenomenon is denoted as “re-inscriptions.” By examining re-inscriptions written on extant paintings and embodied in individual anthologies, this paper demonstrates that these texts transcended the boundaries of art and touched upon the painters’ own lives and the society in which they lived. On the one hand, literati painters engaged in a dialogue with their past selves through re-inscriptions, exploring themes of mortality, aging, and the passage of time – topics seldom addressed in traditional Chinese painting. On the other hand, they utilized re-inscriptions as a means of social interaction, with some re-inscriptions becoming formulaic, adaptable to various artworks to meet different social needs. Furthermore, when faced with preexisting inscriptions on an artwork, artists added new ones for a conversation with their predecessors. Throughout this process, the accumulation of inscriptions transformed the artwork into a layered cultural narrative, and enabled the literati painters in shaping a elite community transcending time and space.
{"title":"Beyond Boundaries: Painting Re-inscriptions in the Fifteenth to Seventeenth Century China","authors":"Wenxin Wang","doi":"10.5209/aris.92068","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92068","url":null,"abstract":"This paper explores the widespread practice of adding multiple inscriptions to a single artwork at different times in the fifteenth to seventeenth centuries China. Such practices became prominent when literati painters revisited artworks they had previously created or owned, or when paintings had accumulated a multitude of inscriptions over time. Within the realm of Chinese art discourse, this phenomenon is denoted as “re-inscriptions.” By examining re-inscriptions written on extant paintings and embodied in individual anthologies, this paper demonstrates that these texts transcended the boundaries of art and touched upon the painters’ own lives and the society in which they lived. On the one hand, literati painters engaged in a dialogue with their past selves through re-inscriptions, exploring themes of mortality, aging, and the passage of time – topics seldom addressed in traditional Chinese painting. On the other hand, they utilized re-inscriptions as a means of social interaction, with some re-inscriptions becoming formulaic, adaptable to various artworks to meet different social needs. Furthermore, when faced with preexisting inscriptions on an artwork, artists added new ones for a conversation with their predecessors. Throughout this process, the accumulation of inscriptions transformed the artwork into a layered cultural narrative, and enabled the literati painters in shaping a elite community transcending time and space.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"65 3","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139841632","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
This paper explores the widespread practice of adding multiple inscriptions to a single artwork at different times in the fifteenth to seventeenth centuries China. Such practices became prominent when literati painters revisited artworks they had previously created or owned, or when paintings had accumulated a multitude of inscriptions over time. Within the realm of Chinese art discourse, this phenomenon is denoted as “re-inscriptions.” By examining re-inscriptions written on extant paintings and embodied in individual anthologies, this paper demonstrates that these texts transcended the boundaries of art and touched upon the painters’ own lives and the society in which they lived. On the one hand, literati painters engaged in a dialogue with their past selves through re-inscriptions, exploring themes of mortality, aging, and the passage of time – topics seldom addressed in traditional Chinese painting. On the other hand, they utilized re-inscriptions as a means of social interaction, with some re-inscriptions becoming formulaic, adaptable to various artworks to meet different social needs. Furthermore, when faced with preexisting inscriptions on an artwork, artists added new ones for a conversation with their predecessors. Throughout this process, the accumulation of inscriptions transformed the artwork into a layered cultural narrative, and enabled the literati painters in shaping a elite community transcending time and space.
{"title":"Beyond Boundaries: Painting Re-inscriptions in the Fifteenth to Seventeenth Century China","authors":"Wenxin Wang","doi":"10.5209/aris.92068","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92068","url":null,"abstract":"This paper explores the widespread practice of adding multiple inscriptions to a single artwork at different times in the fifteenth to seventeenth centuries China. Such practices became prominent when literati painters revisited artworks they had previously created or owned, or when paintings had accumulated a multitude of inscriptions over time. Within the realm of Chinese art discourse, this phenomenon is denoted as “re-inscriptions.” By examining re-inscriptions written on extant paintings and embodied in individual anthologies, this paper demonstrates that these texts transcended the boundaries of art and touched upon the painters’ own lives and the society in which they lived. On the one hand, literati painters engaged in a dialogue with their past selves through re-inscriptions, exploring themes of mortality, aging, and the passage of time – topics seldom addressed in traditional Chinese painting. On the other hand, they utilized re-inscriptions as a means of social interaction, with some re-inscriptions becoming formulaic, adaptable to various artworks to meet different social needs. Furthermore, when faced with preexisting inscriptions on an artwork, artists added new ones for a conversation with their predecessors. Throughout this process, the accumulation of inscriptions transformed the artwork into a layered cultural narrative, and enabled the literati painters in shaping a elite community transcending time and space.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"8 10","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139781702","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Linda Manuela Piardi, Ana López-Montes, María Elena Díez- Jorge
El contexto de este artículo es la ciudad de Turín en la primera mitad del siglo XIX, capital del Reino de Cerdeña y, posteriormente, primera capital de la joven nación, escenario en el que emerge una actividad artística femenina bastante intensa, atestiguada sobre todo por los catálogos de las exposiciones, por el periodismo de la época y confirmada por la investigación en archivos y colecciones.Entre las experiencias artísticas y biográficas femeninas más significativas, emerge la de una pintora, Ottavia Borghese, condesa Masino di Mombello, Académica de San Luca en Roma, hija y discípula de Giuseppina Quaglia Borghese, hermana de la “Compagnia di San Luca” de Turín.Este artículo esboza su perfil biográfico-artístico y pone de manifiesto su actividad, aún desconocida, gracias al hallazgo de pinturas y dibujos conservados en museos y colecciones privadas y siguiendo las huellas del material epistolar que han permitido devolver algunas obras a la autora legítima, allanando el camino para futuros estudios.
{"title":"Ottavia Borghese, condesa Masino di Mombello: vivencias de una pintora romántica","authors":"Linda Manuela Piardi, Ana López-Montes, María Elena Díez- Jorge","doi":"10.5209/aris.90726","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.90726","url":null,"abstract":"El contexto de este artículo es la ciudad de Turín en la primera mitad del siglo XIX, capital del Reino de Cerdeña y, posteriormente, primera capital de la joven nación, escenario en el que emerge una actividad artística femenina bastante intensa, atestiguada sobre todo por los catálogos de las exposiciones, por el periodismo de la época y confirmada por la investigación en archivos y colecciones.Entre las experiencias artísticas y biográficas femeninas más significativas, emerge la de una pintora, Ottavia Borghese, condesa Masino di Mombello, Académica de San Luca en Roma, hija y discípula de Giuseppina Quaglia Borghese, hermana de la “Compagnia di San Luca” de Turín.Este artículo esboza su perfil biográfico-artístico y pone de manifiesto su actividad, aún desconocida, gracias al hallazgo de pinturas y dibujos conservados en museos y colecciones privadas y siguiendo las huellas del material epistolar que han permitido devolver algunas obras a la autora legítima, allanando el camino para futuros estudios.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"103 24","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139781133","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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