En 1985 tuvo lugar Les Immatériaux, una exposición comisariada por el filósofo Jean-François Lyotard y el teórico de nuevos medios Thierry Chaput. Aunque en su momento fue considerada un fracaso, el proyecto ha ganado un estatus de culto con el paso de los años, siendo reconocida por su capacidad para prefigurar muchos de los desafíos propios del siglo XXI. La hipótesis de este artículo es que esa capacidad anticipatoria no se debió exclusivamente a las ideas y a los conceptos aportados por Lyotard, sino a la capacidad autónoma que la exposición tuvo para producir pensamiento a partir de las interacciones que en ella se dieron. Para ejemplificar esta perspectiva se tomará como ejemplo una sección de la exposición, «Irreprésentable», en la que la instalación de un pequeño bosque de veinte metros permite repensar algunos de los debates clave de la teoría del arte y la filosofía contemporáneas, como la cuestión de lo representable y lo irrepresentable o el binarismo naturaleza-cultura.
{"title":"El museo como espacio para el pensamiento: Les Immatériaux y la irrepresentabilidad de la Naturaleza","authors":"Sergio Meijide-Casas","doi":"10.5209/aris.96002","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.96002","url":null,"abstract":"En 1985 tuvo lugar Les Immatériaux, una exposición comisariada por el filósofo Jean-François Lyotard y el teórico de nuevos medios Thierry Chaput. Aunque en su momento fue considerada un fracaso, el proyecto ha ganado un estatus de culto con el paso de los años, siendo reconocida por su capacidad para prefigurar muchos de los desafíos propios del siglo XXI. La hipótesis de este artículo es que esa capacidad anticipatoria no se debió exclusivamente a las ideas y a los conceptos aportados por Lyotard, sino a la capacidad autónoma que la exposición tuvo para producir pensamiento a partir de las interacciones que en ella se dieron. Para ejemplificar esta perspectiva se tomará como ejemplo una sección de la exposición, «Irreprésentable», en la que la instalación de un pequeño bosque de veinte metros permite repensar algunos de los debates clave de la teoría del arte y la filosofía contemporáneas, como la cuestión de lo representable y lo irrepresentable o el binarismo naturaleza-cultura.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"25 20","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-07-24","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141806172","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artículo analiza la postura filosófica del llamado nuevo realismo, especialmente, partiendo de las propuestas del filósofo Markus Gabriel, en referencia al impacto de sus ideas en la construcción del marco conceptual y de pensamiento de la educación artística y sus prácticas. Se sintetiza una explicación sobre la corriente del nuevo realismo, como alternativa al materialismo, al idealismo y al constructivismo posmoderno. Hace un breve recorrido crítico por algunas de sus propuestas, centrándose, de manera exclusiva, en aquellos aspectos que tienen un impacto significativo en el desarrollo conceptual contemporáneo de la educación artística. Se pretende establecer unas bases de pensamiento que permitan ir tejiendo un nuevo desarrollo y definición de la educación artística, convencidos de la necesidad de teorizar para consolidar y fortalecer la disciplina y sus prácticas e investigaciones. Finalmente, establece la necesidad de consolidar una educación artística centrada en su propia realidad objetiva y en el reconocimiento de la realidad del arte como campo de sentido autónomo sobre el que debe girar de forma exclusiva la función de la disciplina.
{"title":"El marco conceptual de la educación artística. Una mirada desde el nuevo realismo","authors":"Ricard Ramon","doi":"10.5209/aris.96225","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.96225","url":null,"abstract":"\u0000Este artículo analiza la postura filosófica del llamado nuevo realismo, especialmente, partiendo de las propuestas del filósofo Markus Gabriel, en referencia al impacto de sus ideas en la construcción del marco conceptual y de pensamiento de la educación artística y sus prácticas. Se sintetiza una explicación sobre la corriente del nuevo realismo, como alternativa al materialismo, al idealismo y al constructivismo posmoderno. Hace un breve recorrido crítico por algunas de sus propuestas, centrándose, de manera exclusiva, en aquellos aspectos que tienen un impacto significativo en el desarrollo conceptual contemporáneo de la educación artística. Se pretende establecer unas bases de pensamiento que permitan ir tejiendo un nuevo desarrollo y definición de la educación artística, convencidos de la necesidad de teorizar para consolidar y fortalecer la disciplina y sus prácticas e investigaciones. Finalmente, establece la necesidad de consolidar una educación artística centrada en su propia realidad objetiva y en el reconocimiento de la realidad del arte como campo de sentido autónomo sobre el que debe girar de forma exclusiva la función de la disciplina. \u0000","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"94 11","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-07-24","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141808116","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
In 2020, the COVID-19 pandemic exacerbated the precariousness and working conditions of artists and cultural workers globally, including Portugal. Through the research project Práticas Artísticas Confinadas: Resistência e Coletivismo na Pandemia Covid-19 em Portugal (Artistic Practices in Lockdown: Resistance and Collectivism during the Covid-19 Pandemic in Portugal), undertaken between December 2021 and June 2022, it was possible to conclude that amid this crisis, Portuguese cultural workers mobilised collectively to advocate for labour rights, expose irregularities within cultural institutions and secure access to cultural and artistic production. Drawing on these findings, this article focuses on how the restrictions on the use of physical public spaces, which are privileged arenas for protest and participatory democracy as defined by the Portuguese Constitution, compelled these workers to devise alternative approaches to sustain their activism. Thus, the paper examines the strategies employed by cultural workers to circumvent the restrictions by adapting and subverting these spatial limitations. The article concludes with an analysis of how the use of art practices and the performativity of these strategies were crucial in ensuring the continuation of social mobilisation and democratic exercise.
2020 年，COVID-19 大流行加剧了包括葡萄牙在内的全球艺术家和文化工作者的不稳定性和工作条件。通过研究项目 Práticas Artísticas Confinadas：Resistência e Coletivismo na Pandemia Covid-19 em Portugal》（《封锁中的艺术实践：2021年12月至2022年6月期间进行的研究得出的结论是，在这场危机中，葡萄牙文化工作者集体动员起来，倡导劳工权利，揭露文化机构内部的违规行为，并确保文化和艺术生产的可及性。根据这些研究结果，本文重点探讨了葡萄牙宪法所规定的抗议和参与式民主的重要场所--实体公共空间的使用限制如何迫使这些文化工作者设计出其他方法来维持他们的活动。因此，本文探讨了文化工作者通过调整和颠覆这些空间限制来规避限制的策略。文章最后分析了艺术实践的使用和这些策略的表演性如何对确保社会动员和民主实践的持续进行至关重要。
{"title":"Artistic Practices in Lockdown: Resistance and Collectivism during the Covid-19 Pandemic in Portugal","authors":"Raquel Ermida, Cristina Pratas-Cruzeiro","doi":"10.5209/aris.95446","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.95446","url":null,"abstract":"In 2020, the COVID-19 pandemic exacerbated the precariousness and working conditions of artists and cultural workers globally, including Portugal. Through the research project Práticas Artísticas Confinadas: Resistência e Coletivismo na Pandemia Covid-19 em Portugal (Artistic Practices in Lockdown: Resistance and Collectivism during the Covid-19 Pandemic in Portugal), undertaken between December 2021 and June 2022, it was possible to conclude that amid this crisis, Portuguese cultural workers mobilised collectively to advocate for labour rights, expose irregularities within cultural institutions and secure access to cultural and artistic production. Drawing on these findings, this article focuses on how the restrictions on the use of physical public spaces, which are privileged arenas for protest and participatory democracy as defined by the Portuguese Constitution, compelled these workers to devise alternative approaches to sustain their activism. Thus, the paper examines the strategies employed by cultural workers to circumvent the restrictions by adapting and subverting these spatial limitations. The article concludes with an analysis of how the use of art practices and the performativity of these strategies were crucial in ensuring the continuation of social mobilisation and democratic exercise.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":" 6","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-07-18","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141826338","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Desde la aparición de las prácticas artísticas asociadas a las nuevas tecnologías se ha incidido en su potencialidad de transformación social. El presente trabajo se centra en el análisis de esas pretendidas capacidades de orden político, interrogándose acerca de su efectividad. Tanto desde los campos del arte como de la tecnología ha existido, en las últimas décadas, la percepción de constituir ámbitos privilegiados de la actividad política una vez que lo político se fue retirando, paulatinamente, del escenario público. Es necesario abordar, por tanto, su retorno, que ha encontrado en estos medios un claro aliado. Reexaminar las limitaciones, las tácticas, las contradicciones en torno a la posibilidad de transformación y/o resistencia a través de lo artístico y lo tecnológico, en su especificidad y en su acción conjunta, es el objetivo principal de este artículo. El texto se articulará a partir de una cartografía de las fuentes y prácticas artísticas que han tratado esta cuestión desde la emergencia de la intersección entre el arte y la tecnología.
{"title":"Promesas electrónicas de emancipación. En torno al potencial político del arte en su intersección con las nuevas tecnologías","authors":"Daniel Villegas-González","doi":"10.5209/aris.94279","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.94279","url":null,"abstract":"Desde la aparición de las prácticas artísticas asociadas a las nuevas tecnologías se ha incidido en su potencialidad de transformación social. El presente trabajo se centra en el análisis de esas pretendidas capacidades de orden político, interrogándose acerca de su efectividad. Tanto desde los campos del arte como de la tecnología ha existido, en las últimas décadas, la percepción de constituir ámbitos privilegiados de la actividad política una vez que lo político se fue retirando, paulatinamente, del escenario público. Es necesario abordar, por tanto, su retorno, que ha encontrado en estos medios un claro aliado. Reexaminar las limitaciones, las tácticas, las contradicciones en torno a la posibilidad de transformación y/o resistencia a través de lo artístico y lo tecnológico, en su especificidad y en su acción conjunta, es el objetivo principal de este artículo. El texto se articulará a partir de una cartografía de las fuentes y prácticas artísticas que han tratado esta cuestión desde la emergencia de la intersección entre el arte y la tecnología.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"47 16","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-07-10","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141660149","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
La sátira menipea es un género proteico y milenario que ha florecido en los periodos de grandes crisis civilizatorias y sociales. Su cultivo y reconocimiento son minoritarios, y se ha presentado desde la Antigüedad mediante formas diversas: primero como diálogo y después como cuento, poesía, ensayo, teatro o novela. Son clásicas las menipeas de Luciano de Samósata, Los viajes de Gulliver de Swift, La metamorfosis de Kafka, El principito de Saint Exupéry o los esperpentos de Valle Inclán. Son sustantivas su misión cultural y su forma estética: expresa la denuncia de la ruina de una sociedad que se ha separado de sus valores, así como la pérdida del sentido de la vida de sus individuos; para ello, reúne todas las formas de la risa y la imaginación libre, de modo que es una síntesis de humor, filosofía y fantasía. Desde el siglo pasado se presenta también como película. Describiremos en este artículo sus diferentes características, tomando como referencia los mejores momentos del debate teórico sobre la menipea. Trazaremos sus diferentes líneas cinematográficas y trataremos de demostrar, mediante el análisis hermenéutico de menipeas fílmicas, que es un género prioritario para el cine fantástico de denuncia social y política de la actualidad.
{"title":"La menipea cinematográfica: un género de origen literario para la denuncia de la ruina social y el sinsentido vital","authors":"Antonio Viñuales-Sánchez","doi":"10.5209/aris.95709","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.95709","url":null,"abstract":"La sátira menipea es un género proteico y milenario que ha florecido en los periodos de grandes crisis civilizatorias y sociales. Su cultivo y reconocimiento son minoritarios, y se ha presentado desde la Antigüedad mediante formas diversas: primero como diálogo y después como cuento, poesía, ensayo, teatro o novela. Son clásicas las menipeas de Luciano de Samósata, Los viajes de Gulliver de Swift, La metamorfosis de Kafka, El principito de Saint Exupéry o los esperpentos de Valle Inclán. Son sustantivas su misión cultural y su forma estética: expresa la denuncia de la ruina de una sociedad que se ha separado de sus valores, así como la pérdida del sentido de la vida de sus individuos; para ello, reúne todas las formas de la risa y la imaginación libre, de modo que es una síntesis de humor, filosofía y fantasía. Desde el siglo pasado se presenta también como película. Describiremos en este artículo sus diferentes características, tomando como referencia los mejores momentos del debate teórico sobre la menipea. Trazaremos sus diferentes líneas cinematográficas y trataremos de demostrar, mediante el análisis hermenéutico de menipeas fílmicas, que es un género prioritario para el cine fantástico de denuncia social y política de la actualidad.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"34 27","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-07-10","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141659245","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Fernando Hernández-Hernández, Estibaliz Aberasturi-Apraiz, Sara-Victoria Carrasco-Segovia
Este artículo, que forma parte de una investigación sobre las trayectorias de aprendizaje de estudiantes universitarios, está organizado en cinco partes: En la primera introducimos el origen y la fundamentación de la investigación. En la segunda se presentan las aportaciones de las líneas de vida como estrategia artística en la investigación social. En la tercera se da cuenta de cómo las líneas de vida llegan a la investigación sobre las trayectorias de aprendizaje. En la cuarta se muestra cómo se han analizado las líneas de vida en el marco de las trayectorias y lo que permiten pensar sobre cómo aprenden los estudiantes. Finalmente, se aportan algunas contribuciones, tanto sobre la problemática de estudio como sobre el papel de los métodos artísticos en la investigación social y educativa. En este artículo se trata de responder a la pregunta ¿Qué aportaciones ofrecen las líneas de vida, como estrategias artísticas, para dialogar con las experiencias de aprendizaje de los estudiantes universitarios? Del análisis realizado se desprende que las líneas de vida ofrecen en la investigación una dimensión ‘agencial’ que permite desvelar experiencias de subjetivación y de autoconciencia. Además, de localizar acontecimientos, experiencias o escenas que muestran el aprendizaje como una trayectoria vital.
{"title":"Las líneas de vida como estrategia artística que posibilita la investigación sobre las trayectorias de aprendizaje de los estudiantes universitarios","authors":"Fernando Hernández-Hernández, Estibaliz Aberasturi-Apraiz, Sara-Victoria Carrasco-Segovia","doi":"10.5209/aris.94226","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.94226","url":null,"abstract":"Este artículo, que forma parte de una investigación sobre las trayectorias de aprendizaje de estudiantes universitarios, está organizado en cinco partes: En la primera introducimos el origen y la fundamentación de la investigación. En la segunda se presentan las aportaciones de las líneas de vida como estrategia artística en la investigación social. En la tercera se da cuenta de cómo las líneas de vida llegan a la investigación sobre las trayectorias de aprendizaje. En la cuarta se muestra cómo se han analizado las líneas de vida en el marco de las trayectorias y lo que permiten pensar sobre cómo aprenden los estudiantes. Finalmente, se aportan algunas contribuciones, tanto sobre la problemática de estudio como sobre el papel de los métodos artísticos en la investigación social y educativa. En este artículo se trata de responder a la pregunta ¿Qué aportaciones ofrecen las líneas de vida, como estrategias artísticas, para dialogar con las experiencias de aprendizaje de los estudiantes universitarios? Del análisis realizado se desprende que las líneas de vida ofrecen en la investigación una dimensión ‘agencial’ que permite desvelar experiencias de subjetivación y de autoconciencia. Además, de localizar acontecimientos, experiencias o escenas que muestran el aprendizaje como una trayectoria vital.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"112 6","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-07-08","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141668282","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
La tachadura constituye uno de los procedimientos formales empleados en el campo de la poesía experimental española, pero, también, dentro del arte conceptual. Este artículo analiza tres obras en los que este procedimiento se aplica sobre textos originales apropiados. El carácter críptico de estas obras—por la parquedad o ausencia de unidades léxicas que en ellos aparecen—, su autonomía formal y su descontextualización invitan a realizar una lectura metarreferencial según la cual la tachadura constituiría solamente una forma de intensificación de la materialidad gráfica del signo. Sin embargo, la atención a los textos apropiados sobre los que la tachadura se opera arroja sospechas sobre cualquier lectura formalista. La naturaleza de los textos apropiados apunta a una interpretación política que se ve reforzada si consideramos la actividad «tachadora» del régimen franquista, ejercida preventivamente tanto en los textos enviados a consulta voluntaria como sobre las pintadas que orlaban los muros de la ciudad. Este artículo defiende que el procedimiento impersonal de la apropiación y el tachado constituye una corriente alternativa de compromiso estético en las obras de José Miguel Ullán, Concha Jerez y Fernando Millán y analiza los distintos significados que emanan de un acto de supresión del sentido.
{"title":"La tachadura como forma de compromiso estético. Un análisis a partir de las obras de José Miguel Ullán, Concha Jerez y Fernando Millán","authors":"Diego Zorita-Arroyo","doi":"10.5209/aris.96308","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.96308","url":null,"abstract":"La tachadura constituye uno de los procedimientos formales empleados en el campo de la poesía experimental española, pero, también, dentro del arte conceptual. Este artículo analiza tres obras en los que este procedimiento se aplica sobre textos originales apropiados. El carácter críptico de estas obras—por la parquedad o ausencia de unidades léxicas que en ellos aparecen—, su autonomía formal y su descontextualización invitan a realizar una lectura metarreferencial según la cual la tachadura constituiría solamente una forma de intensificación de la materialidad gráfica del signo. Sin embargo, la atención a los textos apropiados sobre los que la tachadura se opera arroja sospechas sobre cualquier lectura formalista. La naturaleza de los textos apropiados apunta a una interpretación política que se ve reforzada si consideramos la actividad «tachadora» del régimen franquista, ejercida preventivamente tanto en los textos enviados a consulta voluntaria como sobre las pintadas que orlaban los muros de la ciudad. Este artículo defiende que el procedimiento impersonal de la apropiación y el tachado constituye una corriente alternativa de compromiso estético en las obras de José Miguel Ullán, Concha Jerez y Fernando Millán y analiza los distintos significados que emanan de un acto de supresión del sentido.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":" 3","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-07-05","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141673606","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
This article explores the impact of structural analysis of a work of art on enhancing the creativity of designers and artists. The results of the study showed that consistent adherence to all stages of the artistic and compositional aspect of the analysis of an art object can have a significant impact on increasing creative capabilities in the development of creative thinking, as well as obtaining the necessary instrumental skills for creating various types of internal spaces using objects of fine art. As part of this study, recommendations were also drawn up for the practical use of associative components to create the desired emotional atmosphere in various types of interiors. The results of the study allowed us to propose a methodological approach based on a sequential process, which includes art tasks for students and recommendations for integrating the creative process from the field of art into art education. The proposed approach can also be applied to improve creative skills through analysis in other types of fine arts and will provide an opportunity to replenish and expand the knowledge base in this area.
{"title":"The impact of structural analysis of works of fine art on enhancing the creativity of artists and interior designers","authors":"O. Pylypchuk","doi":"10.5209/aris.95402","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.95402","url":null,"abstract":"This article explores the impact of structural analysis of a work of art on enhancing the creativity of designers and artists. The results of the study showed that consistent adherence to all stages of the artistic and compositional aspect of the analysis of an art object can have a significant impact on increasing creative capabilities in the development of creative thinking, as well as obtaining the necessary instrumental skills for creating various types of internal spaces using objects of fine art. As part of this study, recommendations were also drawn up for the practical use of associative components to create the desired emotional atmosphere in various types of interiors. The results of the study allowed us to propose a methodological approach based on a sequential process, which includes art tasks for students and recommendations for integrating the creative process from the field of art into art education. The proposed approach can also be applied to improve creative skills through analysis in other types of fine arts and will provide an opportunity to replenish and expand the knowledge base in this area.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"23 17","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-07-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141684885","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Víctor Murillo-Ligorred, Nora Ramos-Vallecillo, María Enfedaque-Sancho
El presente artículo aborda una investigación cualitativa sobre las obras presentadas en el proyecto Banquete_nodos y redes, dirigido por Karin Ohlenschläger, con el objetivo de explorar la superación de fronteras en el contexto de la transdisciplinariedad. Se establece un marco teórico que examina este concepto y traza una genealogía de los centros más relevantes en transdisciplinariedad y medialabs, con un enfoque especial en tres centros españoles con los que Ohlenschläger estuvo estrechamente relacionada. Se proporciona una descripción detallada de Banquete_nodos y redes, incluyendo sus obras y artistas participantes. A continuación, se presenta una tabla que categoriza todos los datos recopilados utilizando el sistema de categorización elegido en la metodología empleada. Los resultados obtenidos se discuten en torno a cuatro temas específicos: Educación, Arte, Política y Nuevas Tecnologías. Finalmente, se extraen conclusiones que resaltan el valor interdisciplinario como impulsor de la transformación social, subrayando la importancia de aprovechar las nuevas tecnologías en un enfoque no lineal del conocimiento y su globalización, en contraposición a una concepción clásica que lo fragmenta.
{"title":"Explorando la transdisciplinariedad en el Banquete_nodos y redes: un estudio cualitativo del proyecto de Karin Ohlenschläger para la formación en magisterio","authors":"Víctor Murillo-Ligorred, Nora Ramos-Vallecillo, María Enfedaque-Sancho","doi":"10.5209/aris.95563","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.95563","url":null,"abstract":"El presente artículo aborda una investigación cualitativa sobre las obras presentadas en el proyecto Banquete_nodos y redes, dirigido por Karin Ohlenschläger, con el objetivo de explorar la superación de fronteras en el contexto de la transdisciplinariedad. Se establece un marco teórico que examina este concepto y traza una genealogía de los centros más relevantes en transdisciplinariedad y medialabs, con un enfoque especial en tres centros españoles con los que Ohlenschläger estuvo estrechamente relacionada. Se proporciona una descripción detallada de Banquete_nodos y redes, incluyendo sus obras y artistas participantes. A continuación, se presenta una tabla que categoriza todos los datos recopilados utilizando el sistema de categorización elegido en la metodología empleada. Los resultados obtenidos se discuten en torno a cuatro temas específicos: Educación, Arte, Política y Nuevas Tecnologías. Finalmente, se extraen conclusiones que resaltan el valor interdisciplinario como impulsor de la transformación social, subrayando la importancia de aprovechar las nuevas tecnologías en un enfoque no lineal del conocimiento y su globalización, en contraposición a una concepción clásica que lo fragmenta.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"4 6","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-06-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141349640","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
{"title":"Cromo-filia: Historia(s) del color en el cine","authors":"M. I. Escribano-Gonzálvez","doi":"10.5209/aris.96090","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.96090","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"16 3","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-06-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141346487","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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