This paper presents some aspects of socially engaged art proposals, such as collaborative methods, affective relationships, and the production of the common. Currently, we observe in transdisciplinary projects and collective actions a growing focus on collaborative practices as attempts to go beyond practices strictly engrained in established institutional spaces such as museums, universities, and governmental or private spaces. With the perspective of a certain local activation of collective pieces of knowledge and practices, these artistic proposals aim at the circulation of knowledge, its integration and contamination by unusual places, narratives and methodologies belonging to each daily life. Therefore, we find in socially engaged artistic practices artistic interventions that highlight the power of affects for the production of knowledge managed in communities, making us think about what relationships consist of and how they may or may not give space for the common. We understand that by considering the power of affects and art in their political and social dimensions, we incorporate a discourse of difference that allows for other possible forms of communal living.
{"title":"Socially engaged art proposals: between collaboration, affect, and the commons","authors":"Andreia Machado Oliveiro","doi":"10.5209/aris.92389","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92389","url":null,"abstract":"This paper presents some aspects of socially engaged art proposals, such as collaborative methods, affective relationships, and the production of the common. Currently, we observe in transdisciplinary projects and collective actions a growing focus on collaborative practices as attempts to go beyond practices strictly engrained in established institutional spaces such as museums, universities, and governmental or private spaces. With the perspective of a certain local activation of collective pieces of knowledge and practices, these artistic proposals aim at the circulation of knowledge, its integration and contamination by unusual places, narratives and methodologies belonging to each daily life. Therefore, we find in socially engaged artistic practices artistic interventions that highlight the power of affects for the production of knowledge managed in communities, making us think about what relationships consist of and how they may or may not give space for the common. We understand that by considering the power of affects and art in their political and social dimensions, we incorporate a discourse of difference that allows for other possible forms of communal living.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"54 17","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-05-16","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140971015","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En el entorno capitalista actual, el arte ha perdido su potencial de resistencia. La posibilidad de restituir al arte esa capacidad demanda un distanciamiento estructural frente al mercado. El gesto artístico, como ejecución singular del cuerpo humano que no se convierte en un objeto, no puede ser capturado por el mercado, pues, en el caso del gesto, la obra es la actividad misma de obrar. El gesto, en tanto que componente mínimo pero esencial del arte, no solamente se mantiene fuera del poder gravitacional del capital, sino que, al orientarse hacia la acción humana, pone en primer plano la agencia individual y colectiva de los seres humanos para pensar y actuar libremente. Para entender lo anterior, se explica de qué modo la obra/gesto, el gesto artístico, altera la noción de obra de arte, el papel del artista y del espectador y la función que ha de cumplir el museo. Finalmente, se postula el potencial político y educativo del gesto artístico como ejercicio que propicia prácticas de pensamiento libre para sensibilizar a quienes se implican en él respecto de su co-dependencia mutua y su eco-dependencia de la naturaleza.
{"title":"El gesto como retorno a la esencia resistente del arte","authors":"María V. Machado-Penso, F. G. Serrano-López","doi":"10.5209/aris.92683","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92683","url":null,"abstract":"En el entorno capitalista actual, el arte ha perdido su potencial de resistencia. La posibilidad de restituir al arte esa capacidad demanda un distanciamiento estructural frente al mercado. El gesto artístico, como ejecución singular del cuerpo humano que no se convierte en un objeto, no puede ser capturado por el mercado, pues, en el caso del gesto, la obra es la actividad misma de obrar. El gesto, en tanto que componente mínimo pero esencial del arte, no solamente se mantiene fuera del poder gravitacional del capital, sino que, al orientarse hacia la acción humana, pone en primer plano la agencia individual y colectiva de los seres humanos para pensar y actuar libremente. Para entender lo anterior, se explica de qué modo la obra/gesto, el gesto artístico, altera la noción de obra de arte, el papel del artista y del espectador y la función que ha de cumplir el museo. Finalmente, se postula el potencial político y educativo del gesto artístico como ejercicio que propicia prácticas de pensamiento libre para sensibilizar a quienes se implican en él respecto de su co-dependencia mutua y su eco-dependencia de la naturaleza.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"124 19","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-05-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140985189","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Penélope Martín-Martín, M. Higueras-Ruiz, J. Pérez-Rufí
La Mesías (Movistar+, 2023) es una serie española de televisión que desarrolla la historia de una familia disfuncional de la que emerge un grupo musical, Stella Maris. En la serie, sus creadores reinterpretan fenómenos virales de origen online, muy especialmente el caso del grupo español Flos Mariae. El objetivo principal de este trabajo es explorar el universo transmedia de la serie, para lo cual se deben localizar, comparar y analizar las acciones del grupo musical ficticio en redes sociales. Se pretende igualmente identificar de qué forma se establece una relación entre el relato de ficción y el relato virtualizado en las redes. Se aplica una metodología exploratoria y descriptiva basada en el estudio de caso. Los resultados confirman que las acciones transmedia alrededor de Stella Maris y de La Mesías expanden la narrativa de la serie, al punto de llevarla a una experiencia performativa. Además, estas acciones proponen un juego sobre las fronteras entre realidad mediatizada y ficción a partir de la narrativa transmedia desarrollada. Los resultados invitan a discutir sobre la entidad “real” de acciones artísticas en el contexto de la producción cultural mediatizada.
La Mesías》（Movistar+，2023 年）是一部西班牙电视剧，讲述了一个功能失调的家庭中出现了一个音乐组合 Stella Maris 的故事。在这部电视剧中，创作者重新诠释了源于网络的病毒现象，其中最著名的是西班牙组合 Flos Mariae 的案例。本作品的主要目的是探索该系列的跨媒体世界，包括定位、比较和分析虚构音乐团体在社交网络上的行为。它还旨在确定网络上的虚构故事与虚拟故事之间是如何建立关系的。研究采用了基于案例研究的探索性和描述性方法。研究结果证实，围绕《斯特拉-马里斯》和《弥赛亚》开展的跨媒体行动扩展了系列剧的叙事，使其成为一种表演体验。此外，这些行动还通过所开发的跨媒体叙事，对媒体化的现实与虚构之间的界限进行了探讨。这些成果促使我们讨论在媒介化文化生产背景下艺术行动的 "真实 "实体。
{"title":"“Stella Maris no somos fake”: aproximación exploratoria al universo transmedia de la serie de televisión La Mesías (Movistar+, 2023)","authors":"Penélope Martín-Martín, M. Higueras-Ruiz, J. Pérez-Rufí","doi":"10.5209/aris.95043","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.95043","url":null,"abstract":"La Mesías (Movistar+, 2023) es una serie española de televisión que desarrolla la historia de una familia disfuncional de la que emerge un grupo musical, Stella Maris. En la serie, sus creadores reinterpretan fenómenos virales de origen online, muy especialmente el caso del grupo español Flos Mariae. El objetivo principal de este trabajo es explorar el universo transmedia de la serie, para lo cual se deben localizar, comparar y analizar las acciones del grupo musical ficticio en redes sociales. Se pretende igualmente identificar de qué forma se establece una relación entre el relato de ficción y el relato virtualizado en las redes. Se aplica una metodología exploratoria y descriptiva basada en el estudio de caso. Los resultados confirman que las acciones transmedia alrededor de Stella Maris y de La Mesías expanden la narrativa de la serie, al punto de llevarla a una experiencia performativa. Además, estas acciones proponen un juego sobre las fronteras entre realidad mediatizada y ficción a partir de la narrativa transmedia desarrollada. Los resultados invitan a discutir sobre la entidad “real” de acciones artísticas en el contexto de la producción cultural mediatizada.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"15 19","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-05-06","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"141005886","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Enric Font-Company, Júlia Castell, Andrés Torres, Juan Martínez, R. Clemente
En el marco académico del Grado de Maestra de Educación Infantil de la Facultad de Educación, durante el curso 2022-2023, se lleva a cabo un proyecto de investigación artística y educativa en la asignatura Didáctica de la Educación Visual y Plástica. El objetivo principal es acercar procesos artísticos contemporáneos a la formación del alumnado. Para lograrlo, se implementa y evalúa un modelo que establece vínculos entre artistas profesionales, estudiantes universitarios y maestras en activo. El punto de partida se sitúa en el encuentro con artistas contemporáneos en las aulas universitarias, creando así situaciones significativas y prácticas en el proceso formativo de las futuras maestras. Los procesos creativos identificados se utilizan como materia prima para diseñar un entorno de aprendizaje, y el proyecto culmina con su implementación práctica en diferentes escuelas colaboradoras. El artículo describe y valora el proceso y la experiencia desde la perspectiva de los investigadores participantes, enfatizando especialmente las situaciones de encuentro con artistas en la Facultad de Educación.
{"title":"Educación Infantil y Artistas Contemporáneas: una experiencia significativa en las aulas para la mejora de la formación de maestras","authors":"Enric Font-Company, Júlia Castell, Andrés Torres, Juan Martínez, R. Clemente","doi":"10.5209/aris.93588","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.93588","url":null,"abstract":"En el marco académico del Grado de Maestra de Educación Infantil de la Facultad de Educación, durante el curso 2022-2023, se lleva a cabo un proyecto de investigación artística y educativa en la asignatura Didáctica de la Educación Visual y Plástica. El objetivo principal es acercar procesos artísticos contemporáneos a la formación del alumnado. Para lograrlo, se implementa y evalúa un modelo que establece vínculos entre artistas profesionales, estudiantes universitarios y maestras en activo. El punto de partida se sitúa en el encuentro con artistas contemporáneos en las aulas universitarias, creando así situaciones significativas y prácticas en el proceso formativo de las futuras maestras. Los procesos creativos identificados se utilizan como materia prima para diseñar un entorno de aprendizaje, y el proyecto culmina con su implementación práctica en diferentes escuelas colaboradoras. El artículo describe y valora el proceso y la experiencia desde la perspectiva de los investigadores participantes, enfatizando especialmente las situaciones de encuentro con artistas en la Facultad de Educación.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-25","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140654927","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Silvia Martínez de Miguel-López, Juan Antonio Salmerón-Aroca, Érica Mateo-Cutillas
En la actualidad, la inclusión museística es una asignatura aún pendiente en la mayoría de los museos españoles. No obstante, se está produciendo un cambio de concepción de las instituciones museísticas, pasando de ser instalaciones que conservaban el patrimonio, a espacios al servicio de la sociedad. Desde esta perspectiva se plantea este trabajo concretándose en la accesibilidad de los museos para todo tipo de públicos. El objetivo de este estudio es conocer los diferentes programas inclusivos que desarrollan los museos nacionales, así como los colectivos en riesgo de exclusión social a los que van destinados. Para ello, se ha realizado una investigación cualitativa, donde diecinueve museos de diferentes comunidades autónomas han sido analizados a partir de un tipo de muestreo intencionado no probabilístico. El instrumento utilizado para recoger los datos necesarios ha sido una tabla de registro, diseñada ad hoc para esta investigación con el fin de conocer la realidad de los museos que contienen programas de estas características. Los principales resultados indican que, aunque la inclusión museística se está iniciando en nuestro país con el desarrollo de programas inclusivos relevantes y atendiendo una diversidad significativa, no obstante, cuantitativamente es todavía una tarea aún por desarrollar en la mayoría de los museos españoles.
{"title":"La inclusión museística en los museos de España. Un estudio exploratorio acerca de sus programas educativos específicos.","authors":"Silvia Martínez de Miguel-López, Juan Antonio Salmerón-Aroca, Érica Mateo-Cutillas","doi":"10.5209/aris.93032","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.93032","url":null,"abstract":"En la actualidad, la inclusión museística es una asignatura aún pendiente en la mayoría de los museos españoles. No obstante, se está produciendo un cambio de concepción de las instituciones museísticas, pasando de ser instalaciones que conservaban el patrimonio, a espacios al servicio de la sociedad. Desde esta perspectiva se plantea este trabajo concretándose en la accesibilidad de los museos para todo tipo de públicos. El objetivo de este estudio es conocer los diferentes programas inclusivos que desarrollan los museos nacionales, así como los colectivos en riesgo de exclusión social a los que van destinados. Para ello, se ha realizado una investigación cualitativa, donde diecinueve museos de diferentes comunidades autónomas han sido analizados a partir de un tipo de muestreo intencionado no probabilístico. El instrumento utilizado para recoger los datos necesarios ha sido una tabla de registro, diseñada ad hoc para esta investigación con el fin de conocer la realidad de los museos que contienen programas de estas características. Los principales resultados indican que, aunque la inclusión museística se está iniciando en nuestro país con el desarrollo de programas inclusivos relevantes y atendiendo una diversidad significativa, no obstante, cuantitativamente es todavía una tarea aún por desarrollar en la mayoría de los museos españoles.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"48 6","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-23","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140667980","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Lucas Ariza-Parrado, Alexander Gümbel, María C. Paez, Martín A. Caicedo-Sánchez
Del cuerpo propio al espacio relacional, del cuerpo colectivo al espacio potencial, del cuerpo potencial al espacio expandido. A partir de tres colecciones conformadas por obras de arte y performance, este artículo ahonda en la hipótesis de que el espacio se nos devela mediante el cuerpo y su movimiento. En un proceso metodológico entre analizar, cartografiar, coleccionar y conversar sobre dichas colecciones, podemos observar que el espacio no es tan solo una dimensión material, estática y visible que nos contiene y que sucede en el aquí y el ahora, sino que también es producto de cargas, movimientos y extensiones tanto del cuerpo propio como de las relaciones de los cuerpos colectivos. El vaivén entre reflexiones teóricas y el estudio de prácticas espaciales permite identificar y discutir conceptos como la aparición del rastro, entendiendo este como una posibilidad de extender el movimiento de un cuerpo; lo colectivo y lo vulnerable del cuerpo al hacer consciencia sobre sus propios límites en relación con el espacio; así como, el surgimiento de una espacialidad común a través del movimiento de “otros” cuerpos.
{"title":"Cartografías de transición: De cuerpos en detención a espacios en movimiento","authors":"Lucas Ariza-Parrado, Alexander Gümbel, María C. Paez, Martín A. Caicedo-Sánchez","doi":"10.5209/aris.93469","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.93469","url":null,"abstract":"Del cuerpo propio al espacio relacional, del cuerpo colectivo al espacio potencial, del cuerpo potencial al espacio expandido. A partir de tres colecciones conformadas por obras de arte y performance, este artículo ahonda en la hipótesis de que el espacio se nos devela mediante el cuerpo y su movimiento. En un proceso metodológico entre analizar, cartografiar, coleccionar y conversar sobre dichas colecciones, podemos observar que el espacio no es tan solo una dimensión material, estática y visible que nos contiene y que sucede en el aquí y el ahora, sino que también es producto de cargas, movimientos y extensiones tanto del cuerpo propio como de las relaciones de los cuerpos colectivos. El vaivén entre reflexiones teóricas y el estudio de prácticas espaciales permite identificar y discutir conceptos como la aparición del rastro, entendiendo este como una posibilidad de extender el movimiento de un cuerpo; lo colectivo y lo vulnerable del cuerpo al hacer consciencia sobre sus propios límites en relación con el espacio; así como, el surgimiento de una espacialidad común a través del movimiento de “otros” cuerpos.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"105 6","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-23","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140670127","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artículo propone un análisis del potencial de la fotografía como elemento clave en la difusión de estéticas subculturales, tomando como referencia las fotografías que Miguel Trillo hizo de varios skinheads en Londres y Madrid a principios de los años ochenta. Esas imágenes plantean preguntas referidas al acto fotográfico, a las relaciones entre fotógrafo y sujetos fotografiados y a la capacidad de circulación de la fotografía impresa en publicaciones. ¿En qué condiciones fueron tomadas estas fotografías y cuáles eran los objetivos de retratados, al dejarse fotografiar, y creadores, al pulsar el disparador de sus cámaras?, ¿en qué medida pueden esas fotografías ayudarnos a comprender cómo fueron reinterpretadas (apropiadas, modificadas, popularizadas) determinadas estéticas musicales en contextos más o menos alejados?, ¿qué retos plantean las fotografías y sus soportes impresos, libros o fanzines, a la hora de estudiar los procesos de recepción por parte de los públicos?
{"title":"Fotografía, subculturas y circulación: Reflexiones sobre los skins de Miguel Trillo","authors":"Juan Albarrán Diego","doi":"10.5209/aris.93058","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.93058","url":null,"abstract":"Este artículo propone un análisis del potencial de la fotografía como elemento clave en la difusión de estéticas subculturales, tomando como referencia las fotografías que Miguel Trillo hizo de varios skinheads en Londres y Madrid a principios de los años ochenta. Esas imágenes plantean preguntas referidas al acto fotográfico, a las relaciones entre fotógrafo y sujetos fotografiados y a la capacidad de circulación de la fotografía impresa en publicaciones. ¿En qué condiciones fueron tomadas estas fotografías y cuáles eran los objetivos de retratados, al dejarse fotografiar, y creadores, al pulsar el disparador de sus cámaras?, ¿en qué medida pueden esas fotografías ayudarnos a comprender cómo fueron reinterpretadas (apropiadas, modificadas, popularizadas) determinadas estéticas musicales en contextos más o menos alejados?, ¿qué retos plantean las fotografías y sus soportes impresos, libros o fanzines, a la hora de estudiar los procesos de recepción por parte de los públicos?","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"39 22","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-22","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140673324","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Con el objetivo de determinar un marco conceptual y un posicionamiento teorético-procedimental sobre el significado y lo que conforma la investigación artística con relación a la práctica artística y su evaluación, este artículo presenta un contexto referencial y ofrece una serie de aportaciones con el propósito de contribuir al conocimiento de la investigación artística a fin de mejorar los procesos de evaluación y acreditación. Las argumentaciones se inician situando la génesis y legitimidad de la investigación artística para posteriormente centrarse en su delimitación conceptual, diferenciando la investigación artística dentro de la práctica artística de aquella que se da dentro del ámbito académico-científico; y seguidamente exponer las tres distintas categorías que la práctica artística puede ostentar respecto a la investigación, analizar las derivadas terminológicas, y examinar los parámetros para determinar el uso riguroso de la práctica artística en la investigación. A continuación, el debate se focaliza en la evaluación de la investigación artística dentro del marco de la reforma de la evaluación de la investigación que a nivel europeo se está implementando según los principios del acuerdo de 2022 de CoARA (Coalition for Advancing Research Assessment). Se presentan orientaciones y propuestas para incorporar criterios de evaluación ad hoc a la investigación artística bajo este nuevo paradigma.
{"title":"Investigación artística, una propuesta para su demarcación conceptual y su evaluación bajo el nuevo paradigma de reforma de la Coalición Internacional para el Avance de la Evaluación en Investigación (CoARA)","authors":"Bibiana Crespo-Martín","doi":"10.5209/aris.93692","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.93692","url":null,"abstract":"Con el objetivo de determinar un marco conceptual y un posicionamiento teorético-procedimental sobre el significado y lo que conforma la investigación artística con relación a la práctica artística y su evaluación, este artículo presenta un contexto referencial y ofrece una serie de aportaciones con el propósito de contribuir al conocimiento de la investigación artística a fin de mejorar los procesos de evaluación y acreditación. Las argumentaciones se inician situando la génesis y legitimidad de la investigación artística para posteriormente centrarse en su delimitación conceptual, diferenciando la investigación artística dentro de la práctica artística de aquella que se da dentro del ámbito académico-científico; y seguidamente exponer las tres distintas categorías que la práctica artística puede ostentar respecto a la investigación, analizar las derivadas terminológicas, y examinar los parámetros para determinar el uso riguroso de la práctica artística en la investigación. A continuación, el debate se focaliza en la evaluación de la investigación artística dentro del marco de la reforma de la evaluación de la investigación que a nivel europeo se está implementando según los principios del acuerdo de 2022 de CoARA (Coalition for Advancing Research Assessment). Se presentan orientaciones y propuestas para incorporar criterios de evaluación ad hoc a la investigación artística bajo este nuevo paradigma.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"56 13","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-09","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140721598","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El artículo tiene como objetivo explicar la génesis y el posterior desarrollo del proyecto estético-pedagógico del pintor hondureño Pablo Zelaya Sierra. En la conformación de dicho proyecto se entrecruzan las ideas que se desprenden de su posición como artista vanguardista y sus aspiraciones como intelectual comprometido con la construcción de una sociedad moderna, democrática e independiente. Asimismo, el articulo examina su ideario y programa para desvelar el principal propósito del artista hondureño, el cual, se dirigió hacia la transformación de la nación por medio del cultivo de la sensibilidad estética y la promoción de una cultura artística que estuviese al servicio del desarrollo y al fortalecimiento de la identidad nacional. El artículo revela una serie de elementos que hasta el momento permanecen desconocidos por la historiografía del arte en Honduras y que permiten una actualización más fiel del proceso creador de Pablo Zelaya Sierra durante su permanencia en la Escuela Especial de Pintura de Madrid.
{"title":"El proyecto estético-pedagógico de Pablo Zelaya Sierra (1896-1933)","authors":"Rodnie G. Galeano-Rosa","doi":"10.5209/aris.92612","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92612","url":null,"abstract":"El artículo tiene como objetivo explicar la génesis y el posterior desarrollo del proyecto estético-pedagógico del pintor hondureño Pablo Zelaya Sierra. En la conformación de dicho proyecto se entrecruzan las ideas que se desprenden de su posición como artista vanguardista y sus aspiraciones como intelectual comprometido con la construcción de una sociedad moderna, democrática e independiente. Asimismo, el articulo examina su ideario y programa para desvelar el principal propósito del artista hondureño, el cual, se dirigió hacia la transformación de la nación por medio del cultivo de la sensibilidad estética y la promoción de una cultura artística que estuviese al servicio del desarrollo y al fortalecimiento de la identidad nacional. El artículo revela una serie de elementos que hasta el momento permanecen desconocidos por la historiografía del arte en Honduras y que permiten una actualización más fiel del proceso creador de Pablo Zelaya Sierra durante su permanencia en la Escuela Especial de Pintura de Madrid.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"30 8","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-08","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140732290","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
South African artist Santu Mofokeng’s The Black Photo Album—Look at Me: 1890–1950 (1997) displays black people’s photographic portraits and text through a slide projection. For this archive project, he collected, restored, and re-contextualized the old portraits and added text. The presented figures depict the black South Africans who lived at the end of the nineteenth century. Most of them are well-dressed and take a pose in a European studio. Different from the well-prepared photographic representation, pieces of text include a disorder of alphabets, varied size of letters, inconsistent ground color, and misprinting effect. In a sense, the ambivalent mode of images and text seems to appeal the black people’s inner conflicts between being modernized versus colonized. In fact, Mofokeng once said that such a middle-class of black people did not exist in his education. Thus, this research analyzes the ways in which intertextuality of images and text in The Black Photo Album fills with the incomplete part of South African history. Reconsidering the functional limits of the TRC(Truth and Reconciliation Commission, 1995) in South Africa, this research argues that Mofokeng’s archive project delivers emotions of memories of the black people, which were not registered in the nation’s history.
南非艺术家 Santu Mofokeng 的《黑人相册--看看我：1890-1950》（1997 年）通过幻灯片投影展示了黑人的肖像照片和文字。在这一档案项目中，他收集、修复了这些老肖像，并将其重新语境化，还添加了文字。展出的肖像描绘的是生活在 19 世纪末的南非黑人。他们大多衣着光鲜，在欧洲摄影棚里摆出各种姿势。与精心准备的摄影作品不同，文字作品中的字母杂乱无章，字母大小不一，底色不一致，还有错版印刷的效果。从某种意义上说，图像与文字的矛盾模式似乎诉说着黑人内心在现代化与殖民化之间的矛盾。事实上，莫福肯曾说过，在他的教育中不存在这样的黑人中产阶级。因此，本研究分析了《黑人相册》中图像与文本的互文性如何填补南非历史的不完整部分。本研究重新审视了南非真相与和解委员会（Truth and Reconciliation Commission，1995 年）的功能局限，认为莫福肯的档案项目传递了黑人的记忆情感，而这些情感并未载入国家历史。
{"title":"How to see the South African black people in Santu Mofokeng’s image-text archive?","authors":"Sunhee Jang","doi":"10.5209/aris.92751","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92751","url":null,"abstract":"South African artist Santu Mofokeng’s The Black Photo Album—Look at Me: 1890–1950 (1997) displays black people’s photographic portraits and text through a slide projection. For this archive project, he collected, restored, and re-contextualized the old portraits and added text. The presented figures depict the black South Africans who lived at the end of the nineteenth century. Most of them are well-dressed and take a pose in a European studio. Different from the well-prepared photographic representation, pieces of text include a disorder of alphabets, varied size of letters, inconsistent ground color, and misprinting effect. In a sense, the ambivalent mode of images and text seems to appeal the black people’s inner conflicts between being modernized versus colonized. In fact, Mofokeng once said that such a middle-class of black people did not exist in his education. Thus, this research analyzes the ways in which intertextuality of images and text in The Black Photo Album fills with the incomplete part of South African history. Reconsidering the functional limits of the TRC(Truth and Reconciliation Commission, 1995) in South Africa, this research argues that Mofokeng’s archive project delivers emotions of memories of the black people, which were not registered in the nation’s history.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"25 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-08","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140729466","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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