Pub Date : 2023-09-21DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i2p30-55
Mariana Conde Rhormens Lopes
Este artigo discute os conceitos colonialismo, colonialidade, pós-colonialismo, descolonialismo e decolonialismo, discorrendo sobre suas origens, histórias, correntes, principais semelhanças e diferenças. Para tal discussão traz pensamentos de Catherine Walsh, Mudimbe, Wole Soyinka, Walter Mignolo, Aníbal Quijano, Edward Saïd e Steven Feierman. Aprofundando o debate, põe em xeque questões sobre generalizações, contradições, acesso direcionado a pesquisas culturais, favoritismos e interculturalidade crítica. Reflete sobre como tais conceitos dialogam com a formação e referências especialmente nos cursos superiores de artes da cena, trazendo provocações e problemáticas ao leitor. Traz reflexões com o termo “desnortear”, propondo alterar as referências durante anos pautadas em experiências, histórias e saberes do Norte Global.
本文讨论了殖民主义、殖民主义、后殖民主义、非殖民主义和非殖民主义的概念，讨论了它们的起源、历史、潮流、主要的异同。这个讨论带来了Catherine Walsh, Mudimbe, Wole Soyinka, Walter Mignolo, anibal Quijano, Edward said和Steven Feierman的想法。深化辩论，质疑概括、矛盾、直接获取文化研究、偏袒和批判性跨文化主义等问题。反思这些概念是如何与训练和参考对话的，特别是在表演艺术的高等课程中，给读者带来挑衅和问题。它带来了对“迷惑”一词的反思，建议在多年的经验、故事和全球北方的知识指导下改变参考。
{"title":"Desnorteando referências: pensamentos (pós)/(des)/(de)colonial na formação do artista da cena","authors":"Mariana Conde Rhormens Lopes","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i2p30-55","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i2p30-55","url":null,"abstract":"Este artigo discute os conceitos colonialismo, colonialidade, pós-colonialismo, descolonialismo e decolonialismo, discorrendo sobre suas origens, histórias, correntes, principais semelhanças e diferenças. Para tal discussão traz pensamentos de Catherine Walsh, Mudimbe, Wole Soyinka, Walter Mignolo, Aníbal Quijano, Edward Saïd e Steven Feierman. Aprofundando o debate, põe em xeque questões sobre generalizações, contradições, acesso direcionado a pesquisas culturais, favoritismos e interculturalidade crítica. Reflete sobre como tais conceitos dialogam com a formação e referências especialmente nos cursos superiores de artes da cena, trazendo provocações e problemáticas ao leitor. Traz reflexões com o termo “desnortear”, propondo alterar as referências durante anos pautadas em experiências, histórias e saberes do Norte Global.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"13 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136240522","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-09-21DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i2p85-113
Luiz Costa-Lima Neto
Abordamos o processo judicial que as coristas francesas Celine Suberbie e Constance Tarte Lalanne moveram contra a diretoria do Teatro de São Pedro de Alcântara, em 1850-1853. A partir de pesquisas em periódicos da época, apresentamos informações sobre as coristas, seus repertórios artísticos e sua relação com o contexto social. Discutimos como a comédia vaudeville em um ato La Tasse Cassée (A Xícara Quebrada), apresentada em benefício de Celine Suberbie, em 1853, estava relacionada com o processo judicial. Destacamos a importância do teatro musical francês para a circulação internacional de artistas, comportamentos, práticas culturais e ideias que se chocaram com a sociedade patriarcal e escravista brasileira da segunda metade no século XIX.
{"title":"A vitória das coristas francesas sobre a diretoria do Teatro de São Pedro de Alcântara (1850-1853)","authors":"Luiz Costa-Lima Neto","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i2p85-113","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i2p85-113","url":null,"abstract":"Abordamos o processo judicial que as coristas francesas Celine Suberbie e Constance Tarte Lalanne moveram contra a diretoria do Teatro de São Pedro de Alcântara, em 1850-1853. A partir de pesquisas em periódicos da época, apresentamos informações sobre as coristas, seus repertórios artísticos e sua relação com o contexto social. Discutimos como a comédia vaudeville em um ato La Tasse Cassée (A Xícara Quebrada), apresentada em benefício de Celine Suberbie, em 1853, estava relacionada com o processo judicial. Destacamos a importância do teatro musical francês para a circulação internacional de artistas, comportamentos, práticas culturais e ideias que se chocaram com a sociedade patriarcal e escravista brasileira da segunda metade no século XIX.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"12 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136239427","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-09-21DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i2p56-84
Paulo da Silva Gregório
Enquanto as transmissões de montagens ao vivo têm sido instrumentos importantes pelos quais companhias britânicas como o National Theatre têm disseminado suas produções shakespearianas para além do espaço físico do teatro, elas levantam questões relevantes acerca da primazia do teatro enquanto veículo privilegiado de ressignificação de Shakespeare. Este artigo discute questões teóricas relativas ao modo como a linguagem marcadamente intermidiática desse gênero de adaptação shakespeariana cria novas formas de participação espectatorial que reconfiguram noções de ao vivo e de coparticipação, convencionalmente percebidas como traços constitutivos da identidade ontológica do teatro. Essas questões serão examinadas em relação a uma montagem britânica de Hamlet (2015), dirigida por Lyndsey Turner para o National Theatre, que foi também exibida nos cinemas como parte do projeto National Theatre Live. Veremos que, ao passo que as técnicas de filmagem empregadas na captura da performance ao vivo buscam reproduzir, na tela, a experiência do aqui-e-agora do teatro presencial, elas sinalizam formas alternativas de ressignificar a performance shakespeariana nas telas, tanto de modo síncrono quanto assíncrono.
{"title":"Shakespeare transmitido: repensando o significado da performance ao vivo","authors":"Paulo da Silva Gregório","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i2p56-84","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i2p56-84","url":null,"abstract":"Enquanto as transmissões de montagens ao vivo têm sido instrumentos importantes pelos quais companhias britânicas como o National Theatre têm disseminado suas produções shakespearianas para além do espaço físico do teatro, elas levantam questões relevantes acerca da primazia do teatro enquanto veículo privilegiado de ressignificação de Shakespeare. Este artigo discute questões teóricas relativas ao modo como a linguagem marcadamente intermidiática desse gênero de adaptação shakespeariana cria novas formas de participação espectatorial que reconfiguram noções de ao vivo e de coparticipação, convencionalmente percebidas como traços constitutivos da identidade ontológica do teatro. Essas questões serão examinadas em relação a uma montagem britânica de Hamlet (2015), dirigida por Lyndsey Turner para o National Theatre, que foi também exibida nos cinemas como parte do projeto National Theatre Live. Veremos que, ao passo que as técnicas de filmagem empregadas na captura da performance ao vivo buscam reproduzir, na tela, a experiência do aqui-e-agora do teatro presencial, elas sinalizam formas alternativas de ressignificar a performance shakespeariana nas telas, tanto de modo síncrono quanto assíncrono.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"6 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136240520","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-09-21DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i2p6-29
Tiago de Brito Cruvinel, Túlio Fernandes Silveira
Este artigo compartilha parte dos dados do Censo Escolar da Educação Básica de 2022 sobre a quantidade de docentes que atuam nas escolas públicas do Brasil, em diferentes regimes de contratação, com licenciatura em Artes, Artes Visuais, Música, Dança e Teatro – com o recorte analítico na formação em Teatro. Na análise dos dados, compara-se o número total de todas as áreas de conhecimento no Brasil com a área de Teatro, o que demonstra que a quantidade de docentes de Teatro se mostra ínfima. Esse baixo número pode levar a um eventual desaparecimento dos docentes de Teatro diante das políticas neoliberais de educação. Além disso, atesta-se a discrepância na efetivação de docentes de Teatro em comparação às Artes Visuais.
{"title":"Docentes com licenciatura em teatro na Educação Básica: dados quantitativos de 2022 das escolas públicas no Brasil","authors":"Tiago de Brito Cruvinel, Túlio Fernandes Silveira","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i2p6-29","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i2p6-29","url":null,"abstract":"Este artigo compartilha parte dos dados do Censo Escolar da Educação Básica de 2022 sobre a quantidade de docentes que atuam nas escolas públicas do Brasil, em diferentes regimes de contratação, com licenciatura em Artes, Artes Visuais, Música, Dança e Teatro – com o recorte analítico na formação em Teatro. Na análise dos dados, compara-se o número total de todas as áreas de conhecimento no Brasil com a área de Teatro, o que demonstra que a quantidade de docentes de Teatro se mostra ínfima. Esse baixo número pode levar a um eventual desaparecimento dos docentes de Teatro diante das políticas neoliberais de educação. Além disso, atesta-se a discrepância na efetivação de docentes de Teatro em comparação às Artes Visuais.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"39 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136239426","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-09-21DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i2p190-206
Rafael Marino
Este ensaio intenta fazer uma leitura crítica da peça Esperando Godot no fim do mundo, encenada pelo Teatro Oficina Uzyna Uzona em 2022. O argumento explorado ao longo do texto é que, com escolhas cênicas e textuais específicas, a companhia reorientou a peça de Samuel Beckett em um sentido afro-antropofágico, distinguindo significativamente essa montagem do sentido original do texto.
{"title":"Exu contra o messianismo: crítica de Esperando Godot no fim do mundo, encenada pelo Teatro Oficina","authors":"Rafael Marino","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i2p190-206","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i2p190-206","url":null,"abstract":"Este ensaio intenta fazer uma leitura crítica da peça Esperando Godot no fim do mundo, encenada pelo Teatro Oficina Uzyna Uzona em 2022. O argumento explorado ao longo do texto é que, com escolhas cênicas e textuais específicas, a companhia reorientou a peça de Samuel Beckett em um sentido afro-antropofágico, distinguindo significativamente essa montagem do sentido original do texto.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"38 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136240523","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-09-21DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i2p141-166
Artur Sartori Kon
Este ensaio analisa a peça teatral Pornoteobrasil, estreada pela companhia paulistana Tablado de Arruar em janeiro de 2019, primeiro mês do governo de Jair Bolsonaro. Observa-se como a arte pode estar à altura da urgência do tempo histórico sem pretender oferecer respostas e soluções prontas para os impasses que ele apresenta. Essa investigação nos permite ver o teatro político contemporâneo como pós-brechtiano, localizando a transformação do mundo não no plano das possibilidades, mas no campo do impossível.
本文分析了2019年1月，即雅伊尔·博尔索纳罗执政的第一个月，由sao保罗公司Tablado de Arruar首演的戏剧《Pornoteobrasil》。我们观察到，艺术如何能够应对历史时代的紧迫性，而不假装为它所呈现的僵局提供现成的答案和解决方案。这一研究使我们能够将当代政治戏剧视为后布莱希特时期，将世界的转变定位在不可能的层面上，而不是在可能性的层面上。
{"title":"A travessia do deserto: verdade e não-saber em Pornoteobrasil, do Tablado de Arruar","authors":"Artur Sartori Kon","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i2p141-166","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i2p141-166","url":null,"abstract":"Este ensaio analisa a peça teatral Pornoteobrasil, estreada pela companhia paulistana Tablado de Arruar em janeiro de 2019, primeiro mês do governo de Jair Bolsonaro. Observa-se como a arte pode estar à altura da urgência do tempo histórico sem pretender oferecer respostas e soluções prontas para os impasses que ele apresenta. Essa investigação nos permite ver o teatro político contemporâneo como pós-brechtiano, localizando a transformação do mundo não no plano das possibilidades, mas no campo do impossível.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"117 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136239430","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-09-21DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i2p114-140
Monize Oliveira Moura
O artigo apresenta as transformações na cena teatral amadora natalense entre as décadas de 1940 e 1960, questionando como ela incorporou e propagou concepções teatrais modernas. Considera-se que a consolidação do teatro moderno no Brasil esteve relacionada, entre outras coisas, a um processo de dimensão transnacional de afirmação da ideia de um teatro de arte. A partir do cotejo entre três periódicos, observou-se: (1) a ideia de renovação teatral relacionada a montagens de textos de reconhecido valor literário e à preocupação com aspectos técnicos das encenações; (2) a recorrência à noção de teatro regional para caracterizar iniciativas de modernização cênica. Tais aspectos sugerem que Natal estava conectada, mas não de modo sincrônico, à mentalidade que dominou o campo em outras capitais.
{"title":"Modernidades teatrais no Brasil: circulação de ideias e práticas modernas entre grupos amadores e crítica teatral natalenses nos anos 1940-1960","authors":"Monize Oliveira Moura","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i2p114-140","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i2p114-140","url":null,"abstract":"O artigo apresenta as transformações na cena teatral amadora natalense entre as décadas de 1940 e 1960, questionando como ela incorporou e propagou concepções teatrais modernas. Considera-se que a consolidação do teatro moderno no Brasil esteve relacionada, entre outras coisas, a um processo de dimensão transnacional de afirmação da ideia de um teatro de arte. A partir do cotejo entre três periódicos, observou-se: (1) a ideia de renovação teatral relacionada a montagens de textos de reconhecido valor literário e à preocupação com aspectos técnicos das encenações; (2) a recorrência à noção de teatro regional para caracterizar iniciativas de modernização cênica. Tais aspectos sugerem que Natal estava conectada, mas não de modo sincrônico, à mentalidade que dominou o campo em outras capitais.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"85 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136240521","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-09-21DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i2p167-189
Felisberto Sabino da Costa, Luana Sevarolli Assis
Este trabalho, que se vincula à pesquisa desenvolvida em O Círculo – Grupo de Estudos Híbridos das Artes da Cena1, busca discutir o conceito de corpocidade como uma possibilidade dramatúrgica, construída a partir da ação e do recorte de enquadramentos com o olhar. O contexto urbano contemporâneo aparece como um convite a transformar-se a partir da presença e da performatividade. Desse modo, o registro da experiência do e no corpocidade configura-se como possibilidade de constituir dramaturgias apontando para a eclosão de diferentes verdades, ao invés de uma única. Interessa-nos o recorte do dramaturgo (e da dramaturgia) que incorpora a urbe como disparadora desses processos. Assim, expõem-se algumas experiências que podem ser referências concretas de práticas e não um modelo a ser seguido. Muito se teoriza sobre como provocar a nós mesmos, artistas-pesquisadores, para que possamos despertar estados potenciais de criação, e essa pesquisa convida a olhar para a experiência na cidade como prática performativa.
这项工作，与circulo - Grupo de Estudos hybridos das Artes da Cena1的研究有关，旨在讨论身体城市的概念，作为一种戏剧可能性，建立在行动和框架的切割与外观。当代城市背景似乎是一种从存在和表演中转变的邀请。因此，身体和身体体验的记录被配置为一种可能性，以构成戏剧，指向不同的真理的爆发，而不是单一的真理。我们感兴趣的是剧作家(和戏剧)的剪辑，它将城市作为这些过程的触发器。因此，本文提出了一些经验，这些经验可以作为实践的具体参考，而不是要遵循的模式。很多理论都是关于如何激发我们自己，艺术家研究者，这样我们就可以唤醒潜在的创作状态，这项研究邀请我们将城市体验视为一种表演实践。
{"title":"Dramaturgia e corpocidade: poéticas do olhar e processos criativos","authors":"Felisberto Sabino da Costa, Luana Sevarolli Assis","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i2p167-189","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i2p167-189","url":null,"abstract":"Este trabalho, que se vincula à pesquisa desenvolvida em O Círculo – Grupo de Estudos Híbridos das Artes da Cena1, busca discutir o conceito de corpocidade como uma possibilidade dramatúrgica, construída a partir da ação e do recorte de enquadramentos com o olhar. O contexto urbano contemporâneo aparece como um convite a transformar-se a partir da presença e da performatividade. Desse modo, o registro da experiência do e no corpocidade configura-se como possibilidade de constituir dramaturgias apontando para a eclosão de diferentes verdades, ao invés de uma única. Interessa-nos o recorte do dramaturgo (e da dramaturgia) que incorpora a urbe como disparadora desses processos. Assim, expõem-se algumas experiências que podem ser referências concretas de práticas e não um modelo a ser seguido. Muito se teoriza sobre como provocar a nós mesmos, artistas-pesquisadores, para que possamos despertar estados potenciais de criação, e essa pesquisa convida a olhar para a experiência na cidade como prática performativa.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"35 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-09-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"136239425","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-04-14DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i1p54-69
Maurício Augusto Perussi de Souza
O artigo examina o espetáculo/instalação Orfeo: eine Sterbeübung, concebido pela encenadora alemã Susanne Kennedy para a Ruhrtriennale 2015. Partindo de L'Orfeo (1607), de Claudio Monteverdi, a obra consiste em uma experiência imersiva na qual o espectador, percorrendo uma série de salas nas quais confronta atores silenciosos e mascarados, é convidado a pôr em prática um “exercício de morrer”. Procura-se esmiuçar o sentido desse exercício, tendo por base a hipótese de que a experiência de morte almejada por Kennedy tem início no desnudamento das ações, perpassando a sensibilização às “emoções automoventes”, o contato com a materialidade do tempo, desembocando, por fim, em um devir-mulher, ou no devir-Eurídice de Orfeu. No encadeamento desses conceitos, delineia-se uma correlação entre a apresentação de ações desenredadas da mímesis dramática e a possibilidade de se gerar variações em relação aos padrões majoritários de percepção.
本文考察了由德国导演苏珊娜·肯尼迪(Susanne Kennedy)为2015年鲁尔三年展(Ruhrtriennale 2015)设计的展览/装置作品Orfeo: eine sterbeubung。从克劳迪奥·蒙特威尔第(Claudio Monteverdi)的《奥菲奥》(l’Orfeo, 1607)开始，这部作品是一种身临其境的体验，观众在一系列的房间里，面对沉默和蒙面的演员，被邀请进行“死亡练习”。找搜这个练习的意义,基于假设肯尼迪死亡所需的工作经历开始desnudamento意识,识别的行为的“情感automoventes”,接触时间的重要性,最后,终于,在一个未来的妻子,或者在未来-Eurídice奥菲斯。在这些概念的链条中，我们勾勒出了戏剧模仿的无序行为的呈现与产生与大多数感知模式相关的变化的可能性之间的关联。
{"title":"Morrer é uma ação nua: Orfeo: eine Sterbeübung (2015), de Susanne Kennedy","authors":"Maurício Augusto Perussi de Souza","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i1p54-69","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i1p54-69","url":null,"abstract":"O artigo examina o espetáculo/instalação Orfeo: eine Sterbeübung, concebido pela encenadora alemã Susanne Kennedy para a Ruhrtriennale 2015. Partindo de L'Orfeo (1607), de Claudio Monteverdi, a obra consiste em uma experiência imersiva na qual o espectador, percorrendo uma série de salas nas quais confronta atores silenciosos e mascarados, é convidado a pôr em prática um “exercício de morrer”. Procura-se esmiuçar o sentido desse exercício, tendo por base a hipótese de que a experiência de morte almejada por Kennedy tem início no desnudamento das ações, perpassando a sensibilização às “emoções automoventes”, o contato com a materialidade do tempo, desembocando, por fim, em um devir-mulher, ou no devir-Eurídice de Orfeu. No encadeamento desses conceitos, delineia-se uma correlação entre a apresentação de ações desenredadas da mímesis dramática e a possibilidade de se gerar variações em relação aos padrões majoritários de percepção.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"3 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-04-14","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"90290711","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-04-14DOI: 10.11606/issn.2238-3867.v22i1p91-119
Ribamar José de Oliveira Junior
Neste artigo, reflito sobre extrativismo e estética a partir da performance Colombianización de Nadia Granados que estreou dia 3 julho de 2018 no México. Por meio das afetações com o cabaré multimídia da artista colombiana assistido no Tranzac Club em Toronto, Canadá, busco relações entre pornoterrorismo e necropolítica diante da violência nas artes da cena. Ao trazer o dispositivo drag king como paródia do masculino, a artista esgarça paisagens extrativas do tráfico de drogas na Colômbia pelos mundos de morte do capitalismo em seu estado gore. O corpo de Nadia Granados está presente, mas vale pensar sobre essa presença frente a que, a quem e com quem. Na performance, vejo um cabaré que permite a transformação de políticas performativas em experimentação, sobretudo, em um lugar de produção de novas subjetividades.
{"title":"Colombianización: pornoterrorismo e mundos de morte na videoperformance de Nadia Granados","authors":"Ribamar José de Oliveira Junior","doi":"10.11606/issn.2238-3867.v22i1p91-119","DOIUrl":"https://doi.org/10.11606/issn.2238-3867.v22i1p91-119","url":null,"abstract":"Neste artigo, reflito sobre extrativismo e estética a partir da performance Colombianización de Nadia Granados que estreou dia 3 julho de 2018 no México. Por meio das afetações com o cabaré multimídia da artista colombiana assistido no Tranzac Club em Toronto, Canadá, busco relações entre pornoterrorismo e necropolítica diante da violência nas artes da cena. Ao trazer o dispositivo drag king como paródia do masculino, a artista esgarça paisagens extrativas do tráfico de drogas na Colômbia pelos mundos de morte do capitalismo em seu estado gore. O corpo de Nadia Granados está presente, mas vale pensar sobre essa presença frente a que, a quem e com quem. Na performance, vejo um cabaré que permite a transformação de políticas performativas em experimentação, sobretudo, em um lugar de produção de novas subjetividades.","PeriodicalId":41534,"journal":{"name":"Sala Preta","volume":"47 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-04-14","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"78416980","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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