{"title":"Amparo Serrano de Haro. Vida de Remedios Varo. Santiago de Compostela. EILA Editores, 2019. 239 pp.","authors":"Desiré Rodríguez-Martínez","doi":"10.5209/aris.92374","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92374","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"539 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-01-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140479413","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
{"title":"Las alumnas de la Bauhaus. Artes, oficios y revolución: Las mujeres que marcaron la diferencia. Vadillo, M. (2021). Editorial Berenice. ISBN: 978-84-18709-44-9. 288 págs.","authors":"M. E. Giménez-Reneses","doi":"10.5209/aris.92576","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92576","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"92 2","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-01-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140470963","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El propósito de este artículo es analizar la obra Alturas de Machu Picchu de Pablo Neruda a partir de elementos constitutivos de la poesía nerudiana y el valor de la imagen de las fotografías de Martín Chambi, como elemento visual, que dota a la obra de una memoria colectiva y poética mediante la concepción de la alteridad. la metodología utilizada en este trabajo consiste en una revisión sistemática de referentes teóricos de la literatura y la visualidad con el fin de relevar la filosofía de la alteridad del escritor chileno y el fotógrafo peruano. Entre los principales hallazgos se encuentra el compromiso ético político en la propuesta verbo visual de esta obra, a partir de la alteridad destacada en la enunciación lírica y el registro fotográfico de un vacío rocoso que se completa en la arquitectura de una de las más imponentes construcciones del pasado precolombino, dando cuenta del imaginario de la memoria y la cosmogonía de la cultura inca.
本文旨在分析巴勃罗-聂鲁达（Pablo Neruda）的作品《马丘比丘的阿尔图拉斯》（Alturas de Machu Picchu），分析的基础是聂鲁达诗歌的构成元素和马丁-尚比（Martín Chambi）摄影作品的图像价值，后者作为一种视觉元素，通过 "他者 "概念赋予该作品以集体和诗意的记忆。主要的研究成果包括本作品视觉动词提案中的伦理-政治承诺，其基础是抒情诗和摄影记录中突出的他者性，即在前哥伦布时代最宏伟的建筑之一的建筑中完成的岩石空洞，对印加文化的记忆和宇宙观的想象进行了描述。
{"title":"Neruda y Chambi: poesía y fotografía en Alturas de Machu Picchu","authors":"Marina Fierro-Concha, Sebastián Albornoz-Albornoz","doi":"10.5209/aris.91698","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91698","url":null,"abstract":"El propósito de este artículo es analizar la obra Alturas de Machu Picchu de Pablo Neruda a partir de elementos constitutivos de la poesía nerudiana y el valor de la imagen de las fotografías de Martín Chambi, como elemento visual, que dota a la obra de una memoria colectiva y poética mediante la concepción de la alteridad. la metodología utilizada en este trabajo consiste en una revisión sistemática de referentes teóricos de la literatura y la visualidad con el fin de relevar la filosofía de la alteridad del escritor chileno y el fotógrafo peruano. Entre los principales hallazgos se encuentra el compromiso ético político en la propuesta verbo visual de esta obra, a partir de la alteridad destacada en la enunciación lírica y el registro fotográfico de un vacío rocoso que se completa en la arquitectura de una de las más imponentes construcciones del pasado precolombino, dando cuenta del imaginario de la memoria y la cosmogonía de la cultura inca. \u0000 ","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"51 ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-01-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140471402","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
{"title":"Adam Herring. Arte y visión en el Imperio Inca. Andinos y españoles en Cajamarca. Lima: Fondo Editorial Pontificia Universidad Católica del Perú, 2023, 288 pp.","authors":"Paula Martínez-Sagredo","doi":"10.5209/aris.91809","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91809","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"489 ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-01-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140474561","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El presente artículo aborda el acceso de la mujer a la formación artística de carácter público en la Barcelona de finales del siglo XIX, tomando como hilo conductor la figura, inédita todavía, de Francisca García Ortiz (1853-1923). Como primera profesora de la Escuela de Dibujo para Niñas y Adultas de la ciudad, puesta en funcionamiento en 1883, García es una pionera de la didáctica del arte de nuestra historia reciente. En este artículo analizamos su trayectoria profesional y su aportación como docente de dibujo y pintura en clases dirigidas exclusivamente al alumnado femenino. El artículo ofrece datos de interés en torno a las etapas de la carrera académica hacia 1900 y las limitaciones experimentadas por las mujeres en este contexto. Se mencionan y sitúan, asimismo, otras artistas y profesoras que protagonizaron las primeras décadas de presencia femenina en la enseñanza de las artes en la ciudad. En última instancia, su ejemplo nos sirve para proponer una reflexión más amplia en torno a la trayectoria de las mujeres en las instituciones educativas públicas del momento y las vías que tenían a su alcance para profesionalizarse, en la España del cambio de siglo.
本文以弗朗西斯卡-加西亚-奥尔蒂斯（Francisca García Ortiz，1853-1923 年）这一尚未发表的人物为线索，探讨了 19 世纪末巴塞罗那女性接受公共艺术教育的情况。加西亚是 1883 年开办的城市女子和成人绘画学校的第一位教师，她是我国近代史上艺术教育的先驱。在这篇文章中，我们分析了她的职业生涯，以及她作为专为女学生开设的素描和绘画课程教师所做出的贡献。文章提供了有关她在 1900 年前后的学术生涯阶段以及女性在此背景下所经历的限制的有趣数据。文章还提到了其他艺术家和教师，他们在女性参与城市艺术教学的最初几十年中发挥了主导作用。最终，她们的例子有助于对当时女性在公共教育机构中的发展轨迹以及她们在世纪之交的西班牙成为专业人士的途径进行更广泛的思考。
{"title":"La mujer en la enseñanza pública del arte en la Barcelona del cambio de siglo. El caso de Francisca García Ortiz (1853-1923)","authors":"Cristina Rodríguez-Samaniego","doi":"10.5209/aris.92444","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92444","url":null,"abstract":"El presente artículo aborda el acceso de la mujer a la formación artística de carácter público en la Barcelona de finales del siglo XIX, tomando como hilo conductor la figura, inédita todavía, de Francisca García Ortiz (1853-1923). Como primera profesora de la Escuela de Dibujo para Niñas y Adultas de la ciudad, puesta en funcionamiento en 1883, García es una pionera de la didáctica del arte de nuestra historia reciente. En este artículo analizamos su trayectoria profesional y su aportación como docente de dibujo y pintura en clases dirigidas exclusivamente al alumnado femenino. El artículo ofrece datos de interés en torno a las etapas de la carrera académica hacia 1900 y las limitaciones experimentadas por las mujeres en este contexto. Se mencionan y sitúan, asimismo, otras artistas y profesoras que protagonizaron las primeras décadas de presencia femenina en la enseñanza de las artes en la ciudad. En última instancia, su ejemplo nos sirve para proponer una reflexión más amplia en torno a la trayectoria de las mujeres en las instituciones educativas públicas del momento y las vías que tenían a su alcance para profesionalizarse, en la España del cambio de siglo.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":" 6","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-01-12","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139624295","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Vincent Morisset pertenece a una tipología de autor bastante rara, él es un director de cine interactivo (Hales, 2015). Su trabajo se mueve en un amplio espectro de soportes mediáticos, géneros y formatos, desde videoclip musicales para el navegador hasta instalaciones interactivas y poesía colaborativa para aplicaciones móviles. En colaboración con sus colegas de Studio AATOAA, su trabajo ha sido exhibido y premiado en reconocidos festivales de cine y de nuevos medios a nivel mundial. En un panorama mediático en constante cambio, el rol del autor de obras interactivas ha sido difícil de descifrar ya que aún nos encontramos en un babel terminológico en lo que concierne a la narrativa digital interactiva (Koetniz et al, 2020), a su multimodalidad e intermedialidad (Elleström, 2010). Es así como las voces de los mismos autores de narrativas interactivas resultan de vital relevancia para acercarnos a la naturaleza de este tipo de productos y a su proceso creativo (Kitromili and Reyes, 2023). En esta entrevista, Morisset reflexiona sobre el rol del autor, la naturaleza de la obra interactiva, y la relación entre el autor y quienes interactúan con la obra.
文森特-莫里塞特属于一种相当罕见的创作类型，他是一名互动电影制作人（Hales，2015）。他的作品跨越多种媒体、流派和形式，从浏览器的音乐视频短片到互动装置和移动应用程序的合作诗歌。他与 AATOAA 工作室的同事合作，其作品曾在全球知名的电影和新媒体节上展出并获奖。在瞬息万变的媒体环境中，互动作品作者的角色一直难以厘清，因为我们仍处于互动数字故事（Koetniz et al, 2020）、其多模态性和跨媒介性（Elleström, 2010）的术语混乱之中。因此，互动叙事作者本身的声音对于了解此类产品的性质及其创作过程至关重要（Kitromili and Reyes, 2023）。在这次访谈中，莫里塞特思考了作者的角色、互动作品的性质以及作者与作品互动者之间的关系。
{"title":"An Interview with Vincent Morisset, interactive film director","authors":"M. C. Reyes","doi":"10.5209/aris.92077","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92077","url":null,"abstract":"Vincent Morisset pertenece a una tipología de autor bastante rara, él es un director de cine interactivo (Hales, 2015). Su trabajo se mueve en un amplio espectro de soportes mediáticos, géneros y formatos, desde videoclip musicales para el navegador hasta instalaciones interactivas y poesía colaborativa para aplicaciones móviles. En colaboración con sus colegas de Studio AATOAA, su trabajo ha sido exhibido y premiado en reconocidos festivales de cine y de nuevos medios a nivel mundial. En un panorama mediático en constante cambio, el rol del autor de obras interactivas ha sido difícil de descifrar ya que aún nos encontramos en un babel terminológico en lo que concierne a la narrativa digital interactiva (Koetniz et al, 2020), a su multimodalidad e intermedialidad (Elleström, 2010). Es así como las voces de los mismos autores de narrativas interactivas resultan de vital relevancia para acercarnos a la naturaleza de este tipo de productos y a su proceso creativo (Kitromili and Reyes, 2023). En esta entrevista, Morisset reflexiona sobre el rol del autor, la naturaleza de la obra interactiva, y la relación entre el autor y quienes interactúan con la obra.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"403 ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-12-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139177927","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
La década de 1990 produjo un mayor enfoque en el arte social y comunitario, lo que llevó a un desarrollo teórico en este campo. En la actualidad, el arte social ha encontrado su lugar dentro del sector artístico contemporáneo español, a través de convocatorias y programaciones de las instituciones. En el presente artículo ofrecemos un estudio actualizado de las convocatorias y programaciones más destacables que promueven el arte participativo en España, con el objetivo de conocer de manera precisa sus orígenes, modelos de gestión y el impacto social que generan. Mediante una metodología cualitativa basada en entrevistas personales con sus gestores o comisarios, indagaremos en los desafíos, oportunidades y perspectivas que enfrentaron estos actores clave en la producción y organización de eventos artísticos participativos. El análisis de los datos obtenidos permitirá una comprensión más profunda de la dinámica del arte participativo en el país, y contribuirá al enriquecimiento del campo de los estudios culturales y la gestión de eventos artísticos.
{"title":"Arte participativo en España (2022-2023). La gestión de los eventos culturales temporales","authors":"Raquel Lara Ruiz","doi":"10.5209/aris.92056","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.92056","url":null,"abstract":"La década de 1990 produjo un mayor enfoque en el arte social y comunitario, lo que llevó a un desarrollo teórico en este campo. En la actualidad, el arte social ha encontrado su lugar dentro del sector artístico contemporáneo español, a través de convocatorias y programaciones de las instituciones. En el presente artículo ofrecemos un estudio actualizado de las convocatorias y programaciones más destacables que promueven el arte participativo en España, con el objetivo de conocer de manera precisa sus orígenes, modelos de gestión y el impacto social que generan. Mediante una metodología cualitativa basada en entrevistas personales con sus gestores o comisarios, indagaremos en los desafíos, oportunidades y perspectivas que enfrentaron estos actores clave en la producción y organización de eventos artísticos participativos. El análisis de los datos obtenidos permitirá una comprensión más profunda de la dinámica del arte participativo en el país, y contribuirá al enriquecimiento del campo de los estudios culturales y la gestión de eventos artísticos.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"8 30","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-11-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139214127","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artículo presenta una investigación exploratoria que analizó la concepción de profesor que se desprende de las carreras de Pedagogía en Artes Visuales de Chile. Con ese fin, se revisó y comparó la formación disciplinar y pedagógica que imparten las seis carreras de régimen regular del área, que pertenecen al sistema de educación superior chileno. Asimismo, se exploró la relación existente entre propuesta curricular y perfiles de egreso. A nivel metodológico, se creó una matriz analítica general que permitió codificar, analizar y comparar los planes de estudio y los discursos institucionales. Los principales hallazgos apuntan a que la mayoría de las carreras otorgan más peso al área disciplinar práctica, en contraposición con las áreas histórica y teórica. Además, se evidencia un menor énfasis en la didáctica de la especialidad. Estos aspectos son cruciales ya que se observa que la concepción de docente de Artes Visuales que subyace en estas carreras, refiere a un profesional dedicado al hacer artístico, característica de un modelo educativo inaugurado en el siglo XIX, propio de una visión colonial, que se orienta a la formación de un artista-profesor y, que posteriormente, replica la centralidad del hacer procedimental en los contextos escolares.
{"title":"Revisando el modelo artista-profesor en la formación docente de artes visuales: Una mirada a la articulación entre saberes disciplinares y pedagógicos en carreras de régimen regular en Chile","authors":"Alejandra Orbeta-Green, Marcela Doren-Tello","doi":"10.5209/aris.91316","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91316","url":null,"abstract":"Este artículo presenta una investigación exploratoria que analizó la concepción de profesor que se desprende de las carreras de Pedagogía en Artes Visuales de Chile. Con ese fin, se revisó y comparó la formación disciplinar y pedagógica que imparten las seis carreras de régimen regular del área, que pertenecen al sistema de educación superior chileno. Asimismo, se exploró la relación existente entre propuesta curricular y perfiles de egreso. A nivel metodológico, se creó una matriz analítica general que permitió codificar, analizar y comparar los planes de estudio y los discursos institucionales. Los principales hallazgos apuntan a que la mayoría de las carreras otorgan más peso al área disciplinar práctica, en contraposición con las áreas histórica y teórica. Además, se evidencia un menor énfasis en la didáctica de la especialidad. Estos aspectos son cruciales ya que se observa que la concepción de docente de Artes Visuales que subyace en estas carreras, refiere a un profesional dedicado al hacer artístico, característica de un modelo educativo inaugurado en el siglo XIX, propio de una visión colonial, que se orienta a la formación de un artista-profesor y, que posteriormente, replica la centralidad del hacer procedimental en los contextos escolares.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"13 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-11-27","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139233554","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
La interpasividad es la estructura inversa de la interactividad y ha sido analizada como comportamiento cultural por los filósofos Robert Pfaller y Slavoj Zizek. La interpasividad es pasividad delegada, se es pasivo por medio del otro mientras se hace algo de forma activa, lo que permite esquivar la identificación y la subjetivación. ¿Podríamos hablar de arte interpasivo? ¿Qué vínculos establecería con el arte interactivo? ¿Cuáles serían sus características y condiciones? Se plantea una traslación del concepto de interpasividad desde el campo de la filosofía hacia el espacio de la recepción del arte, aporte original de esta investigación. Se ha empleado una metodología basada en la literatura comparada, aplicando la exégesis (interactividad-interpasividad) y la eiségesis (arte interpasivo) como métodos. Se concluye que todo arte es interactivo y que la interactividad como falsa actividad en la obra de arte ejerce como acto ritual sustitutivo para el espectador. La paradoja fundamental reside en que la interactividad, al diluir la distancia y el disenso en la recepción del arte, se convierte en un medio interpasivo que dificulta los procesos de subjetivación propios de la experiencia estética. La interactividad permite un arte interpasivo. Lo que hoy se denomina arte interactivo es verdaderamente un arte interpasivo.
{"title":"Arte interpasivo. La interactividad como medio interpasivo en la recepción del arte","authors":"José Manuel Ruiz Martín","doi":"10.5209/aris.91073","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.91073","url":null,"abstract":"La interpasividad es la estructura inversa de la interactividad y ha sido analizada como comportamiento cultural por los filósofos Robert Pfaller y Slavoj Zizek. La interpasividad es pasividad delegada, se es pasivo por medio del otro mientras se hace algo de forma activa, lo que permite esquivar la identificación y la subjetivación. ¿Podríamos hablar de arte interpasivo? ¿Qué vínculos establecería con el arte interactivo? ¿Cuáles serían sus características y condiciones? Se plantea una traslación del concepto de interpasividad desde el campo de la filosofía hacia el espacio de la recepción del arte, aporte original de esta investigación. Se ha empleado una metodología basada en la literatura comparada, aplicando la exégesis (interactividad-interpasividad) y la eiségesis (arte interpasivo) como métodos. Se concluye que todo arte es interactivo y que la interactividad como falsa actividad en la obra de arte ejerce como acto ritual sustitutivo para el espectador. La paradoja fundamental reside en que la interactividad, al diluir la distancia y el disenso en la recepción del arte, se convierte en un medio interpasivo que dificulta los procesos de subjetivación propios de la experiencia estética. La interactividad permite un arte interpasivo. Lo que hoy se denomina arte interactivo es verdaderamente un arte interpasivo.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"3 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-11-27","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139231840","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Jorge Egea, Gloria Fernández Somoza, Leonardo Pereira-Vivas, J. Dalmau
Tradicionalmente la máquina estroboscópica, conocida como “zoótropo”, ha sido estudiada como una herramienta primigenia para la creación óptica del movimiento en la imagen animada. Sin embargo, este artículo aborda el zoótropo desde la perspectiva del pensamiento artístico de la imagen en movimiento, por tanto, como “máquina” para la creación artística. En el texto se interrelaciona tres aspectos aparentemente dispares (correspondientes a disciplinas como la historia del arte, la teoría del arte y diseño digital). Estos aspectos son: la búsqueda cinemática de la imagen en términos de arte y la generación del movimiento, origen de la animación, en cuya historia se inserta este instrumento como punto conceptual de partida; el análisis de diversos artistas que trabajan actualmente a partir de los resultados cinéticos del zoótropo para desarrollar un discurso conceptual desde la contemporaneidad, dando un nuevo vigor a este instrumento que sirven como marco fenomenológico para la investigación; y el modelo de diseño digital del zoótropo como fase inicial de investigación teórico-práctica de este equipo, que busca relacionar aspectos entro lo analógico y lo digital como base de la creación artística contemporánea.
{"title":"Zoótropo: vigencia de una máquina para pensar a través del movimiento","authors":"Jorge Egea, Gloria Fernández Somoza, Leonardo Pereira-Vivas, J. Dalmau","doi":"10.5209/aris.85397","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.85397","url":null,"abstract":"Tradicionalmente la máquina estroboscópica, conocida como “zoótropo”, ha sido estudiada como una herramienta primigenia para la creación óptica del movimiento en la imagen animada. Sin embargo, este artículo aborda el zoótropo desde la perspectiva del pensamiento artístico de la imagen en movimiento, por tanto, como “máquina” para la creación artística. En el texto se interrelaciona tres aspectos aparentemente dispares (correspondientes a disciplinas como la historia del arte, la teoría del arte y diseño digital). Estos aspectos son: la búsqueda cinemática de la imagen en términos de arte y la generación del movimiento, origen de la animación, en cuya historia se inserta este instrumento como punto conceptual de partida; el análisis de diversos artistas que trabajan actualmente a partir de los resultados cinéticos del zoótropo para desarrollar un discurso conceptual desde la contemporaneidad, dando un nuevo vigor a este instrumento que sirven como marco fenomenológico para la investigación; y el modelo de diseño digital del zoótropo como fase inicial de investigación teórico-práctica de este equipo, que busca relacionar aspectos entro lo analógico y lo digital como base de la creación artística contemporánea.","PeriodicalId":505558,"journal":{"name":"Arte, Individuo y Sociedad","volume":"7 3","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2023-11-20","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"139256784","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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京ICP备2023020795号-1
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