Abstract:This article seeks to place the Féminin/Féminin web series (Chloé Robichaud, 2014 and 2018) within the Quebec media ecosystem and to think, through this case study, of the potential of the web as a platform for the dissemination of queer serial fiction written, directed, and produced by women in Quebec. This study examines more specifically the formal and discursive implications in Robichaud’s work between a first season that was produced for the independent community website Lez Spread the Word (LSTW) and a second season that was broadcast on the largest digital broadcasting platform in Quebec – Tou.tv. The visibility of a multiplicity of queer subjectivities certainly made history in Quebec television. However, by paying particular attention to the production budgets of seasons 1 and 2 as well as to their distribution space and by carrying out a comparative analysis of the narrative structures and images of lesbian characters in seasons 1 and 2 through the lens of the Queer Art of Failure (Halberstam), this article gives a better understanding of the programming of this series as “prized content” (Lotz) for season 1 and as “lesbian multicasting” (Himberg) for season 2. The study of this first queer Quebec television fiction makes an inventory of the post-network era in Quebec possible. This era, through its explosion of audiences, would promise more diverse and inclusive television for marginalized identities.Résumé:Cet article vise à situer la série web Féminin/Féminin (Chloé Robichaud, 2014 et 2018) dans l’écosystème médiatique québécois et de penser, par ce cas d’étude, les conceptions et potentiels du web comme plateforme de diffusion de fictions sérielles queers, écrites, réalisées et produites par des femmes au Québec. Cette étude examine plus précisément les implications formelles et discursives adoptées par Robichaud entre une première saison produite pour le site indépendant communautaire Lez Spread the Word (LSTW) et une deuxième saison diffusée sur la plus grande plate-forme de diffusion numérique au Québec, Tou.tv. La mise en visibilité d’une multiplicité de subjectivités queer fait certes époque dans l’histoire des récits télévisuels au Québec. Or, en portant une attention particulière au financement des productions de la saison 1 et de la saison 2 ainsi qu’à leur espace de diffusion et en effectuant une analyse comparative des structures narratives télévisuelles et des mises en images de personnages lesbiens de la saison 1 et de la saison 2 de Féminin/Féminin mise au contact de la pensée du Queer Art of Failure (Halberstam), cet article permet une meilleure compréhension de la programmation de cette série comme prized content (Lotz) pour la saison 1 sur LSTW et comme lesbian multicasting (Himberg) pour la saison 2 diffusée sur Tou.tv. L’étude de cette première fiction télévisuelle queer québécoise rend possible un état des lieux de la post-network era au Québec qui par son éclatement des publics promettrait une télévision
摘要:本文试图将fcv / fcv网络系列(chloe Robichaud, 2014年和2018年)置于魁北克媒体生态系统中，并通过这个案例研究，思考网络作为魁北克女性撰写、导演和制作的酷儿系列小说传播平台的潜力。本研究更具体地考察了Robichaud作品的形式和话语含义，第一季为独立社区网站Lez Spread the Word (LSTW)制作，第二季在魁北克最大的数字广播平台Tou.tv上播出。酷儿的多重主体性的可见性无疑创造了魁北克电视的历史。然而，本文通过特别关注第一、二季的制作预算和发行空间，并通过《失败的酷儿艺术》(Halberstam)的视角对第一、二季中女同性恋角色的叙事结构和形象进行对比分析，从而更好地理解该剧作为第一季的“珍重内容”(Lotz)和作为第二季的“女同性恋广播”(Himberg)的节目编排。对这第一部魁北克酷儿电视小说的研究使魁北克后网络时代的盘点成为可能。这个时代，随着观众的爆炸式增长，将为边缘身份提供更加多样化和包容性的电视节目。3 . rsm:这篇文章(chloe Robichaud, 2014年和2018年)描述了ssm的概念和潜力，描述了ssm、csm、csm、csm的概念和潜力，描述了ssm、csm、csm和csm的概念和潜力。这个练习曲formelles et discursives来人检查+ precisement les影响par Robichaud之间一个首映季节produite pour le网站独立施行Lez传播这个词(LSTW)和第二个季节diffusee苏尔la + grande plate-forme de扩散numerique盟魁北克Tou.tv。主观的、客观的、客观的、客观的、客观的、客观的、客观的、客观的、客观的、客观的、客观的、客观的、客观的。或者，重要的是要注意，特别是在经济上，在生产上，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中，在生活中。这篇文章允许1个meilleure comcomsimonsion de la programmde cette ssamrie comcompreciationcontent (Lotz) pour la saison 1 sur LSTW et comcomlesbian multicasting (Himberg) pour la saison 2 diffussame sur Tou.tv。在网络后的时代，有一种可能的情况是，有一种可能的情况是，有一种可能的情况是，有一种可能的情况是，有一种可能的情况是，有一种可能的情况是，有一种可能的情况是，有一种可能的情况是，有一种可能的情况是，有一种情况是，有一种情况是，有一种情况是，有一种情况是，有一种情况是，有一种情况是，有一种情况是，有一种情况是，有一种情况是，有一种情况是，
{"title":"Entre Prized Content et Lesbian Multicasting : étude comparative entre la saison 1 et la saison 2 de la série web québécoise Féminin/Féminin","authors":"Julie Ravary-Pilon","doi":"10.3138/cjfs-2019-0031","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs-2019-0031","url":null,"abstract":"Abstract:This article seeks to place the Féminin/Féminin web series (Chloé Robichaud, 2014 and 2018) within the Quebec media ecosystem and to think, through this case study, of the potential of the web as a platform for the dissemination of queer serial fiction written, directed, and produced by women in Quebec. This study examines more specifically the formal and discursive implications in Robichaud’s work between a first season that was produced for the independent community website Lez Spread the Word (LSTW) and a second season that was broadcast on the largest digital broadcasting platform in Quebec – Tou.tv. The visibility of a multiplicity of queer subjectivities certainly made history in Quebec television. However, by paying particular attention to the production budgets of seasons 1 and 2 as well as to their distribution space and by carrying out a comparative analysis of the narrative structures and images of lesbian characters in seasons 1 and 2 through the lens of the Queer Art of Failure (Halberstam), this article gives a better understanding of the programming of this series as “prized content” (Lotz) for season 1 and as “lesbian multicasting” (Himberg) for season 2. The study of this first queer Quebec television fiction makes an inventory of the post-network era in Quebec possible. This era, through its explosion of audiences, would promise more diverse and inclusive television for marginalized identities.Résumé:Cet article vise à situer la série web Féminin/Féminin (Chloé Robichaud, 2014 et 2018) dans l’écosystème médiatique québécois et de penser, par ce cas d’étude, les conceptions et potentiels du web comme plateforme de diffusion de fictions sérielles queers, écrites, réalisées et produites par des femmes au Québec. Cette étude examine plus précisément les implications formelles et discursives adoptées par Robichaud entre une première saison produite pour le site indépendant communautaire Lez Spread the Word (LSTW) et une deuxième saison diffusée sur la plus grande plate-forme de diffusion numérique au Québec, Tou.tv. La mise en visibilité d’une multiplicité de subjectivités queer fait certes époque dans l’histoire des récits télévisuels au Québec. Or, en portant une attention particulière au financement des productions de la saison 1 et de la saison 2 ainsi qu’à leur espace de diffusion et en effectuant une analyse comparative des structures narratives télévisuelles et des mises en images de personnages lesbiens de la saison 1 et de la saison 2 de Féminin/Féminin mise au contact de la pensée du Queer Art of Failure (Halberstam), cet article permet une meilleure compréhension de la programmation de cette série comme prized content (Lotz) pour la saison 1 sur LSTW et comme lesbian multicasting (Himberg) pour la saison 2 diffusée sur Tou.tv. L’étude de cette première fiction télévisuelle queer québécoise rend possible un état des lieux de la post-network era au Québec qui par son éclatement des publics promettrait une télévision","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"12 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-12-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"133444555","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
{"title":"Introduction: Reflections on the World Cinema Turn","authors":"David Richler","doi":"10.3138/cjfs-2020-0003","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs-2020-0003","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"58 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-12-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"126388944","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Abstract:This article examines how “colonial time” is called into question in two short films of the National Film Board of Canada’s series Souvenir, from 2015. The question of time lies at the heart of this series, for which the NFB commissioned contemporary Indigenous filmmakers to take up their archives of visual material on Indigenous peoples. The colonial temporal framework is at work in the vast archives of ethnographic and documentary film and photography on Indigenous peoples dating back to the early twentieth century, in which Indigenous people are often represented as part of “vanishing” cultures. Thus, in this article, I underscore the temporal interruptions that occur when ethnographic visual material of Indigenous peoples is put into the hands of contemporary Indigenous artists. I focus first on what it means to repurpose dehumanizing colonial archives and ask whether visual sovereignty is in fact possible within the archives. By analyzing the reappropriation of archival footage in the short films Mobilize by Caroline Monnet and Etlinisigu’niet (Bleed Down) by Jeff Barnaby, I elucidate how the filmmakers break with modes of colonial time through what I propose to call “reframings” that offer alternative ways of conceiving of time. By rehabilitating ethnographic images, these film-makers refuse to project the material into the distant past and complicate the readability of Indigenous images in the archives, revealing how the reappropriation of old images can be just as powerful as the production of new ones.Résumé:Cet article examine la façon dont le « temps colonial » est mis en question dans deux courts métrages de la série Souvenir de l’Office national du film du Canada (ONF), paru en 2015. La question du temps est au cœur de la série, pour laquelle l’ONF a mandaté des artistes autochtones contemporains de revisiter le matériel visuel sur les peuples autochtones dans leurs archives. Le cadre temporel colonial est à l’œuvre dans les vastes archives de cinéma et de photographies ethnographiques et documentaires sur les peuples autochtones développées depuis le début du vingtième siècle, où les Autoch-tones sont souvent représentés comme faisant partie de cultures en voie de disparition. Dans cet article, je souligne les interruptions temporelles qui se produisent lorsque le matériel de films ethnographiques sur les peuples autochtones revient dans les mains de l’artiste autochtone d’aujourd’hui. Je m’attarde d’abord à la signifiance de la réappropriation des archives coloniales déshumanisantes et j’interroge la possibilité de la souveraineté visuelle dans les archives. En analysant la réappropriation des films des archives dans les courts métrages Mobiliser de Caroline Monnet et Etlinisigu’niet (Vidés de leur sang) de Jeff Barnaby, j’élucide comment les cinéastes font se disloquer le temps colonial à travers ce que je propose d’appeler des « recadrements » qui offrent des façons alternatives de concevoir le temps. Dans leur réhabilit
摘要:本文考察了2015年加拿大国家电影局系列电影《纪念品》中的两部短片对“殖民时代”的质疑。时间问题是这个系列的核心，为此，NFB委托当代土著电影制作人收集他们关于土著人民的视觉材料档案。殖民时代的时间框架体现在20世纪初关于土著人民的大量民族志和纪录片电影和摄影档案中，在这些档案中，土著人民往往被视为“消失”文化的一部分。因此，在这篇文章中，我强调了当土著民族的人种学视觉材料被交到当代土著艺术家手中时所发生的时间中断。我首先关注的是重新利用非人性化的殖民档案意味着什么，并询问在档案中是否有可能实现视觉主权。通过分析卡洛琳·莫内(Caroline Monnet)的短片《动员》(mobilization)和杰夫·巴纳比(Jeff Barnaby)的短片《流血》(Etlinisigu’niet)中对档案镜头的重新利用，我阐明了电影制作人是如何通过我提出的“重构”(reamings)方式打破殖民时代的模式的，这种方式提供了另一种思考时间的方式。通过恢复民族志图像，这些电影制作人拒绝将材料投射到遥远的过去，并使档案中土著图像的可读性复杂化，揭示了旧图像的重新利用与新图像的生产一样强大。rsamuise:这篇文章检视了la farsion不允许“temps colonial”的情况，并提出了两个法庭msamuise de la ssamuise的问题，加拿大国家电影办公室(ONF)， 2015年9月。“关于时间的问题”是指艺术家们对自己的看法，“关于时间的问题”是指艺术家们对自己的看法，“关于时间的问题”是指人们对自己的看法。Le cadre temporel colonial est com ' œuvre dans les vastes archives de cinsamma et de摄影人种志和纪录片sur les people, autochtones danciveldancies danciet.com, où les autochtones sonsouvent reresamsametacomcomme faisant parties de cultures en voie de disparent。在这篇文章中，“我的灵魂，我的中断，我的时间，我的创作，我的电影，我的民族志，我的民族志，我的作品，我的艺术家，我的作品，我的作品，我的作品”。我对档案的意义、对人类档案的意义、对人类档案的意义以及对档案的可能性进行了调查。En analysant la盗des电影des档案在法院metrages动员de卡罗琳·莫内et Etlinisigu 'niet(参考为了唱)杰夫•巴纳比·德·j 'elucide评论les电影字体se disloquer le temps殖民特拉弗斯我能让他接一下电话提出d des«recadrements»,offrent des de concevoir le temps这样选择。从民族志的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看，从影视作品的角度看。
{"title":"Les archives à l’épreuve du temps : les recadrements temporels des courts métrages de la série Souvenir","authors":"Isabella Huberman","doi":"10.3138/cjfs.29.1.05","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.05","url":null,"abstract":"Abstract:This article examines how “colonial time” is called into question in two short films of the National Film Board of Canada’s series Souvenir, from 2015. The question of time lies at the heart of this series, for which the NFB commissioned contemporary Indigenous filmmakers to take up their archives of visual material on Indigenous peoples. The colonial temporal framework is at work in the vast archives of ethnographic and documentary film and photography on Indigenous peoples dating back to the early twentieth century, in which Indigenous people are often represented as part of “vanishing” cultures. Thus, in this article, I underscore the temporal interruptions that occur when ethnographic visual material of Indigenous peoples is put into the hands of contemporary Indigenous artists. I focus first on what it means to repurpose dehumanizing colonial archives and ask whether visual sovereignty is in fact possible within the archives. By analyzing the reappropriation of archival footage in the short films Mobilize by Caroline Monnet and Etlinisigu’niet (Bleed Down) by Jeff Barnaby, I elucidate how the filmmakers break with modes of colonial time through what I propose to call “reframings” that offer alternative ways of conceiving of time. By rehabilitating ethnographic images, these film-makers refuse to project the material into the distant past and complicate the readability of Indigenous images in the archives, revealing how the reappropriation of old images can be just as powerful as the production of new ones.Résumé:Cet article examine la façon dont le « temps colonial » est mis en question dans deux courts métrages de la série Souvenir de l’Office national du film du Canada (ONF), paru en 2015. La question du temps est au cœur de la série, pour laquelle l’ONF a mandaté des artistes autochtones contemporains de revisiter le matériel visuel sur les peuples autochtones dans leurs archives. Le cadre temporel colonial est à l’œuvre dans les vastes archives de cinéma et de photographies ethnographiques et documentaires sur les peuples autochtones développées depuis le début du vingtième siècle, où les Autoch-tones sont souvent représentés comme faisant partie de cultures en voie de disparition. Dans cet article, je souligne les interruptions temporelles qui se produisent lorsque le matériel de films ethnographiques sur les peuples autochtones revient dans les mains de l’artiste autochtone d’aujourd’hui. Je m’attarde d’abord à la signifiance de la réappropriation des archives coloniales déshumanisantes et j’interroge la possibilité de la souveraineté visuelle dans les archives. En analysant la réappropriation des films des archives dans les courts métrages Mobiliser de Caroline Monnet et Etlinisigu’niet (Vidés de leur sang) de Jeff Barnaby, j’élucide comment les cinéastes font se disloquer le temps colonial à travers ce que je propose d’appeler des « recadrements » qui offrent des façons alternatives de concevoir le temps. Dans leur réhabilit","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"81 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"122890605","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Abstract:C’est un mouvement mondial […] Le cinéma autochtone, contrairement à d’autres cinémas nationaux – à supposer que nous voulions le catégoriser de la sorte –, ne se restreint pas aux frontières communément admises. En fait, il s’est développé de manière plutôt organique, en simultané, dans le monde entier et, dans l’ensemble, les artistes ont des préoccupations très similaires et font des choses qui se rejoignent énormément. Des évènements comme les festivals de cinéma qui ont permis aux artistes de se réunir et de voir les réalisations des uns et des autres ont alimenté ce cycle. On est donc en présence d’un véritable mouvement mondial de cinéma autochtone qui remonte aux années 70, mais englobe maintenant la nouvelle vague qui se manifeste non seulement au Canada et aux États-Unis, mais partout dans le monde.
{"title":"Cinémas et médias autochtones dans les Amériques : récits, communautés et souverainetés","authors":"André Dudemaine, G. Marcoux, Isabelle St-Amand","doi":"10.3138/cjfs.29.1.01","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.01","url":null,"abstract":"Abstract:C’est un mouvement mondial […] Le cinéma autochtone, contrairement à d’autres cinémas nationaux – à supposer que nous voulions le catégoriser de la sorte –, ne se restreint pas aux frontières communément admises. En fait, il s’est développé de manière plutôt organique, en simultané, dans le monde entier et, dans l’ensemble, les artistes ont des préoccupations très similaires et font des choses qui se rejoignent énormément. Des évènements comme les festivals de cinéma qui ont permis aux artistes de se réunir et de voir les réalisations des uns et des autres ont alimenté ce cycle. On est donc en présence d’un véritable mouvement mondial de cinéma autochtone qui remonte aux années 70, mais englobe maintenant la nouvelle vague qui se manifeste non seulement au Canada et aux États-Unis, mais partout dans le monde.","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"7 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"126397416","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Résumé:Haerenga Wairua / Spiritual Journeys explore le cinéma maori en tant que 4e cinéma, dans son articulation de la spiritualité maorie comme un ensemble de croyances et de pratiques vivantes et d’une grande pertinence pour ce XXIe siècle. Après une brève description des termes et croyances clés, l’auteure analyse deux longs-métrages de fiction récents, The Strength of Water (Armagan Ballantyne, scr Briar Grace-Smith, NZ & Allemagne 2009) et The Pā Boys (Himiona Grace, NZ, 2014) comme emblématiques des pratiques cinématographiques autochtones, en ce qu’ils mettent fortement en avant différents niveaux et expériences de transformation spirituelle, via divers voyages au propre comme au figuré : voyages réels, voyages psychologiques ET expériences après la mort, donc voyages spirituels. Positionnant ces films dans le contexte des traditions spirituelles de narration littéraire et cinématographique, l’auteure explore les diverses techniques filmiques et cinématographiques mises en œuvre pour rendre l’expérience spirituelle, via le son et l’image, en mettant en évidence les liens avec la Terre, l’Eau et l’environnement naturel en tant qu’éléments spirituels et souvent surnaturels. Alors que ces derniers sont généralement interprétés par les critiques et chercheurs allochtones comme étant de l’ordre du fantastique, dans le discours établi du réalisme magique, l’auteure avance plutôt que les représentations autochtones ne peuvent être ni expliquées ni contenues de manière adéquate par ce terme, et propose à sa place celui de « réalisme spirituel autochtone ». L’auteure conclut en soulignant la pertinence de voix autochtones comme celles-là, qui expriment une spiritualité enracinée dans l’interdépendance de tous êtres et de toutes choses : force de guérison dans notre planète meurtrie.Abstract:This article examines how Māori cinema, as Indigenous Fourth Cinema, articulates Māori spirituality as a living, evolving set of beliefs and practices of particular relevance to the twenty-first century. After briefly describing key Māori spiritual terms and beliefs, I focus discussion on two recent first features, The Strength of Water (Armagan Ballantyne, 2009) and The Pā Boys (Himiona Grace, 2014). I read these films as emblematic of Indigenous film practice in strongly foregrounding different levels and experiences of spiritual transformation: via both literal travel and/or metaphorical, psychological journeys and after-death experiences or spirit journeys. I explore how both films engage with our spiritual storytelling and filmmaking traditions, and analyze ways in which spiritual experience is rendered cinematically, via sound and image, particularly by foregrounding links to land, water, and the natural environment as spiritual and often supernatural elements. While the latter are generally interpreted by non-Indigenous analysts as fantastical, within the established discourse of magic realism, I suggest rather that Indigenous representations cannot be ad
摘要:Haerenga Wairua / Spiritual Journeys探索了毛利电影作为第四部电影，它阐明了毛利精神作为一套信仰和生活实践，与21世纪非常相关。简述关键词语和信仰后,作者分析了最近的两个虚构故事片,Water的力量》(Armagan Ballantyne、scr Briar Grace-Smith NZ & The PāBoys》(2009)和德国Himiona Grace NZ) 2014年,土著电影标志性的做法一样,在它们向前大大不同层次的加工和实验精神,通过各种给自己的旅行比喻上:真正的旅行，心理旅行和死后的经历，因此是精神旅行。定位这些电影的精神传统语境中,作者探讨了各种文学和电影叙事技巧filmiques电影和实施,使精神体验,通过声音和图像,同时突出水和自然环境与地球的联系,常常作为精神领袖和超自然力量。…而后者通常由外来批评家和学者作为议程项目编写的精彩演讲中,魔幻现实主义的作家,而不是领先的演出既不能解释土著充分包含这个词的位置,并提出了现实的«»土著精神。作者最后强调了像这样的土著声音的相关性，它们表达了一种根植于所有生物和所有事物相互依存的灵性:我们这个饱受折磨的星球的治愈力量。文摘:查了how This篇Māori cinema,有没有印第安Fourth cinema articulates Māori灵修派as a living、演变set of》的第三and practices of二十一世纪的具有特别之相关性。马上briefly key Māori精神术语和他的第三、第一焦点讨论on first features, The two recent高抗of Water (Armagan Ballantyne, 2009) and The PāBoys (Himiona Grace, 2014)。我把这些电影看作是土著电影实践的象征，在精神转变的不同层次和体验的强烈前传:通过字面旅行和/或隐喻，心理旅行和死后体验或精神旅行。I how elod both . with our电影探索精神讲故事与filmmaking传统,and analyze ways in which is精神体验件cinematically,经由sound and形象,尤其高昂by foregrounding links to land water, and the natural environment as精神与母亲上界的元素。虽然非土著分析家一般把后一种说法解释为幻想，但在魔法现实主义的既定论述中，我建议土著代表不能充分解释或包含在这一术语中，并提出土著精神现实主义。我的结论是，土著声音的相关性日益增强，就像这些声音说的，土著精神根植于所有存在和所有事物的相互联系中，作为我们这个饱受折磨、支离破碎、数字化、全球化的星球上的一种治愈力量。
{"title":"Haerenga Wairua: Spirit(ual) Journeys in Twenty-First-Century Māori Cinema","authors":"Deborah Walker-Morrison","doi":"10.3138/cjfs.29.1.07","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.07","url":null,"abstract":"Résumé:Haerenga Wairua / Spiritual Journeys explore le cinéma maori en tant que 4e cinéma, dans son articulation de la spiritualité maorie comme un ensemble de croyances et de pratiques vivantes et d’une grande pertinence pour ce XXIe siècle. Après une brève description des termes et croyances clés, l’auteure analyse deux longs-métrages de fiction récents, The Strength of Water (Armagan Ballantyne, scr Briar Grace-Smith, NZ & Allemagne 2009) et The Pā Boys (Himiona Grace, NZ, 2014) comme emblématiques des pratiques cinématographiques autochtones, en ce qu’ils mettent fortement en avant différents niveaux et expériences de transformation spirituelle, via divers voyages au propre comme au figuré : voyages réels, voyages psychologiques ET expériences après la mort, donc voyages spirituels. Positionnant ces films dans le contexte des traditions spirituelles de narration littéraire et cinématographique, l’auteure explore les diverses techniques filmiques et cinématographiques mises en œuvre pour rendre l’expérience spirituelle, via le son et l’image, en mettant en évidence les liens avec la Terre, l’Eau et l’environnement naturel en tant qu’éléments spirituels et souvent surnaturels. Alors que ces derniers sont généralement interprétés par les critiques et chercheurs allochtones comme étant de l’ordre du fantastique, dans le discours établi du réalisme magique, l’auteure avance plutôt que les représentations autochtones ne peuvent être ni expliquées ni contenues de manière adéquate par ce terme, et propose à sa place celui de « réalisme spirituel autochtone ». L’auteure conclut en soulignant la pertinence de voix autochtones comme celles-là, qui expriment une spiritualité enracinée dans l’interdépendance de tous êtres et de toutes choses : force de guérison dans notre planète meurtrie.Abstract:This article examines how Māori cinema, as Indigenous Fourth Cinema, articulates Māori spirituality as a living, evolving set of beliefs and practices of particular relevance to the twenty-first century. After briefly describing key Māori spiritual terms and beliefs, I focus discussion on two recent first features, The Strength of Water (Armagan Ballantyne, 2009) and The Pā Boys (Himiona Grace, 2014). I read these films as emblematic of Indigenous film practice in strongly foregrounding different levels and experiences of spiritual transformation: via both literal travel and/or metaphorical, psychological journeys and after-death experiences or spirit journeys. I explore how both films engage with our spiritual storytelling and filmmaking traditions, and analyze ways in which spiritual experience is rendered cinematically, via sound and image, particularly by foregrounding links to land, water, and the natural environment as spiritual and often supernatural elements. While the latter are generally interpreted by non-Indigenous analysts as fantastical, within the established discourse of magic realism, I suggest rather that Indigenous representations cannot be ad","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"1 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"124932931","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Abstract:In this interview, multidisciplinary artist Caroline Monnet discusses how acts of critical self-representation open up new spaces for territorial, linguistic, and identity negotiations and affirmations for Indigenous creators. In this sense, Monnet expresses her desire to put forward exuberant, strong, and diverse representations of Indigenous women in order to counter pervasive rhetorical dynamics of victimhood conveyed by mass media and cinema. As she presents some of the visual and discursive techniques she develops through her films, installations, and photographic works, Monnet reflects on the constructive dialogues – as well as the moments of incommunicability – that emerge and fade within various spaces and contexts of creation and reception. She considers that her individual and collective creative projects fall within a pivotal period of self-determination for Indigenous artists; she thus provides a critical overview of current discourses of (re)concililation.Résumé:L’artiste multidisciplinaire Caroline Monnet propose, à travers cet entretien, une réflexion nuancée quant aux possibilités et au pouvoir de l’autoreprésentation en tant qu’artiste autochtone navigant divers espaces identitaires, langagiers et territoriaux. Monnet se penche plus spécifiquement sur la représentation des femmes autochtones, dont elle souhaite mettre de l’avant l’exubérance, la force et la diversité afin de contrer les dynamiques de victimisation omniprésentes notamment dans le cinéma et les médias de masse. Tout en présentant certaines techniques visuelles et rhétoriques qu’elle développe à travers ses films, ses installations et ses œuvres photographiques, Monnet réfléchit les dynamiques de communication, de même que les incommunicabilités, qui se développent et s’estompent dans différents espaces de réception. En situant sa production, tant individuelle que collective, dans une période charnière d’affirmation de soi de la part des créateurs autochtones, Monnet dresse un vif portrait critique des discours actuels de (ré) conciliation.
摘要:在这次访谈中，多学科艺术家卡洛琳·莫内讨论了批判性自我表现的行为如何为土著创作者的领土、语言和身份谈判和肯定开辟了新的空间。从这个意义上说，莫内表达了她对土著妇女的热情，强烈和多样化的表现，以对抗大众媒体和电影所传达的普遍的受害者修辞动态。当她通过电影、装置和摄影作品展示了一些视觉和话语技巧时，莫奈反思了建设性的对话——以及不可沟通的时刻——在不同的空间和创作和接受的背景下出现和消失。她认为，她的个人和集体创作项目处于土著艺术家自决的关键时期;因此，她提供了当前(再)和解话语的批判性概述。多学科的艺术家卡洛琳·莫奈提出，“跨界者有跨界者”、“跨界者有跨界者”、“跨界者有跨界者”、“跨界者有跨界者”、“跨界者有跨界者”、“跨界者有跨界者”、“跨界者有跨界者”。Monnet se penche + spsm - ciciement sur la repracementement des femmes autochtones, don ' elle souhaite meter de l 'avant l ' exususamance, la force et la多样性in contrcontres dynamques de victimisation, omnipracementes notamement, le cinsamma and les msamdias de mass。将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为影像技术，将某些技术转化为装置技术，将某些技术转化为摄影技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术，将某些技术转化为视觉技术。在当下的生产中，个人与集体是不一样的，当一个人的个人与集体是不一样的，当一个人的个人与集体是不一样的，Monnet dress unviviportrait critique des discourse actuels de (r) conciliation。
{"title":"Dans toute son exubérance : Affirmation de soi et autoreprésentation chez Caroline Monnet","authors":"G. Marcoux","doi":"10.3138/cjfs.29.1.06","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.06","url":null,"abstract":"Abstract:In this interview, multidisciplinary artist Caroline Monnet discusses how acts of critical self-representation open up new spaces for territorial, linguistic, and identity negotiations and affirmations for Indigenous creators. In this sense, Monnet expresses her desire to put forward exuberant, strong, and diverse representations of Indigenous women in order to counter pervasive rhetorical dynamics of victimhood conveyed by mass media and cinema. As she presents some of the visual and discursive techniques she develops through her films, installations, and photographic works, Monnet reflects on the constructive dialogues – as well as the moments of incommunicability – that emerge and fade within various spaces and contexts of creation and reception. She considers that her individual and collective creative projects fall within a pivotal period of self-determination for Indigenous artists; she thus provides a critical overview of current discourses of (re)concililation.Résumé:L’artiste multidisciplinaire Caroline Monnet propose, à travers cet entretien, une réflexion nuancée quant aux possibilités et au pouvoir de l’autoreprésentation en tant qu’artiste autochtone navigant divers espaces identitaires, langagiers et territoriaux. Monnet se penche plus spécifiquement sur la représentation des femmes autochtones, dont elle souhaite mettre de l’avant l’exubérance, la force et la diversité afin de contrer les dynamiques de victimisation omniprésentes notamment dans le cinéma et les médias de masse. Tout en présentant certaines techniques visuelles et rhétoriques qu’elle développe à travers ses films, ses installations et ses œuvres photographiques, Monnet réfléchit les dynamiques de communication, de même que les incommunicabilités, qui se développent et s’estompent dans différents espaces de réception. En situant sa production, tant individuelle que collective, dans une période charnière d’affirmation de soi de la part des créateurs autochtones, Monnet dresse un vif portrait critique des discours actuels de (ré) conciliation.","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"183 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"121937462","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Abstract:In the last decade or so, cinema has revealed itself to be an ideal medium for the transfer and/or remediation of the spoken word as well as stories coming from oral tradition and Indigenous culture. Indeed, cinema is a place of expression which favours cyclical creativity and contributes to the decolonization of stereotyped images propagated by external voices that do not understand the subtleties of languages (real and symbolic) that are anchored in indigenous peoples’ cultural memory. By exploring indigenous cinema as practised by women of diverse nations, this piece demonstrates how cinema can induce the compression and dilation of time, to bring to the audience the fluidity of a story that has been reconfigured according to a new time and carried by spoken words that have chosen to either emancipate themselves from the image or to materialize themselves in it. Furthermore, this article illustrates how a new generation of Indigenous women use cinema to retrace and/or rewrite their personal narrative with the help of autobiographical or collective stories that travel back in time to fill in the blanks left by a fragile memory and to express their will to make peace with a difficult colonial past. Finally, the writings of Lee Maracle (I Am Woman, 1988) and Natasha Kanapé Fontaine (Manifeste Assi, 2014) are being brought forth to show how films such as Suckerfish (Lisa Jackson, 2004) Bithos (Elle-Máijá Tailfeathers, 2015) and Four Faces of the Moon (Amanda Strong, 2016) contribute to the individual and community healing of Indigenous peoples of Canada, through an aesthetic of reconciliation. The exploration of these works, therefore allows us to shed light on and better understand the roles/internal mechanisms of visual autobiographies in the larger context of reconciliation with individual and collective stories/memories.Résumé:Depuis quelques décennies maintenant, le cinéma se révèle un médium idéal du transfert et/ou de la remédiation de la parole et des récits propres à la tradition orale et au savoir-être autochtones. En effet, le cinéma s’offre comme un espace d’expression propice à la créativité cyclique ainsi qu’à la décolonisation d’images stéréotypées, propagées à ce jour par des voix extérieures qui ignorent les subtilités du langage (réel et symbolique) ancré dans la mémoire des peuples autochtones. À travers une exploration du cinéma autochtone tel que pratiqué par des femmes issues de diverses nations, cet article démontre comment le cinéma peut provoquer la compression et la dilatation du temps afin d’offrir au public la fluidité d’une histoire reconstituée dans un temps nouveau et portée par une parole qui choisit de s’incarner dans l’image ou de s’émanciper de cette dernière. De même, nous illustrons comment une nouvelle génération de femmes cinéastes autochtones utilise le cinéma pour retracer et/ou ré-écrire leur histoire, à travers des récits autobiographiques ou communautaires qui remontent l’échelle du temps afin d
摘要:在过去的十多年里，电影已经显示出自己是口头语言以及来自口头传统和土著文化的故事的转移和/或修复的理想媒介。事实上，电影是一个表达的场所，它有利于周期性的创造力，并有助于消除那些不理解根植于土著人民文化记忆中的语言(真实的和象征性的)微妙之处的外部声音所传播的陈腐形象的非殖民化。通过探索不同国家的女性实践的本土电影，本作品展示了电影如何诱导时间的压缩和膨胀，为观众带来一个根据新时代重新配置的故事的流动性，并通过选择从图像中解放出来或在图像中实现自己的口头语言来承载。此外，这篇文章也说明新一代原住民女性如何利用电影，透过自传体或集体故事，追溯或改写她们的个人叙述，以填补脆弱记忆留下的空白，并表达她们与艰难的殖民历史和解的意愿。最后，李·马拉克(《我是女人》，1988年)和娜塔莎·卡纳普纳·方丹(《宣言》，2014年)的作品被提出，以展示诸如《Suckerfish》(丽莎·杰克逊，2004年)、《Bithos》(Elle-Máijá Tailfeathers, 2015年)和《月亮的四面》(阿曼达·斯特朗，2016年)等电影如何通过和解美学为加拿大土著人民的个人和社区康复做出贡献。因此，对这些作品的探索使我们能够在与个人和集体故事/记忆和解的更大背景下，更好地阐明和理解视觉自传的角色/内部机制。汇汇会:汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会，汇汇会是汇汇会。因此，我们可以看到，我们的cinimma s ' offre comme me me ' expression，我们可以看到，我们的cinimma s ' offre comme me me，我们可以看到，我们的cinimma ' offre comme me，我们可以看到，我们的cinimama ' offre comme，我们可以看到，我们的cinimama ' offre comme，我们可以看到，我们的cinimama ' offre comme，我们可以看到，我们的cinimama ' offre comme，我们可以看到。杜特拉弗斯一个探索电影autochtone电话,实际票面des妻子问题de多样化的国家,cet(中央东部东京)demontre条评论勒电影院可以provoquer la压缩等杜拉扩张临时工afin 'offrir盟公共la fluidite d一个新故事reconstituee在联合国临时工等矿物性质我们选择一个假释de 'incarner在l 'image ou de年代'emanciper de这个上次。在même中，著名的例子评论了新一代的运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，例如:运输运输系统，运输运输系统，例如:运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统，运输运输系统。《我是女人》，1988年;《宣言》，2014年;《消沉的女性》，2014年;《消沉的女性》，2014年;《消沉的女性》，2004年;《消沉的女性》，2015年;《月亮的四面》，2016年;《消沉的女性》，2014年;《消沉的女性》，2015年;《消沉的女性》，2016年;1 .“探索与发展”œuvres“准许与发展与发展”rôle“自我观察与发展与发展”加上“个人与社会与发展与发展”“个人与发展与发展与发展”“个人与发展与发展与发展”。
{"title":"Auto-histoires et représentations communautaires dans le cinéma des femmes autochtones","authors":"K. Bertrand","doi":"10.3138/cjfs.29.1.04","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.04","url":null,"abstract":"Abstract:In the last decade or so, cinema has revealed itself to be an ideal medium for the transfer and/or remediation of the spoken word as well as stories coming from oral tradition and Indigenous culture. Indeed, cinema is a place of expression which favours cyclical creativity and contributes to the decolonization of stereotyped images propagated by external voices that do not understand the subtleties of languages (real and symbolic) that are anchored in indigenous peoples’ cultural memory. By exploring indigenous cinema as practised by women of diverse nations, this piece demonstrates how cinema can induce the compression and dilation of time, to bring to the audience the fluidity of a story that has been reconfigured according to a new time and carried by spoken words that have chosen to either emancipate themselves from the image or to materialize themselves in it. Furthermore, this article illustrates how a new generation of Indigenous women use cinema to retrace and/or rewrite their personal narrative with the help of autobiographical or collective stories that travel back in time to fill in the blanks left by a fragile memory and to express their will to make peace with a difficult colonial past. Finally, the writings of Lee Maracle (I Am Woman, 1988) and Natasha Kanapé Fontaine (Manifeste Assi, 2014) are being brought forth to show how films such as Suckerfish (Lisa Jackson, 2004) Bithos (Elle-Máijá Tailfeathers, 2015) and Four Faces of the Moon (Amanda Strong, 2016) contribute to the individual and community healing of Indigenous peoples of Canada, through an aesthetic of reconciliation. The exploration of these works, therefore allows us to shed light on and better understand the roles/internal mechanisms of visual autobiographies in the larger context of reconciliation with individual and collective stories/memories.Résumé:Depuis quelques décennies maintenant, le cinéma se révèle un médium idéal du transfert et/ou de la remédiation de la parole et des récits propres à la tradition orale et au savoir-être autochtones. En effet, le cinéma s’offre comme un espace d’expression propice à la créativité cyclique ainsi qu’à la décolonisation d’images stéréotypées, propagées à ce jour par des voix extérieures qui ignorent les subtilités du langage (réel et symbolique) ancré dans la mémoire des peuples autochtones. À travers une exploration du cinéma autochtone tel que pratiqué par des femmes issues de diverses nations, cet article démontre comment le cinéma peut provoquer la compression et la dilatation du temps afin d’offrir au public la fluidité d’une histoire reconstituée dans un temps nouveau et portée par une parole qui choisit de s’incarner dans l’image ou de s’émanciper de cette dernière. De même, nous illustrons comment une nouvelle génération de femmes cinéastes autochtones utilise le cinéma pour retracer et/ou ré-écrire leur histoire, à travers des récits autobiographiques ou communautaires qui remontent l’échelle du temps afin d","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"28 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"126365972","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
André Dudemaine, Gabrielle Marcoux, Isabelle St-Amand
{"title":"Indigenous Cinema and Media in the Americas: Storytelling, Communities, and Sovereignties","authors":"André Dudemaine, Gabrielle Marcoux, Isabelle St-Amand","doi":"10.3138/cjfs.29.1.02","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.02","url":null,"abstract":"","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"51 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"124593517","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Résumé:À travers une description détaillée du processus complexe de production et de création de l’émission de télévision jeunesse Tóta tánon Ohkwá:ri — émission de marionnettes en langue Kanien’kéha —, la réalisatrice Marion Konwanénhon Delaronde se penche sur les nombreux impacts socioculturels positifs qui naissent de cette initiative locale : renormalisation de l’usage de la langue, revitalisation de certains récits, pratiques et épistémologies traditionnelles, réflexions collectives quant aux défis actuels que doivent relever les jeunes de la communauté de Kahnawà:ke, dialogues et rapprochements inter-générationnels, guérison de certains traumas vécus dans les pensionnats autochtones, etc. Œuvrant à partir du Centre linguistique et culturel Kanien’kehá:ka Onkwawén:na Raotitióhkwa (KORLCC), l'auteure effectue une analyse approfondie de sa relation dialogique et constructive avec ses collègues et les publics de tous âges lors de différentes étapes de la réalisation de l’émission. Elle dresse ainsi le portrait des besoins et des forces de sa communauté, tout en situant ses propres prises de conscience personnelles quant à sa relation avec sa culture et son domaine.Abstract:Through a thorough description of the complex production and creative process behind Tóta tánon Ohkwá:ri—a locally televised children’s puppet show in Kanien’kéha—the director Marion Konwanénhon Delaronde reflects upon the many positive sociocultural impacts that stem from this local initiative: a renormalization of the Kanien’kéha language, a revitalization of legends and of traditional practices and epistemologies, collective reflections regarding current challenges that face today’s youth in Kahnawà:ke, intergenerational dialogues and relationships, a healing of certain traumas caused by the residential school system, and so on. Based at the Kanien’kehá: ka Onkwawén:na Raotitióhkwa Language and Cultural Center (KORLCC), the author offers an in-depth analysis of her dialogical and constructive relationships with her colleagues and various members of the public of all ages throughout the stages of the production of the show; she thus provides an overview of her community’s actual needs and strengths, while reflecting on her personal awareness regarding her own relationship with her culture and her field of work.
摘要:通过详细描述青年电视节目ta tanon ohkwa:ri (kanien ' keha语木偶节目)复杂的制作和创作过程，导演Marion konwanenhon Delaronde探讨了这一当地倡议所产生的许多积极的社会文化影响:renormalisation语言使用,有些故事、传统习俗和épistémologies振兴、思考,至于目前挑战的集体面对的年轻社区Kahnawà:ke对账、对话和跨代,某些土著寄宿学校中所经历的创伤愈合等。作者在语言文化中心kanien ' keha:ka onkwawen:na raotitio hkwa (KORLCC)工作，在节目制作的不同阶段，深入分析了她与同事和各个年龄段的观众之间的对话和建设性关系。通过这种方式，她描绘了她的社区的需求和优势，同时定位了她自己的个人意识到她与她的文化和领域的关系。摘要:通过对tota tanon ohkwa:ri背后复杂的制作和创意过程的详细描述——kanien ' keha的当地电视儿童木偶秀——导演Marion konwanenhon Delaronde反映了这个地方倡议所产生的许多积极的社会文化影响:a圣母Kanien’kéha language, renormalization revitalization of传说and reflections of传统习俗、epistemologies集体- current challenges in that对面的青年Kahnawà:ke, intergenerational对白与人际关系一定是创伤治愈了景by the vantage领school system, and so on。根据kanien ' keha: ka onkwawen:na raotitiohkwa语言和文化中心(KORLCC)，作者对她在节目制作过程中与她的同事和各年龄段观众之间的对话和建设性关系进行了深入分析;她概述了她的社区目前的需求和优势，同时反映了她个人对她与她的文化和工作领域的关系的认识。
{"title":"Tóta Tánon Ohkwá:ri: A Community-Driven Production and the Renormalization of the Kanien’kéha Language","authors":"Marion Konwanénhon Delaronde","doi":"10.3138/cjfs.29.1.03","DOIUrl":"https://doi.org/10.3138/cjfs.29.1.03","url":null,"abstract":"Résumé:À travers une description détaillée du processus complexe de production et de création de l’émission de télévision jeunesse Tóta tánon Ohkwá:ri — émission de marionnettes en langue Kanien’kéha —, la réalisatrice Marion Konwanénhon Delaronde se penche sur les nombreux impacts socioculturels positifs qui naissent de cette initiative locale : renormalisation de l’usage de la langue, revitalisation de certains récits, pratiques et épistémologies traditionnelles, réflexions collectives quant aux défis actuels que doivent relever les jeunes de la communauté de Kahnawà:ke, dialogues et rapprochements inter-générationnels, guérison de certains traumas vécus dans les pensionnats autochtones, etc. Œuvrant à partir du Centre linguistique et culturel Kanien’kehá:ka Onkwawén:na Raotitióhkwa (KORLCC), l'auteure effectue une analyse approfondie de sa relation dialogique et constructive avec ses collègues et les publics de tous âges lors de différentes étapes de la réalisation de l’émission. Elle dresse ainsi le portrait des besoins et des forces de sa communauté, tout en situant ses propres prises de conscience personnelles quant à sa relation avec sa culture et son domaine.Abstract:Through a thorough description of the complex production and creative process behind Tóta tánon Ohkwá:ri—a locally televised children’s puppet show in Kanien’kéha—the director Marion Konwanénhon Delaronde reflects upon the many positive sociocultural impacts that stem from this local initiative: a renormalization of the Kanien’kéha language, a revitalization of legends and of traditional practices and epistemologies, collective reflections regarding current challenges that face today’s youth in Kahnawà:ke, intergenerational dialogues and relationships, a healing of certain traumas caused by the residential school system, and so on. Based at the Kanien’kehá: ka Onkwawén:na Raotitióhkwa Language and Cultural Center (KORLCC), the author offers an in-depth analysis of her dialogical and constructive relationships with her colleagues and various members of the public of all ages throughout the stages of the production of the show; she thus provides an overview of her community’s actual needs and strengths, while reflecting on her personal awareness regarding her own relationship with her culture and her field of work.","PeriodicalId":181025,"journal":{"name":"Canadian Journal of Film Studies / Revue canadienne d'études cinématographiques","volume":"9 1","pages":"0"},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2020-06-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"126034750","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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