El objetivo de este texto es abordar la influencia del paradigma sonoro en la emergencia del objeto en la obra de Tàpies, particularmente en Porta metàl.lica i violí (1956). La expresión paradigma sonoro hace referencia al paradigma de la resonancia cuyas raíces se encuentran en el tratamiento tímbrico de la música de Richard Wagner y se halla presente asimismo en los presupuestos de W. Kandinsky. Este paradigma va ligado a la preocupación por la materia tanto sonora como visual y su influencia se deja sentir durante una gran parte del s. XX. El nexo entre resonancia y materia se analiza en este texto teniendo en cuenta el contexto teórico que precede al surgimiento de esta obra. Para ello, nos centramos en el texto La encrucijada del arte de Arnau Puig y en el interés de Tàpies por la alquimia. Todo ello permite situar Porta metàl.lica i violí como un assemblage, en palabras del artista, que contiene este paradigma sonoro y permite entender la materia en resonancia con el artista y consigo misma.
在tapies的作品中，声音范式对物体出现的影响，特别是在Porta metal中。lica i violi(1956)。“声音范式”一词指的是共振范式，它起源于理查德·瓦格纳对音乐的音色处理，也出现在康定斯基的预算中。这种范式与对声音和视觉物质的关注有关，它的影响在20世纪的大部分时间里都能感受到。在这篇文章中，我们分析了共振和物质之间的联系，考虑到在这部作品出现之前的理论背景。在这篇文章中，我们分析了tapies对炼金术的兴趣，以及他对炼金术的兴趣。所有这些都允许Porta met a l的位置。用艺术家的话来说，lica i violi就像一个集合，包含了这种声音范式，并允许理解与艺术家和自身产生共鸣的物质。
{"title":"El paradigma sonoro y la emergencia del objeto. A propósito de Porta metal.lica i violí de Antoni Tàpies","authors":"Carmen Pardo-Salgado","doi":"10.5209/aris.83657","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.83657","url":null,"abstract":"El objetivo de este texto es abordar la influencia del paradigma sonoro en la emergencia del objeto en la obra de Tàpies, particularmente en Porta metàl.lica i violí (1956). La expresión paradigma sonoro hace referencia al paradigma de la resonancia cuyas raíces se encuentran en el tratamiento tímbrico de la música de Richard Wagner y se halla presente asimismo en los presupuestos de W. Kandinsky. Este paradigma va ligado a la preocupación por la materia tanto sonora como visual y su influencia se deja sentir durante una gran parte del s. XX. El nexo entre resonancia y materia se analiza en este texto teniendo en cuenta el contexto teórico que precede al surgimiento de esta obra. Para ello, nos centramos en el texto La encrucijada del arte de Arnau Puig y en el interés de Tàpies por la alquimia. Todo ello permite situar Porta metàl.lica i violí como un assemblage, en palabras del artista, que contiene este paradigma sonoro y permite entender la materia en resonancia con el artista y consigo misma.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-03-06","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"87880450","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En los procesos de modernización de los sistemas del arte argentino y uruguayo que se dieron en el cambio de siglo se pueden reconocer algunas dinámicas comunes y peculiares respecto del resto de América Latina. Es fructuoso, por lo tanto, estudiar el surgimiento de las instituciones estatales destinadas a la educación artística en Buenos Aires y Montevideo en una óptica regional, que incluye en los términos de análisis el diálogo cultural que permeó las fronteras políticas. A esta, es útil unir una perspectiva transnacional, que reflexiona sobre aspectos ligados a la circulación y a los contactos entre ideas, modelos y personas. Este enfoque habilita a reconocer la comunidad artística rioplatense de principio del siglo XX como interconectada. En el artículo se pone énfasis en la educación artística como esfera privilegiada para sostener esta hipótesis, apuntando a subrayar una singularidad que diferenció los dos países en el contexto latinoamericano. Específicamente, se ahonda en los procesos de creación y consolidación de dos instituciones, la Academia Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires y el Círculo Fomento de Bellas Artes en Montevideo, resaltando analogías y diferencias de sus propuestas educativas para poner manifiestas las posibilidades de promover proyectos modernos desde las periferias.
在20世纪初发生的阿根廷和乌拉圭艺术体系现代化进程中，我们可以认识到与拉丁美洲其他国家相比的一些共同和独特的动态。因此，从区域的角度研究布宜诺斯艾利斯和蒙得维的亚的国家艺术教育机构的出现是富有成果的，其中包括渗透到政治边界的文化对话。除此之外，还应考虑到与思想、模式和人之间的流动和接触有关的方面的跨国观点。这种方法使我们能够认识到20世纪初的里奥普拉斯艺术社区是相互联系的。在这篇文章中，我们提出了一个假设，即艺术教育是一个特权领域，以支持这两个国家在拉丁美洲背景下的独特之处。具体过程的建立和巩固两个机构在布宜诺斯艾利斯国家科学院(national academy of美术和循环发展美术在蒙得维的亚,强调“差异和粗暴教育其建议,以便推动现代项目从现象的可能性。
{"title":"Diálogos rioplatenses. Buenos Aires, Montevideo y la creación de una academia moderna a comienzos del siglo XX","authors":"Giulia Murace","doi":"10.5209/aris.84954","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.84954","url":null,"abstract":"En los procesos de modernización de los sistemas del arte argentino y uruguayo que se dieron en el cambio de siglo se pueden reconocer algunas dinámicas comunes y peculiares respecto del resto de América Latina. Es fructuoso, por lo tanto, estudiar el surgimiento de las instituciones estatales destinadas a la educación artística en Buenos Aires y Montevideo en una óptica regional, que incluye en los términos de análisis el diálogo cultural que permeó las fronteras políticas. A esta, es útil unir una perspectiva transnacional, que reflexiona sobre aspectos ligados a la circulación y a los contactos entre ideas, modelos y personas. Este enfoque habilita a reconocer la comunidad artística rioplatense de principio del siglo XX como interconectada. En el artículo se pone énfasis en la educación artística como esfera privilegiada para sostener esta hipótesis, apuntando a subrayar una singularidad que diferenció los dos países en el contexto latinoamericano. Específicamente, se ahonda en los procesos de creación y consolidación de dos instituciones, la Academia Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires y el Círculo Fomento de Bellas Artes en Montevideo, resaltando analogías y diferencias de sus propuestas educativas para poner manifiestas las posibilidades de promover proyectos modernos desde las periferias.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"79052601","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
This article provides an approach to some of the theoretical concepts necessary to deal with the conservation and restoration of contemporary art. In this sense, the status of four contemporary works after their restoration, or simply due to the passage of time, has been analysed in depth and from a theoretical point of view. The works chosen were made of chocolate; plastics such as latex, acrylic resins and epoxy; organic materials such as blood; liturgical fabrics; butterfly wings; natural flowers... all materials that degrade due to the natural passage of time and the effect of the agents of deterioration. The interesting thing about the work is that it establishes the need to situate each work of contemporary art in an appropriate paradigm before proposing a process of intervention. To do this, it is necessary to carry out a study of the constituent elements of the artworks, both material and immaterial. Furthermore, the study presents the different intervention processes carried out. Finally, we study how the state of conservation may have affected the consistency of the artwork, taking into account the artistic intention.
{"title":"Theoretical issues in the conservation of contemporary art: on paradigms, ontological and constitutive elements in some practical cases","authors":"Rosario Llamas-Pacheco","doi":"10.5209/aris.81021","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.81021","url":null,"abstract":"This article provides an approach to some of the theoretical concepts necessary to deal with the conservation and restoration of contemporary art. In this sense, the status of four contemporary works after their restoration, or simply due to the passage of time, has been analysed in depth and from a theoretical point of view. The works chosen were made of chocolate; plastics such as latex, acrylic resins and epoxy; organic materials such as blood; liturgical fabrics; butterfly wings; natural flowers... all materials that degrade due to the natural passage of time and the effect of the agents of deterioration. The interesting thing about the work is that it establishes the need to situate each work of contemporary art in an appropriate paradigm before proposing a process of intervention. To do this, it is necessary to carry out a study of the constituent elements of the artworks, both material and immaterial. Furthermore, the study presents the different intervention processes carried out. Finally, we study how the state of conservation may have affected the consistency of the artwork, taking into account the artistic intention.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"85233288","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Eisenstein realizó en 1923 un cortometraje que formó parte de un espectáculo teatral titulado El diario de Glumov. Este film es su primera obra cinematográfica y está considerado como un experimento dadaísta. La obra teatral El diario de un pillastre que Ostrovsky estrenó en 1868 en Moscú es la base del espectáculo ideado por el cineasta para el Proletkult. En este artículo analizamos una selección de recursos y de motivos empleados en esta cinta para tratar de reconocer sus conexiones intertextuales y contextuales. El análisis nos lleva a la conclusión de que esos motivos y formas escriturales están estrechamente relacionados con cine fantástico francés de autores como Méliès, Chomón, Cohl, Deed o Linder. Estos directores, que tuvieron gran éxito durante los primeros veinte años del siglo XX, estuvieron muy influenciados por las vanguardias parisinas de finales del XIX entre las que destacaban los Incoherentes. El empleo de esos materiales textuales por parte del cineasta soviético resulta, además, perfectamente congruente con sus elaboraciones teóricas acerca del montaje de atracciones.
{"title":"El dadaísmo de Eisenstein en El diario de Glumov","authors":"Víctor Lope-Salvador","doi":"10.5209/aris.83501","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.83501","url":null,"abstract":"Eisenstein realizó en 1923 un cortometraje que formó parte de un espectáculo teatral titulado El diario de Glumov. Este film es su primera obra cinematográfica y está considerado como un experimento dadaísta. La obra teatral El diario de un pillastre que Ostrovsky estrenó en 1868 en Moscú es la base del espectáculo ideado por el cineasta para el Proletkult. En este artículo analizamos una selección de recursos y de motivos empleados en esta cinta para tratar de reconocer sus conexiones intertextuales y contextuales. El análisis nos lleva a la conclusión de que esos motivos y formas escriturales están estrechamente relacionados con cine fantástico francés de autores como Méliès, Chomón, Cohl, Deed o Linder. Estos directores, que tuvieron gran éxito durante los primeros veinte años del siglo XX, estuvieron muy influenciados por las vanguardias parisinas de finales del XIX entre las que destacaban los Incoherentes. El empleo de esos materiales textuales por parte del cineasta soviético resulta, además, perfectamente congruente con sus elaboraciones teóricas acerca del montaje de atracciones.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"75846035","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
The public space in the Arab World has historically been controlled and seized by political authorities. This appropriation has created a deep rift between citizens and public places. Nevertheless, since the beginning of the Arab revolutions, new youth art forms have emerged liberating the arts from traditional formalism and these have been transferred to open spaces making them accessible to the people. This research seeks to explore the youth street art that emerged during the Tunisian revolution, not only as an innovative artistic trend, but also as a social movement that claims a new kind of citizenship. It aims to analyze the philosophical and aesthetic purposes of street art and its role in the liberation of public space. The methodology is based on qualitative interviews and participant observation with members of two street art groups Ahl Al Kahf and Fanni Raghman Anni that emerged during the Tunisian revolution of 2011. The results reveal that the youth revolutionary artistic phenomenon represents a new creative project and constitutes a. intellectual and artistic rupture with the prevailing aesthetic practices.
阿拉伯世界的公共空间历来被政治当局控制和攫取。这种挪用在公民和公共场所之间造成了深深的裂痕。然而，自从阿拉伯革命开始以来，新的青年艺术形式已经出现，将艺术从传统的形式主义中解放出来，这些艺术形式已经转移到开放空间，使人们能够接触到它们。本研究旨在探索突尼斯革命期间出现的青年街头艺术，这不仅是一种创新的艺术趋势，也是一种要求新型公民身份的社会运动。它旨在分析街头艺术的哲学和美学目的及其在公共空间解放中的作用。该方法基于定性访谈和对2011年突尼斯革命期间出现的两个街头艺术团体Ahl Al Kahf和Fanni Raghman Anni成员的参与性观察。结果表明，青年革命艺术现象代表了一种新的创作工程，构成了与主流审美实践在思想上和艺术上的决裂。
{"title":"Street art as a transforming agent of public space in Arab World. Case study of two artistic groups in Tunisia","authors":"Awatef Ketiti","doi":"10.5209/aris.81524","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.81524","url":null,"abstract":"The public space in the Arab World has historically been controlled and seized by political authorities. This appropriation has created a deep rift between citizens and public places. Nevertheless, since the beginning of the Arab revolutions, new youth art forms have emerged liberating the arts from traditional formalism and these have been transferred to open spaces making them accessible to the people. This research seeks to explore the youth street art that emerged during the Tunisian revolution, not only as an innovative artistic trend, but also as a social movement that claims a new kind of citizenship. It aims to analyze the philosophical and aesthetic purposes of street art and its role in the liberation of public space. The methodology is based on qualitative interviews and participant observation with members of two street art groups Ahl Al Kahf and Fanni Raghman Anni that emerged during the Tunisian revolution of 2011. The results reveal that the youth revolutionary artistic phenomenon represents a new creative project and constitutes a. intellectual and artistic rupture with the prevailing aesthetic practices.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-10","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"74449420","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En el contexto del Arte Contemporáneo, la posibilidad de una perversión radical del documento y, por extensión de las ideas, la destrucción total o parcial de sus elementos o funciones, se transformaron para el artista, debido a circunstancias sustancialmente diferentes (i.e.: prácticas, procesos y estrategias de creación artística), en un espacio profundamente creativo. A la luz de estas ideas, este artículo discute la implicación de este fenómeno de “destrucción” del archivo en la construcción del imaginario contemporáneo - la proximidad de los resultados estéticos y poéticos con la idea de un “palimpsesto” -, tratando de demostrar el modo en que su carácter más subversivo, “anómico” y hasta paradójico ha ido convirtiendo, simbólica y conceptualmente, a los distintos territorios del pensamiento y práctica artística, por un lado, en una posibilidad de “reinscripción” continuum de formas, significados y sentidos, y, por otra parte, en la potencia “ad infinitium” de una apropiación, experimentación y transfiguración de lo real.
{"title":"“Image Control-Delete”: La destrucción del archivo como estrategia de una intención poética en el Arte Contemporáneo","authors":"Ivan Postiga, Domingos Loureiro","doi":"10.5209/aris.84537","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.84537","url":null,"abstract":"En el contexto del Arte Contemporáneo, la posibilidad de una perversión radical del documento y, por extensión de las ideas, la destrucción total o parcial de sus elementos o funciones, se transformaron para el artista, debido a circunstancias sustancialmente diferentes (i.e.: prácticas, procesos y estrategias de creación artística), en un espacio profundamente creativo. A la luz de estas ideas, este artículo discute la implicación de este fenómeno de “destrucción” del archivo en la construcción del imaginario contemporáneo - la proximidad de los resultados estéticos y poéticos con la idea de un “palimpsesto” -, tratando de demostrar el modo en que su carácter más subversivo, “anómico” y hasta paradójico ha ido convirtiendo, simbólica y conceptualmente, a los distintos territorios del pensamiento y práctica artística, por un lado, en una posibilidad de “reinscripción” continuum de formas, significados y sentidos, y, por otra parte, en la potencia “ad infinitium” de una apropiación, experimentación y transfiguración de lo real.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-10","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"83237695","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
M. Mat, H. Saidon, Rosalia Saimon, Sarah-Naemah Aman-Leong, Zuriawati Ahmad-Zahari, Nour Al-Nahari
Una revisión preliminar de estudios anteriores ha evidenciado que el método utilizado para involucrar a la comunidad en las artes suele estar muy mal articulado. Además, las evaluaciones y reflexiones formales sobre los proyectos de participación artística comunitaria son muy escasas. Por lo tanto, este estudio pretende explorar el método de cocreación del arte comprometido con la comunidad con comunidades seleccionadas en Kampung Muhibbah, Kuching, Sarawak, Malasia. El objetivo del debate es destacar cómo la cocreación puede ofrecer un enfoque participativo que contribuya a elevar la calidad de vida tanto para los profesionales del arte como para los que no lo son. La investigación se llevó a cabo con un método mixto que utilizó un proyecto de cocreación como estudio de caso para la recopilación de datos, mediante entrevistas y observaciones de los participantes en un método cualitativo y una puntuación de evaluación del bienestar en un método cuantitativo. Los resultados mostraron que el proyecto de cocreación podía establecer buenas interacciones dentro de la comunidad a través de actividades artísticas y posteriormente elevar su calidad de bienestar. Una comprensión más profunda del método de cocreación con la participación de la comunidad puede poner en tela de juicio la práctica artística participativa convencional. La exploración del método de cocreación a través del arte como medio ha contribuido ampliamente al conocimiento de la práctica de la cocreación en el compromiso de la comunidad para elevar el bienestar.
{"title":"Co-creation Method: The Role of Arts towards Impacting the Quality of Well-being","authors":"M. Mat, H. Saidon, Rosalia Saimon, Sarah-Naemah Aman-Leong, Zuriawati Ahmad-Zahari, Nour Al-Nahari","doi":"10.5209/aris.84535","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.84535","url":null,"abstract":"Una revisión preliminar de estudios anteriores ha evidenciado que el método utilizado para involucrar a la comunidad en las artes suele estar muy mal articulado. Además, las evaluaciones y reflexiones formales sobre los proyectos de participación artística comunitaria son muy escasas. Por lo tanto, este estudio pretende explorar el método de cocreación del arte comprometido con la comunidad con comunidades seleccionadas en Kampung Muhibbah, Kuching, Sarawak, Malasia. El objetivo del debate es destacar cómo la cocreación puede ofrecer un enfoque participativo que contribuya a elevar la calidad de vida tanto para los profesionales del arte como para los que no lo son. La investigación se llevó a cabo con un método mixto que utilizó un proyecto de cocreación como estudio de caso para la recopilación de datos, mediante entrevistas y observaciones de los participantes en un método cualitativo y una puntuación de evaluación del bienestar en un método cuantitativo. Los resultados mostraron que el proyecto de cocreación podía establecer buenas interacciones dentro de la comunidad a través de actividades artísticas y posteriormente elevar su calidad de bienestar. Una comprensión más profunda del método de cocreación con la participación de la comunidad puede poner en tela de juicio la práctica artística participativa convencional. La exploración del método de cocreación a través del arte como medio ha contribuido ampliamente al conocimiento de la práctica de la cocreación en el compromiso de la comunidad para elevar el bienestar.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-08","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"84092492","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En mayo de 2022, la obra de María Dolores Casanova Dama recostada fue adquirida por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Con ello, la pintora recibe un reconocimiento póstumo a su extensa producción pictórica, al tiempo que el museo cumple con su compromiso declarado de visibilizar el arte realizado por mujeres, con el fin de sustituir las miradas patriarcales, coloniales y memorialistas hegemónicas de la modernidad por enfoques feministas, decoloniales y ecologistas. La investigación que aquí se presenta consiste en un estudio riguroso y en profundidad de la pieza. Su examen pormenorizado desde el ámbito temático permitirá inscribirla en el género pictórico del autorretrato, mientras que el análisis formal e iconográfico confirmará su pertenencia a la tercera etapa estilística de su producción, que se sitúa entre 1990 y 2003, con lo que se establecerá una cronología aproximada de la misma y se determinará la modalidad de autorretrato a la que pertenece, de los tres de diferente tipología que cultivó la artista.
{"title":"A propósito de una reciente adquisición del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Dama recostada (c. 1990-2003), de María Dolores Casanova","authors":"S. Barrón, Carmen Guiralt Gomar","doi":"10.5209/aris.84196","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.84196","url":null,"abstract":"En mayo de 2022, la obra de María Dolores Casanova Dama recostada fue adquirida por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Con ello, la pintora recibe un reconocimiento póstumo a su extensa producción pictórica, al tiempo que el museo cumple con su compromiso declarado de visibilizar el arte realizado por mujeres, con el fin de sustituir las miradas patriarcales, coloniales y memorialistas hegemónicas de la modernidad por enfoques feministas, decoloniales y ecologistas. La investigación que aquí se presenta consiste en un estudio riguroso y en profundidad de la pieza. Su examen pormenorizado desde el ámbito temático permitirá inscribirla en el género pictórico del autorretrato, mientras que el análisis formal e iconográfico confirmará su pertenencia a la tercera etapa estilística de su producción, que se sitúa entre 1990 y 2003, con lo que se establecerá una cronología aproximada de la misma y se determinará la modalidad de autorretrato a la que pertenece, de los tres de diferente tipología que cultivó la artista.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-08","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"79471665","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
The contemporary art world is characterized by precarious and intermittent forms of employment such as subcontracting and freelancing. Non-paid work is also common in the arts sector either in the form of internships or uncompensated exhibiting, writing and curating. In this article we analyse subversion in the context of artistic activism as a resistance strategy against labour relations within contemporary capitalism. As a case study, we present a critical analysis of two works by artist Joshua Schwebel, Subsidy (2015) and Médiation Culturelle (2017-2018), which aimed to take advantage of the institutional exhibition context to not only raise awareness about hidden aspects of labour practices common among art institutions but also to create real change and empower workers. Taking into account capitalism’s adaptability and its undermining of traditional forms of resistance, we argue that artistic activism plays a crucial role in pursuing counter-hegemonic struggle. By analysing and comparing both projects we have concluded that subversion is used as the broader strategy, whereas disruption, dialogue and displacement are used as tactics. This research also establishes context as a fundamental element for artistic activism works and the necessity to adapt strategies to maximize possibilities of achieving social transformation.
{"title":"Subversion as a Resistance Strategy in Artistic Activism","authors":"Catarina Pires","doi":"10.5209/aris.82043","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.82043","url":null,"abstract":"The contemporary art world is characterized by precarious and intermittent forms of employment such as subcontracting and freelancing. Non-paid work is also common in the arts sector either in the form of internships or uncompensated exhibiting, writing and curating. In this article we analyse subversion in the context of artistic activism as a resistance strategy against labour relations within contemporary capitalism. As a case study, we present a critical analysis of two works by artist Joshua Schwebel, Subsidy (2015) and Médiation Culturelle (2017-2018), which aimed to take advantage of the institutional exhibition context to not only raise awareness about hidden aspects of labour practices common among art institutions but also to create real change and empower workers. Taking into account capitalism’s adaptability and its undermining of traditional forms of resistance, we argue that artistic activism plays a crucial role in pursuing counter-hegemonic struggle. By analysing and comparing both projects we have concluded that subversion is used as the broader strategy, whereas disruption, dialogue and displacement are used as tactics. This research also establishes context as a fundamental element for artistic activism works and the necessity to adapt strategies to maximize possibilities of achieving social transformation.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-06","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81872604","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este trabajo analiza algunos aspectos de la obra de Claudia del Río, reconocida artista argentina contemporánea. Indaga en particular sobre su puesta en cuestión de los lugares comunes sobre la creación y sobre su aporte a una construcción social del arte a partir del establecimiento y el sostén de espacios de intercambio y de producción colectiva. Para ello, se abordan algunos aspectos de sus prácticas artísticas desde los años ochenta hasta la actualidad, con especial atención al dibujo y las líneas de trabajo dentro del campo de la gráfica expandida. Asimismo, se atiende a su actuación profesional dentro y fuera de las instituciones artísticas, entre la docencia en la Universidad Nacional de Rosario y la creación de espacios autogestivos, como el Club de Dibujo y la Pieza Pizarrón. El trabajo con fuentes primarias procedentes del archivo de Claudia del Río y con testimonios recogidos en las entrevistas sostenidas con la artista se articula con referencias y reenvíos a su libr Ikebana política, fundamental para comprender su posición crítica, estética y ética respecto de la creación y la educación artística.
{"title":"Claudia del Río: líneas personales y acciones colectivas de una artista argentina contemporánea","authors":"Silvia Dolinko","doi":"10.5209/aris.85364","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.85364","url":null,"abstract":"Este trabajo analiza algunos aspectos de la obra de Claudia del Río, reconocida artista argentina contemporánea. Indaga en particular sobre su puesta en cuestión de los lugares comunes sobre la creación y sobre su aporte a una construcción social del arte a partir del establecimiento y el sostén de espacios de intercambio y de producción colectiva. Para ello, se abordan algunos aspectos de sus prácticas artísticas desde los años ochenta hasta la actualidad, con especial atención al dibujo y las líneas de trabajo dentro del campo de la gráfica expandida. Asimismo, se atiende a su actuación profesional dentro y fuera de las instituciones artísticas, entre la docencia en la Universidad Nacional de Rosario y la creación de espacios autogestivos, como el Club de Dibujo y la Pieza Pizarrón. El trabajo con fuentes primarias procedentes del archivo de Claudia del Río y con testimonios recogidos en las entrevistas sostenidas con la artista se articula con referencias y reenvíos a su libr Ikebana política, fundamental para comprender su posición crítica, estética y ética respecto de la creación y la educación artística.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-06","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"89809929","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
京公网安备 11010802042870号
京ICP备2023020795号-1
扫码关注我们
求助内容：
应助结果提醒方式：