A. Palacios, Susana Toboso, Aitor Acha, Carlos Cerrada
En este artículo se presenta la experiencia docente e investigadora de un grupo de profesores del Grado en Magisterio de Educación Infantil en una asignatura interdisciplinar que incluye la educación artística, la musical y la expresión corporal a través de la performance como elemento unificador de los tres lenguajes. Si bien la performance está presente en algunos espacios educativos y en el ámbito académico, en este trabajo se quiere poner especialmente en valor su capacidad para servir de conexión con el concepto de juego en el alumnado de Educación Infantil y para actualizar el rol del profesor hacia un perfil más activo y creativo. Además de las reflexiones del equipo docente de la asignatura, se incluyen datos de encuestas realizadas al alumnado, de los que se extraen resultados que abarcan temas artísticos, pedagógicos, organizativos, etc. A pesar de que la gestión de una asignatura tan compleja acarrea algunos problemas y haya implicado y siga implicando muchos cambios, el balance general es muy positivo. La performance, por otra parte, se revela como una herramienta muy poderosa para el aprendizaje del futuro profesorado de Infantil.
{"title":"La performance como invitación al juego. Una reflexión desde la práctica sobre su utilidad en la formación inicial del profesorado de educación infantil","authors":"A. Palacios, Susana Toboso, Aitor Acha, Carlos Cerrada","doi":"10.5209/aris.84558","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.84558","url":null,"abstract":"En este artículo se presenta la experiencia docente e investigadora de un grupo de profesores del Grado en Magisterio de Educación Infantil en una asignatura interdisciplinar que incluye la educación artística, la musical y la expresión corporal a través de la performance como elemento unificador de los tres lenguajes. Si bien la performance está presente en algunos espacios educativos y en el ámbito académico, en este trabajo se quiere poner especialmente en valor su capacidad para servir de conexión con el concepto de juego en el alumnado de Educación Infantil y para actualizar el rol del profesor hacia un perfil más activo y creativo. Además de las reflexiones del equipo docente de la asignatura, se incluyen datos de encuestas realizadas al alumnado, de los que se extraen resultados que abarcan temas artísticos, pedagógicos, organizativos, etc. A pesar de que la gestión de una asignatura tan compleja acarrea algunos problemas y haya implicado y siga implicando muchos cambios, el balance general es muy positivo. La performance, por otra parte, se revela como una herramienta muy poderosa para el aprendizaje del futuro profesorado de Infantil. ","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"18 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-02-03","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"78238258","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En 1878, el arquitecto municipal de Valladolid, Joaquín Ruiz Sierra, firmaba el proyecto del único mercado de hierro decimonónico que todavía hoy se conserva, aunque muy transformado, en la ciudad de Valladolid: el del Val. Su proceso de construcción fue tan problemático como interesante desde una perspectiva histórica, social, política, constructiva y artística. Hemos realizado un estudio detallado sobre esta cuestión concreta que, contextualizada y manejando documentación inédita, ofrece nueva información sobre el desarrollo arquitectónico en Valladolid durante el último cuarto del siglo XIX y permite conocer mejor, a nivel nacional, una parte de nuestra arquitectura del hierro desde un punto de vista histórico y técnico. Diferentes investigaciones han considerado el mercado del Val uno de los más interesantes del siglo XIX en España. Así, en torno a él, este trabajo, basado en el enfrentamiento entre arquitectos, poder político y una sociedad cuya opinión pública era manejada por la prensa, estudia la defensa de la individualidad creativa de una obra arquitectónica.
{"title":"Discusión y problemática profesional en torno a la arquitectura del hierro en la segunda mitad del siglo XIX: el proceso constructivo del mercado del Val (Valladolid)","authors":"Francisco Javier Domínguez Burrieza","doi":"10.5209/aris.83879","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.83879","url":null,"abstract":"En 1878, el arquitecto municipal de Valladolid, Joaquín Ruiz Sierra, firmaba el proyecto del único mercado de hierro decimonónico que todavía hoy se conserva, aunque muy transformado, en la ciudad de Valladolid: el del Val. Su proceso de construcción fue tan problemático como interesante desde una perspectiva histórica, social, política, constructiva y artística. \u0000Hemos realizado un estudio detallado sobre esta cuestión concreta que, contextualizada y manejando documentación inédita, ofrece nueva información sobre el desarrollo arquitectónico en Valladolid durante el último cuarto del siglo XIX y permite conocer mejor, a nivel nacional, una parte de nuestra arquitectura del hierro desde un punto de vista histórico y técnico. Diferentes investigaciones han considerado el mercado del Val uno de los más interesantes del siglo XIX en España. Así, en torno a él, este trabajo, basado en el enfrentamiento entre arquitectos, poder político y una sociedad cuya opinión pública era manejada por la prensa, estudia la defensa de la individualidad creativa de una obra arquitectónica.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"36 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"87265442","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El artículo analiza las posibilidades metodológicas que los estudios de las emociones pueden ofrecer a la historiografía feminista del arte e insiste en la necesidad de repensar nuevas formas de construir estas historias. Para ello, toma como caso de estudio la construcción de la autoría artística femenina, preguntando qué papel jugaron en este proceso las emociones vividas en sus años de formación. Concretamos el caso atendiendo la experiencia de algunas mujeres procedentes del País Vasco que recibieron su educación artística en la década de los cincuenta y sesenta del pasado siglo. Se estudia, entre otras cuestiones, la implicación que tuvieron las emociones en la elección técnica o estilística de las estudiantes, cómo influyeron las vivencias en el extranjero en su en su afán artístico o de qué forma las afectividades dadas en estos años tuvieron un impacto en su proyección a futuro.
{"title":"El papel de las emociones en la construcción de la autoría artística femenina durante el franquismo. Historias de posibilidades y resistencias","authors":"Ane Lekuona-Mariscal","doi":"10.5209/aris.82930","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.82930","url":null,"abstract":"El artículo analiza las posibilidades metodológicas que los estudios de las emociones pueden ofrecer a la historiografía feminista del arte e insiste en la necesidad de repensar nuevas formas de construir estas historias. Para ello, toma como caso de estudio la construcción de la autoría artística femenina, preguntando qué papel jugaron en este proceso las emociones vividas en sus años de formación. Concretamos el caso atendiendo la experiencia de algunas mujeres procedentes del País Vasco que recibieron su educación artística en la década de los cincuenta y sesenta del pasado siglo. Se estudia, entre otras cuestiones, la implicación que tuvieron las emociones en la elección técnica o estilística de las estudiantes, cómo influyeron las vivencias en el extranjero en su en su afán artístico o de qué forma las afectividades dadas en estos años tuvieron un impacto en su proyección a futuro.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"9 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-26","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"90634047","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En este artículo nos ocupamos de analizar la presencia del patrimonio en la legislación educativa, particularmente en los textos de la LOMCE (La Ley Orgánica 8/2013, de 9 de diciembre, para la mejora de la calidad educativa) y la LOMLOE (Ley Orgánica 3/2020, de 29 de diciembre, por la que se modifica la Ley Orgánica 2/2006, de 3 de mayo, de Educación) en sus diferentes desarrollos normativos, para concluir que, de una parte, la Educación Artística como una disciplina esencial para la educación patrimonial y, de otra, que la omisión de este contenido en las sesiones de aula no es debido a la falta de regulación, sino a la ausencia de capacitación docente. En este sentido, se propone la creación de la Mención en Educación Artística en el Grado de Primaria como solución a esta problemática y a la propia dignificación de las enseñanzas artísticas en nuestro sistema educativo. Al respecto, se pone en relieve la iniciativa encabezada desde 2020 por la plataforma #EducaciónNoSinArtes y su histórica labor en el proceso de reforma de la LOMLOE, así como en la visibilización y transferencia social del valor del área de Educación Artística.
{"title":"El patrimonio cultural en la educación artística: del análisis del currículum a la mejora de la formación inicial del profesorado en Educación Primaria","authors":"Olaia Fontal-Merillas, Pablo De Castro-Martín","doi":"10.5209/aris.83752","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.83752","url":null,"abstract":"En este artículo nos ocupamos de analizar la presencia del patrimonio en la legislación educativa, particularmente en los textos de la LOMCE (La Ley Orgánica 8/2013, de 9 de diciembre, para la mejora de la calidad educativa) y la LOMLOE (Ley Orgánica 3/2020, de 29 de diciembre, por la que se modifica la Ley Orgánica 2/2006, de 3 de mayo, de Educación) en sus diferentes desarrollos normativos, para concluir que, de una parte, la Educación Artística como una disciplina esencial para la educación patrimonial y, de otra, que la omisión de este contenido en las sesiones de aula no es debido a la falta de regulación, sino a la ausencia de capacitación docente. En este sentido, se propone la creación de la Mención en Educación Artística en el Grado de Primaria como solución a esta problemática y a la propia dignificación de las enseñanzas artísticas en nuestro sistema educativo. Al respecto, se pone en relieve la iniciativa encabezada desde 2020 por la plataforma #EducaciónNoSinArtes y su histórica labor en el proceso de reforma de la LOMLOE, así como en la visibilización y transferencia social del valor del área de Educación Artística.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"14 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73654556","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Nuria Rey Somoza, María Gil-Gayo, M. Claver, Ana Casla
La relatoría gráfica es una imagen para la representación y/o análisis de fenómenos o eventos. Configura su producción desde la representación de subjetividades, encuentros e interacciones de una acción colectiva, pretendiendo reflexiones en torno a los flujos y las sinergias contextualizadas. Desde el proyecto Arte y Salud del Organismo Autónomo Madrid Salud (2021) se han desarrollado tres relatorías gráficas en varios encuentros no presenciales: 1) proyecto Abrazos Interrumpidos, 2) encuentro por el Día Mundial de la Salud Mental y 3) encuentro Construyendo una comunidad Compasiva. En estos ámbitos de salud, sobre todo desde el periodo pandémico que ha promovido multitud de traslados de procesos físicos a online, estas estrategias pueden enfatizar el sentido comunitario y de visibilidad de vínculos entre participantes. En el artículo se pretende, desde estos casos, ampliar las claves presentadas en estudios previos sobre este tema, analizando cómo estas estrategias visuales expanden sus potencias para la mediación artística post-COVID. Se localizan, así, características ampliadas en estas producciones no presenciales que expanden las posibilidades de las relatorías en contextos de mediación artística y salud comunitaria.
{"title":"Mediación artística, bienestar y salud comunitaria: relatorías gráficas en tiempos de encuentro digital","authors":"Nuria Rey Somoza, María Gil-Gayo, M. Claver, Ana Casla","doi":"10.5209/aris.83793","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.83793","url":null,"abstract":"La relatoría gráfica es una imagen para la representación y/o análisis de fenómenos o eventos. Configura su producción desde la representación de subjetividades, encuentros e interacciones de una acción colectiva, pretendiendo reflexiones en torno a los flujos y las sinergias contextualizadas. Desde el proyecto Arte y Salud del Organismo Autónomo Madrid Salud (2021) se han desarrollado tres relatorías gráficas en varios encuentros no presenciales: 1) proyecto Abrazos Interrumpidos, 2) encuentro por el Día Mundial de la Salud Mental y 3) encuentro Construyendo una comunidad Compasiva. En estos ámbitos de salud, sobre todo desde el periodo pandémico que ha promovido multitud de traslados de procesos físicos a online, estas estrategias pueden enfatizar el sentido comunitario y de visibilidad de vínculos entre participantes. En el artículo se pretende, desde estos casos, ampliar las claves presentadas en estudios previos sobre este tema, analizando cómo estas estrategias visuales expanden sus potencias para la mediación artística post-COVID. Se localizan, así, características ampliadas en estas producciones no presenciales que expanden las posibilidades de las relatorías en contextos de mediación artística y salud comunitaria.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"9 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"87795134","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artículo analiza el potencial creativo y la dimensión experimental de la ficción literaria reciente centrada en el mundo del arte. En concreto, el ensayo reconoce en Muerte Súbita (2013) de Álvaro Enrigue un buen ejemplo de la capacidad de este tipo de novela de arte para generar maneras alternativas de entender el sistema-arte. Lejos de representar personajes históricos o de adaptarse a las reglas del campo artístico, la ficción contemporánea sobre arte funciona como un mod, como un sistema alterado que obedece a patrones parcialmente originales. Es, precisamente, esa dimensión la que hace que las novelas de arte contemporáneas puedan ser entendidas como un laboratorio donde se desarrollan nuevas maneras de entender la articulación entre producción artística, trabajo cultural y procesos socioeconómicos más amplios.
{"title":"Modos Artísticos. En torno a la novela de arte contemporánea como espacio de experimentación. Una mirada a Muerte Súbita (2013) de Álvaro Enrigue","authors":"Carlos Garrido Castellano","doi":"10.5209/aris.83395","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.83395","url":null,"abstract":"Este artículo analiza el potencial creativo y la dimensión experimental de la ficción literaria reciente centrada en el mundo del arte. En concreto, el ensayo reconoce en Muerte Súbita (2013) de Álvaro Enrigue un buen ejemplo de la capacidad de este tipo de novela de arte para generar maneras alternativas de entender el sistema-arte. Lejos de representar personajes históricos o de adaptarse a las reglas del campo artístico, la ficción contemporánea sobre arte funciona como un mod, como un sistema alterado que obedece a patrones parcialmente originales. Es, precisamente, esa dimensión la que hace que las novelas de arte contemporáneas puedan ser entendidas como un laboratorio donde se desarrollan nuevas maneras de entender la articulación entre producción artística, trabajo cultural y procesos socioeconómicos más amplios.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"32 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"79213876","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El presente artículo tiene como fin establecer un acercamiento a la evolución y auge del yōga en relación a los profundos cambios que la sociedad japonesa fue experimentando a lo largo del siglo XIX, y que fueron considerados en buena medida como un proceso de occidentalización del país. De este modo, no debe entenderse al yōga como el resultado de la mezcla entre tradición japonesa y modernidad occidental, sino más bien como la superposición de lo segundo respecto a lo primero. Es precisamente en este punto en donde radica su singularidad histórica: el yōga se trató de una corriente pictórica japonesa cuya intención, paradójicamente, fue la de distanciarse todo lo posible del entorno artístico japonés para abrazar el europeo. Para llevar a cabo el análisis se tomarán en cuenta las obras de los tres artistas más influyentes en la evolución de esta corriente, Shiba Kōkan, Takahashi Yūichi y Kuroda Seiki, así como el contexto histórico y académico en el que desarrollaron sus trabajos.
{"title":"La occidentalización de la pintura japonesa: auge y consolidación del yōga","authors":"Jaime Romero-Leo","doi":"10.5209/aris.83852","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.83852","url":null,"abstract":"El presente artículo tiene como fin establecer un acercamiento a la evolución y auge del yōga en relación a los profundos cambios que la sociedad japonesa fue experimentando a lo largo del siglo XIX, y que fueron considerados en buena medida como un proceso de occidentalización del país. De este modo, no debe entenderse al yōga como el resultado de la mezcla entre tradición japonesa y modernidad occidental, sino más bien como la superposición de lo segundo respecto a lo primero. Es precisamente en este punto en donde radica su singularidad histórica: el yōga se trató de una corriente pictórica japonesa cuya intención, paradójicamente, fue la de distanciarse todo lo posible del entorno artístico japonés para abrazar el europeo. Para llevar a cabo el análisis se tomarán en cuenta las obras de los tres artistas más influyentes en la evolución de esta corriente, Shiba Kōkan, Takahashi Yūichi y Kuroda Seiki, así como el contexto histórico y académico en el que desarrollaron sus trabajos.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"13 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"72790435","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El ensayo intenta pensar la serie de fotografías que conforman la obra Los coros menores (2010-2011) del artista chileno-alemán Demian Schopf. En términos metodológicos, la investigación toma como claves de lectura las nociones de carnaval, distopía y revolución. Primero se analiza la obra en relación con los elementos que configuran el Carnaval de la Edad Media: permisividad, exceso, travestismo e inversión; para luego pensar su trama con el Carnaval latinoamericano de Oruro (de donde provienen algunos de los personajes de las fotografías) y determinar la especificidad de la “fiesta” que tendría lugar en Los coros menores. Como segundo paso, se aborda la obra respecto a la noción convencional de distopía, con el objeto de reconocer los elementos que en ella permiten entenderla como una proyección distópica. Por último, ambos caminos convergen en un tercero que es el de la inteligencia de la obra como el símbolo de una Revolución devastadora que estaría ocurriendo en el mundo actual. Este desarrollo permite, finalmente, que el ensayo tome una posición distinta frente a las lecturas precedentes que se han hecho de la obra.
{"title":"Carnaval, distopía y revolución. Sobre Los coros menores de Demian Schopf","authors":"Francisco Cruz","doi":"10.5209/aris.84439","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.84439","url":null,"abstract":"El ensayo intenta pensar la serie de fotografías que conforman la obra Los coros menores (2010-2011) del artista chileno-alemán Demian Schopf. En términos metodológicos, la investigación toma como claves de lectura las nociones de carnaval, distopía y revolución. Primero se analiza la obra en relación con los elementos que configuran el Carnaval de la Edad Media: permisividad, exceso, travestismo e inversión; para luego pensar su trama con el Carnaval latinoamericano de Oruro (de donde provienen algunos de los personajes de las fotografías) y determinar la especificidad de la “fiesta” que tendría lugar en Los coros menores. Como segundo paso, se aborda la obra respecto a la noción convencional de distopía, con el objeto de reconocer los elementos que en ella permiten entenderla como una proyección distópica. Por último, ambos caminos convergen en un tercero que es el de la inteligencia de la obra como el símbolo de una Revolución devastadora que estaría ocurriendo en el mundo actual. Este desarrollo permite, finalmente, que el ensayo tome una posición distinta frente a las lecturas precedentes que se han hecho de la obra.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"24 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"78105040","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
A. Vernia-Carrasco, Miguel Ángel López-Navarro, Diego Calderón-Garrido, José Vicente Gil-Noé, Inmaculada Alcalá- García, Mª Victoria Pastor-Fuentes
El impacto de la COVID-19 en la forma de consumir arte ha supuesto cambios de comportamiento hacia modelos más responsables y sostenibles. El arte sigue siendo parte fundamental de la vida de las personas, e influye de manera relevante en la calidad de vida, tanto en el entorno educativo como en el laboral. Durante el confinamiento, las personas que han podido consumir arte lo han hecho según necesidades y contextos diferentes. No obstante, el arte, más allá de sus beneficios sociales, tiene una implicación directa tanto en la sostenibilidad como en el mundo de la empresa. Este trabajo tiene como objetivo conocer el consumo de arte durante la pandemia y su relación con la responsabilidad social y empresarial. El enfoque metodológico es cuantitativo y se fundamentó en un cuestionario ad hoc en el que participaron un total de 308 personas, De los resultados se desprende que a través del consumo de arte se pueden generar comportamientos responsables en las empresas. Además, se pone de manifiesto la relación que se establece entre arte y éxito empresarial, así como la implicación y responsabilidad en la sostenibilidad.
{"title":"El impacto de las artes sobre las acciones sociales y emprendedoras durante la COVID-19. Percepción educativa","authors":"A. Vernia-Carrasco, Miguel Ángel López-Navarro, Diego Calderón-Garrido, José Vicente Gil-Noé, Inmaculada Alcalá- García, Mª Victoria Pastor-Fuentes","doi":"10.5209/aris.84523","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.84523","url":null,"abstract":"El impacto de la COVID-19 en la forma de consumir arte ha supuesto cambios de comportamiento hacia modelos más responsables y sostenibles. El arte sigue siendo parte fundamental de la vida de las personas, e influye de manera relevante en la calidad de vida, tanto en el entorno educativo como en el laboral. Durante el confinamiento, las personas que han podido consumir arte lo han hecho según necesidades y contextos diferentes. No obstante, el arte, más allá de sus beneficios sociales, tiene una implicación directa tanto en la sostenibilidad como en el mundo de la empresa. Este trabajo tiene como objetivo conocer el consumo de arte durante la pandemia y su relación con la responsabilidad social y empresarial. El enfoque metodológico es cuantitativo y se fundamentó en un cuestionario ad hoc en el que participaron un total de 308 personas, De los resultados se desprende que a través del consumo de arte se pueden generar comportamientos responsables en las empresas. Además, se pone de manifiesto la relación que se establece entre arte y éxito empresarial, así como la implicación y responsabilidad en la sostenibilidad.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"72 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"84141425","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Nueva York se presenta como un caso de estudio ideal para los análisis de distritos culturales, pues a lo largo de todo el siglo xx las galerías de arte, entre otras instituciones, localizadas en la ciudad han conformado clústeres activos y muy representativos. En consecuencia, este artículo se propone analizar cuáles fueron y cómo se distribuyeron, tanto a nivel espacial como temporal, las distintas galerías neoyorquinas a lo largo del siglo xx desde una perspectiva macroscópica, observando las dinámicas de origen, desarrollo y desaparición de los clústeres galerísticos neoyorquinos, elucidando cuáles fueron sus principales focos.
{"title":"Una aproximación macroscópica al ecosistema galerístico neoyorquino (1905-1995)","authors":"María Ortiz-Tello","doi":"10.5209/aris.84268","DOIUrl":"https://doi.org/10.5209/aris.84268","url":null,"abstract":"Nueva York se presenta como un caso de estudio ideal para los análisis de distritos culturales, pues a lo largo de todo el siglo xx las galerías de arte, entre otras instituciones, localizadas en la ciudad han conformado clústeres activos y muy representativos. En consecuencia, este artículo se propone analizar cuáles fueron y cómo se distribuyeron, tanto a nivel espacial como temporal, las distintas galerías neoyorquinas a lo largo del siglo xx desde una perspectiva macroscópica, observando las dinámicas de origen, desarrollo y desaparición de los clústeres galerísticos neoyorquinos, elucidando cuáles fueron sus principales focos.","PeriodicalId":44483,"journal":{"name":"Arte Individuo y Sociedad","volume":"40 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.5,"publicationDate":"2023-01-17","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"87237292","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":2,"RegionCategory":"艺术学","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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京ICP备2023020795号-1
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