Este artículo fue elaborado a partir de una serie de diálogos-caminatas junto a la artista y educadora Pilar Flores. Desde la escritura, se busca integrar varias dimensiones de su amplia trayectoria: el dibujo, la pintura, la creación de “estancias” para cultivar la atención, la meditación y el trabajo colectivo. En este artículo, la búsqueda de la modulación de la respiración es un elemento guía que está presente tanto en el trabajo de la artista como en el procedimiento llevado a cabo para la escritura.
{"title":"Esos universos que somos.","authors":"R. Vega","doi":"10.26807/cav.v7i14.513","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v7i14.513","url":null,"abstract":"Este artículo fue elaborado a partir de una serie de diálogos-caminatas junto a la artista y educadora Pilar Flores. Desde la escritura, se busca integrar varias dimensiones de su amplia trayectoria: el dibujo, la pintura, la creación de “estancias” para cultivar la atención, la meditación y el trabajo colectivo. En este artículo, la búsqueda de la modulación de la respiración es un elemento guía que está presente tanto en el trabajo de la artista como en el procedimiento llevado a cabo para la escritura.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-10-20","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"74114381","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En julio de 1973 la Galería de Exposiciones Temporales del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (MAM) inauguró la muestra Videocinta de Vanguardia. Video Art Estética Televisual, bajo el auspicio de la Embajada de los Estados Unidos. El evento fue el primer acercamiento del público mexicano con el videoarte (estadunidense), en una época en la que los recintos culturales continuaban priorizando a las artes visuales más tradicionales. El artículo ofrece una reconstrucción histórica de esta muestra escasamente documentada, mediante el análisis de dos críticas publicadas del teórico peruano Juan Acha y el único ejemplar del catálogo de la exposición. En segunda instancia, el texto abordar la obra y su exhibición como el resultado de coyunturas políticas, sociales y culturales, en medio de las cuales se inscribe el surgimiento de nuevos modos de ver y de generar imágenes con la tecnología del video.
1973年7月，墨西哥城现代艺术博物馆(MAM)临时展览画廊开幕了Videocinta de Vanguardia展览。视频艺术美学电视，由美国大使馆赞助。该活动是墨西哥公众第一次接触(美国)视频艺术，当时文化场所继续优先考虑更传统的视觉艺术。本文通过分析秘鲁理论家胡安·阿查(Juan Acha)发表的两篇评论和展览目录的唯一副本，对这个记录不足的展览进行了历史重建。其次，文本将作品及其展览视为政治、社会和文化环境的结果，其中包括使用视频技术观看和生成图像的新方式的出现。
{"title":"Videocinta de vanguardia, la primera exposición de videoarte en México","authors":"Claudia Daniela Ferrer Mariano","doi":"10.26807/cav.v0i13.465","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.465","url":null,"abstract":"En julio de 1973 la Galería de Exposiciones Temporales del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (MAM) inauguró la muestra Videocinta de Vanguardia. Video Art Estética Televisual, bajo el auspicio de la Embajada de los Estados Unidos. El evento fue el primer acercamiento del público mexicano con el videoarte (estadunidense), en una época en la que los recintos culturales continuaban priorizando a las artes visuales más tradicionales. \u0000El artículo ofrece una reconstrucción histórica de esta muestra escasamente documentada, mediante el análisis de dos críticas publicadas del teórico peruano Juan Acha y el único ejemplar del catálogo de la exposición. En segunda instancia, el texto abordar la obra y su exhibición como el resultado de coyunturas políticas, sociales y culturales, en medio de las cuales se inscribe el surgimiento de nuevos modos de ver y de generar imágenes con la tecnología del video.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"79536157","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pensar en los trazos, huellas y procesos químicos que confluyen en la obra de Daya Ortiz Durán, es pensar en un diccionario capaz de traducir los signos del cuerpo. Un cuerpo, cuya cartografía supone una cualidad inevitable de afectar y ser afectado por otros cuerpos, cosas o sustancias. En esta medida, la práctica artística de Ortiz se manifiesta como una exploración inagotable, que está en un constante estado de devenir, que toma como punto de partida sus afecciones cargadas de distintos grados de potencia y las materializa en propuestas artísticas. Así pues, este ensayo analiza 8 obras de Ortiz que nacen a partir de afectos de distinto orden y son capaces de reconocer la vulnerabilidad del cuerpo. Estas obras nos invitan a pensar sobre todo, qué es lo que sucede cuando los afectos invaden un cuerpo, lo habitan y lo desalojan para dar espacio a nuevos afectos convergerán nuevamente sobre este.
{"title":"El devenir de las potencias afectivas en la obra de Daya Ortiz Durán.","authors":"Karla Sosa","doi":"10.26807/cav.v0i13.472","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.472","url":null,"abstract":"Pensar en los trazos, huellas y procesos químicos que confluyen en la obra de Daya Ortiz Durán, es pensar en un diccionario capaz de traducir los signos del cuerpo. Un cuerpo, cuya cartografía supone una cualidad inevitable de afectar y ser afectado por otros cuerpos, cosas o sustancias. En esta medida, la práctica artística de Ortiz se manifiesta como una exploración inagotable, que está en un constante estado de devenir, que toma como punto de partida sus afecciones cargadas de distintos grados de potencia y las materializa en propuestas artísticas. \u0000Así pues, este ensayo analiza 8 obras de Ortiz que nacen a partir de afectos de distinto orden y son capaces de reconocer la vulnerabilidad del cuerpo. Estas obras nos invitan a pensar sobre todo, qué es lo que sucede cuando los afectos invaden un cuerpo, lo habitan y lo desalojan para dar espacio a nuevos afectos convergerán nuevamente sobre este.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73788191","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este ensayo explora las potencias de la autofiguración para reflexionar críticamente sobre las representaciones de la discapacidad. De este modo, se referencian proyectos artísticos recientes en los que la intimidad y el encuentro colectivo se convierten en posibilidades de disrupción. A través de ejercicios de fotografía colaborativa, se busca desaprender las nociones de normalidad y los ideales de suficiencia para dejarse afectar por lo que nos vuelve frágiles y vulnerables.
{"title":"Transitar la discapacidad, desplomar la corporalidad. Estrategias artísticas para una narrativa de la discapacidad a través de la intimidad, la vulnerabilidad y los afectos","authors":"Doménica Polo","doi":"10.26807/cav.v0i13.475","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.475","url":null,"abstract":"Este ensayo explora las potencias de la autofiguración para reflexionar críticamente sobre las representaciones de la discapacidad. De este modo, se referencian proyectos artísticos recientes en los que la intimidad y el encuentro colectivo se convierten en posibilidades de disrupción. A través de ejercicios de fotografía colaborativa, se busca desaprender las nociones de normalidad y los ideales de suficiencia para dejarse afectar por lo que nos vuelve frágiles y vulnerables.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81105010","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Como crítico cultural, Loos es recordado principalmente por su crítica despectiva del ornamento en el ensayo de 1910 "Ornament und Verbrechen" (Ornamento y Delito). Loos sostuvo que el ornamento enmascara fundamentalmente la autenticidad y la integridad de la arquitectura; por lo tanto, concluyó que "Sólo una parte muy pequeña de la arquitectura pertenece al arte: la tumba y el monumento. Todo lo demás que cumpla una función debe ser excluido del dominio del arte". Como corolario de esta posición, Loos se dio cuenta de la conclusión radical de que el arte existe fuera de la cultura, mientras que la arquitectura está arraigada en la cultura. Irónicamente, Adorno en su conferencia "Funcionalismo hoy" ('Funktionalismus Heute') que fue presentada a los herederos intelectuales de la misma Deutsche Werkbund, que fue objeto del desprecio de Loos más de medio siglo antes. Su discurso a este grupo fue esencialmente una crítica sobre la empobrecida calidad de la construcción alemana; que prescindía de cualidades estéticas para servir a una agenda funcionalista expedita.
作为一名文化评论家，卢斯最为人所知的是他在1910年的文章《装饰与犯罪》(Ornament und Verbrechen)中对装饰的贬损批评。卢斯认为，装饰从根本上掩盖了建筑的真实性和完整性;因此，他总结道:“建筑中只有很小一部分属于艺术:坟墓和纪念碑。其他任何有功能的东西都必须被排除在艺术领域之外。”作为这一立场的必然结果，卢斯意识到一个激进的结论，即艺术存在于文化之外，而建筑则根植于文化。具有讽刺意味的是，阿多诺在他的演讲“今天的功能主义”(Funktionalismus Heute)中被介绍给了德国工业联盟(Deutsche Werkbund)的知识继承人，半个多世纪前，德国工业联盟曾遭到卢斯的蔑视。他对这群人的演讲本质上是对德国建筑质量差的批评;它放弃了美学品质，为快速的功能主义议程服务。
{"title":"Adolf Loos -Teodoro Adorno y la Estética Moderna","authors":"Eugenio Mangia Guerrero","doi":"10.26807/cav.v0i13.469","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.469","url":null,"abstract":"Como crítico cultural, Loos es recordado principalmente por su crítica despectiva del ornamento en el ensayo de 1910 \"Ornament und Verbrechen\" (Ornamento y Delito). Loos sostuvo que el ornamento enmascara fundamentalmente la autenticidad y la integridad de la arquitectura; por lo tanto, concluyó que \"Sólo una parte muy pequeña de la arquitectura pertenece al arte: la tumba y el monumento. Todo lo demás que cumpla una función debe ser excluido del dominio del arte\". Como corolario de esta posición, Loos se dio cuenta de la conclusión radical de que el arte existe fuera de la cultura, mientras que la arquitectura está arraigada en la cultura. Irónicamente, Adorno en su conferencia \"Funcionalismo hoy\" ('Funktionalismus Heute') que fue presentada a los herederos intelectuales de la misma Deutsche Werkbund, que fue objeto del desprecio de Loos más de medio siglo antes. Su discurso a este grupo fue esencialmente una crítica sobre la empobrecida calidad de la construcción alemana; que prescindía de cualidades estéticas para servir a una agenda funcionalista expedita.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"75608183","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Ma. Gabriela Vázquez Moreno, Juan Carlos Sánchez León
El presente artículo se muestra como una compilación de textos interpretativos que han acompañado los procesos artísticos realizados por Juan Carlos León Jácome durante los años 2020-2022 y expuestos en México (Ciudad de México) y Ecuador (Cuenca y Quito). Dispel, Doppler y Colonizar el Fin, son proyectos que se enmarcan en exploraciones matéricas y transiciones tanto a nivel geográfico como emotivo-personal experimentados por el artista y que proponen una nueva perspectiva en el uso de las sustancias de sanación, los ritos y los astros dentro de su trabajo.
{"title":"The big picture","authors":"Ma. Gabriela Vázquez Moreno, Juan Carlos Sánchez León","doi":"10.26807/cav.v0i13.483","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.483","url":null,"abstract":"El presente artículo se muestra como una compilación de textos interpretativos que han acompañado los procesos artísticos realizados por Juan Carlos León Jácome durante los años 2020-2022 y expuestos en México (Ciudad de México) y Ecuador (Cuenca y Quito). Dispel, Doppler y Colonizar el Fin, son proyectos que se enmarcan en exploraciones matéricas y transiciones tanto a nivel geográfico como emotivo-personal experimentados por el artista y que proponen una nueva perspectiva en el uso de las sustancias de sanación, los ritos y los astros dentro de su trabajo.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"87528203","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Lxs Niñxs, presentada en la Casa de las Posadas en Cuenca entre agosto y septiembre 2021, fue una muestra oscura, nostálgica y controversial. Poca luz, para dejar ver los recuerdos y sus posibilidades, se filtraban por las puertas y los filos de las ventanas. En esta muestra, la primera individual de Mayro Romero (Portoviejo, 1995) lx artista explora su niñez y las relaciones con la heteronormatividad y el canon sexogenérico. Las obras tienen la sombra de la norma que toma como rehén un cuerpo que aún hoy prefiere definirse en lo no binario. El texto curatorial se convierte en una conversación sobre la ensoñación que deja la violencia que viven lxs niñxs, la maquínica acción de dar forma a un futuro que deja de pertenecernos y las relaciones entre infancia y ley. Una obra que se toma una casa, así como los recuerdos invaden las arquitecturas, buscando en la imaginación la estrategia para transfigurar esa violencia.
Lxs ninxs于2021年8月至9月在昆卡的Casa de las Posadas展出，是一个黑暗、怀旧和有争议的展览。这是一种不寻常的景象，因为它是一种不寻常的景象，一种不寻常的景象。在这次展览中，Mayro Romero (Portoviejo, 1995) lx艺术家的第一个个人作品探索了他的童年以及与异性恋和性别规范的关系。这些作品带有一种规范的阴影，这种规范将一个即使在今天也更喜欢用非二元来定义自己的身体作为条件。策展文本变成了一场关于孩子们经历的暴力的白日梦的对话，塑造不再属于我们的未来的机器行动，以及童年和法律之间的关系。这是一件以房子为基础的作品，就像记忆侵入建筑一样，在想象中寻找改变暴力的策略。
{"title":"Lxs Niñxs","authors":"A. Carrillo","doi":"10.26807/cav.v0i13.477","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.477","url":null,"abstract":"Lxs Niñxs, presentada en la Casa de las Posadas en Cuenca entre agosto y septiembre 2021, fue una muestra oscura, nostálgica y controversial. Poca luz, para dejar ver los recuerdos y sus posibilidades, se filtraban por las puertas y los filos de las ventanas. En esta muestra, la primera individual de Mayro Romero (Portoviejo, 1995) lx artista explora su niñez y las relaciones con la heteronormatividad y el canon sexogenérico. Las obras tienen la sombra de la norma que toma como rehén un cuerpo que aún hoy prefiere definirse en lo no binario. El texto curatorial se convierte en una conversación sobre la ensoñación que deja la violencia que viven lxs niñxs, la maquínica acción de dar forma a un futuro que deja de pertenecernos y las relaciones entre infancia y ley. Una obra que se toma una casa, así como los recuerdos invaden las arquitecturas, buscando en la imaginación la estrategia para transfigurar esa violencia.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"88515025","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Se presenta un análisis de la obra (Epilogo) de artista contemporáneo Oscar Santillan, la cual nos llevara a pensar, a esta pieza, como una maquina deseante, en tanto que productora de deseo (en el marco de pensamiento de Deleuze y Guattari) y de mundos, por su cualidad de desbordad los códigos de registro sociales, construyendo unos códigos de registros propios, que desborden las fronteras de los pensamientos establecidos en un determinado contexto histórico y social.
{"title":"El arte como maquina deseante y productora de mundos en la obra Epilogo de Oscar Santillán.","authors":"Bladimir Tulcán","doi":"10.26807/cav.v0i13.464","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.464","url":null,"abstract":"Se presenta un análisis de la obra (Epilogo) de artista contemporáneo Oscar Santillan, la cual nos llevara a pensar, a esta pieza, como una maquina deseante, en tanto que productora de deseo (en el marco de pensamiento de Deleuze y Guattari) y de mundos, por su cualidad de desbordad los códigos de registro sociales, construyendo unos códigos de registros propios, que desborden las fronteras de los pensamientos establecidos en un determinado contexto histórico y social.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81469589","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Una de las constantes humanas ha sido la expresión a través del arte a lo largo del tiempo. El hacer como forma de expresión en modos tales que, inviten a la reflexión de unos y la admiración de otros como forma de aproximarse al arte. No obstante, pocos son los que se atreven a afirmar y definir lo que es arte, esto derivado a los múltiples criterios que suscita el arte debido a su naturaleza transformativa. El presente artículo se aboca a la reflexión en torno a algunos de los diferentes criterios considerados como influyentes dentro del campo del arte. Por otra parte, se encuentran dos de sus ramas, el arte electrónico dentro del que se encuentra el arte digital; todos conformando parte del ecosistema del arte actual, donde la tecnología no es ajena al ser humano, surge y forma parte de éste, lo configura y transforma; es decir, el zeitgeist o arte como espíritu de una época.
{"title":"El arte contemporáneo, electrónico y digital diferenciados","authors":"Cynthia Villagomez","doi":"10.26807/cav.v0i13.468","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.468","url":null,"abstract":"Una de las constantes humanas ha sido la expresión a través del arte a lo largo del tiempo. El hacer como forma de expresión en modos tales que, inviten a la reflexión de unos y la admiración de otros como forma de aproximarse al arte. No obstante, pocos son los que se atreven a afirmar y definir lo que es arte, esto derivado a los múltiples criterios que suscita el arte debido a su naturaleza transformativa. El presente artículo se aboca a la reflexión en torno a algunos de los diferentes criterios considerados como influyentes dentro del campo del arte. Por otra parte, se encuentran dos de sus ramas, el arte electrónico dentro del que se encuentra el arte digital; todos conformando parte del ecosistema del arte actual, donde la tecnología no es ajena al ser humano, surge y forma parte de éste, lo configura y transforma; es decir, el zeitgeist o arte como espíritu de una época.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"77565039","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
La exposición Lo múltiple y lo único. Fotografía en expansión reúne una serie de proyectos que exploran las capacidades de lo fotográfico en tanto medio en expansión. Las obras de Carolina Magnin, Lorena Fernández, Martín Bollati, Lucía Von Sprecher, Lisa Giménez, Estefanía Landesmann, Lucía Peluffo, Inmensidades, Hernán Kacew y Natacha Ebers indagan sobre los diferentes aspectos y posibilidades del medio a partir de investigaciones que relacionan a la fotografía con diversas materialidades y medios. Todas estas búsquedas, vinculadas entre sí a través de diferentes grados de conexión o de conflicto, proponen una situación de desmontaje crítico que evidencia la tensión constituyente del medio, entre lo múltiple y lo único.
多重和独特的展览。扩展摄影汇集了一系列项目，探索摄影作为一种扩展媒介的能力。Carolina Magnin, Lorena fernandez, martin Bollati, lucia Von Sprecher, Lisa gimenez, estefania Landesmann, lucia Peluffo, inmenes, hernan Kacew和Natacha Ebers的作品通过将摄影与不同的材料和媒介联系起来的研究，探讨了媒介的不同方面和可能性。所有这些研究，通过不同程度的联系或冲突相互联系，提出了一个关键的拆解情况，证明了构成媒介的张力，在多重和单一之间。
{"title":"Lo múltiple y lo único. Fotografía en expansión","authors":"Julieta Pestarino","doi":"10.26807/cav.v0i13.486","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i13.486","url":null,"abstract":"La exposición Lo múltiple y lo único. Fotografía en expansión reúne una serie de proyectos que exploran las capacidades de lo fotográfico en tanto medio en expansión. Las obras de Carolina Magnin, Lorena Fernández, Martín Bollati, Lucía Von Sprecher, Lisa Giménez, Estefanía Landesmann, Lucía Peluffo, Inmensidades, Hernán Kacew y Natacha Ebers indagan sobre los diferentes aspectos y posibilidades del medio a partir de investigaciones que relacionan a la fotografía con diversas materialidades y medios. Todas estas búsquedas, vinculadas entre sí a través de diferentes grados de conexión o de conflicto, proponen una situación de desmontaje crítico que evidencia la tensión constituyente del medio, entre lo múltiple y lo único.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2022-05-31","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81176378","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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