El poeta uruguayo Alfredo Mario Ferreiro escribe su primer libro El hombre que se comió un autobús (Poemas con olor a nafta) en 1927. Un año antes, Tomasso Marinetti, creador del movimiento futurista había visitado en Río de la Plata como parte de una gira latinoamericana. La obra de Ferreiro está influenciada por este movimiento, pero en un análisis más profundo de sus obras deja en evidencia que al ser “replicado” en América, aparece un futurismo con nuevos elementos, donde“lo vital”(Kush, 1986:6-10) se hace presente. Nos interesa abordar a este artista como caso para mostrar como siempre la apropiación de lo europeo en américa involucra la aparición de elementos propios que requieren que el análisis sobrepase la forma.
乌拉圭诗人阿尔弗雷多·马里奥·费雷罗(Alfredo Mario Ferreiro)在1927年写了他的第一本书《吃了一辆公共汽车的人》(the man谁吃了一辆公共汽车)。一年前，未来主义运动的创始人托马索·马里内蒂(Tomasso Marinetti)访问了里约热内卢de la Plata，这是他拉丁美洲之旅的一部分。费雷罗的作品受到了这一运动的影响，但对他的作品的更深入的分析表明，当它在美国被“复制”时，一种带有新元素的未来主义出现了，其中“至关重要”(Kush, 1986:6-10)出现了。我们感兴趣的是将这位艺术家作为一个案例来展示，像往常一样，欧洲在美国的挪用涉及到自己元素的出现，这需要分析超越形式。
{"title":"Automóviles y locomotoras con aires de potros","authors":"Verónica Cohen","doi":"10.26807/CAV.V0I07.231","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/CAV.V0I07.231","url":null,"abstract":"El poeta uruguayo Alfredo Mario Ferreiro escribe su primer libro El hombre que se comió un autobús (Poemas con olor a nafta) en 1927. Un año antes, Tomasso Marinetti, creador del movimiento futurista había visitado en Río de la Plata como parte de una gira latinoamericana. La obra de Ferreiro está influenciada por este movimiento, pero en un análisis más profundo de sus obras deja en evidencia que al ser “replicado” en América, aparece un futurismo con nuevos elementos, donde“lo vital”(Kush, 1986:6-10) se hace presente. Nos interesa abordar a este artista como caso para mostrar como siempre la apropiación de lo europeo en américa involucra la aparición de elementos propios que requieren que el análisis sobrepase la forma.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"36 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"82853810","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Con Grabador fantasma (2018), Adrián Balseca cuestiona la materialidad del mundo en la era del Antropóceno. En la actualidad, cuando la influencia de la actividad humana sobre la tierra se volvió una fuerza geológica mayor, capaz de marcar de forma irreversible el ecosistema planetario, Balseca se involucra como artista para generar una simbólica de estos retos sobre el territorio ecuatoriano. Su obra es el reflejo de una práctica no-moderna en la cual las fronteras entre lo utilitario, lo utópico y lo poético, son cada vez más borrosas. En este texto, planteamos que, a través de las estrategias visuales y sonoras de Grabador fantasma, el artista voltea el régimen colonial tanto del arte como del territorio amazónico. Prestamos también una atención especial al proceso de creación, el cual cuestiona los modelos energéticos modernos y las desigualdades que genera, ofreciéndonos una propuesta alternativa para un régimen estético fuera del modelo económico neoclásico basado en la extracción de energías fósiles.
{"title":"Propuesta para un régimen estético post-extractivista","authors":"Anaïs Roesch","doi":"10.26807/CAV.V0I07.208","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/CAV.V0I07.208","url":null,"abstract":"Con Grabador fantasma (2018), Adrián Balseca cuestiona la materialidad del mundo en la era del Antropóceno. En la actualidad, cuando la influencia de la actividad humana sobre la tierra se volvió una fuerza geológica mayor, capaz de marcar de forma irreversible el ecosistema planetario, Balseca se involucra como artista para generar una simbólica de estos retos sobre el territorio ecuatoriano. Su obra es el reflejo de una práctica no-moderna en la cual las fronteras entre lo utilitario, lo utópico y lo poético, son cada vez más borrosas. En este texto, planteamos que, a través de las estrategias visuales y sonoras de Grabador fantasma, el artista voltea el régimen colonial tanto del arte como del territorio amazónico. Prestamos también una atención especial al proceso de creación, el cual cuestiona los modelos energéticos modernos y las desigualdades que genera, ofreciéndonos una propuesta alternativa para un régimen estético fuera del modelo económico neoclásico basado en la extracción de energías fósiles.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"47 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"80797340","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El presente ensayo visual reúne una selección acotada de imágenes de distinto orden, a manera de muestrario, de un archivo visual más extenso, configurado en los últimos años al rededor del extractivismo. Podríamos señalar a este material de archivo, o su configuración, como una herramienta metodológica, que ha ganado relevancia en mi práctica artística, resultando en un punto de partida de varios proyectos de investigación y/o produc-ción. Iniciado originalmente en 2016 como material de investigación para la muestra The Skin of Labour (Lisboa, 2016) y extendido durante el último año para la muestra Estela blanca (Lima, 2019); este ensayo sugiere al lector un punto de aproximación a las dinámicas extractivas e impactos sociales y medioambientales en un contexto dónde las lógicas del post-neoliberalismo y el capitalismo extractivo en Sudamérica y la región amazónica, se han transformado, planteando nuevos desafíos en territorio. Esta selección en particular busca componer una historiografía visual intermitente sobre la extracción del caucho natural, con especial énfasis en la región amazónica, vinculando este material con el archivo visual de productos manufacturados derivados de la misma materia prima, desde la Segunda Revolución Industrial hasta el presente.
{"title":"Estela Blanca","authors":"Adrián Balseca","doi":"10.26807/cav.v0i07.246","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i07.246","url":null,"abstract":"El presente ensayo visual reúne una selección acotada de imágenes de distinto orden, a manera de muestrario, de un archivo visual más extenso, configurado en los últimos años al rededor del extractivismo. Podríamos señalar a este material de archivo, o su configuración, como una herramienta metodológica, que ha ganado relevancia en mi práctica artística, resultando en un punto de partida de varios proyectos de investigación y/o produc-ción. Iniciado originalmente en 2016 como material de investigación para la muestra The Skin of Labour (Lisboa, 2016) y extendido durante el último año para la muestra Estela blanca (Lima, 2019); este ensayo sugiere al lector un punto de aproximación a las dinámicas extractivas e impactos sociales y medioambientales en un contexto dónde las lógicas del post-neoliberalismo y el capitalismo extractivo en Sudamérica y la región amazónica, se han transformado, planteando nuevos desafíos en territorio. Esta selección en particular busca componer una historiografía visual intermitente sobre la extracción del caucho natural, con especial énfasis en la región amazónica, vinculando este material con el archivo visual de productos manufacturados derivados de la misma materia prima, desde la Segunda Revolución Industrial hasta el presente.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"67 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"78662968","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Gabriela Arhelí García Guerra, Coral Revueltas Valle
La imagen de la mujer representada en el arte se ha transformado conforme el contexto de su época, el cual a su vez estuvo sometido a creencias y propósitos. A dos décadas del siglo XXI es posible identificar los orígenes de los paradigmas en la imagen femenina, así como hacer una crítica hacia estos pensamientos hoy en día obsoletos. De tal manera, el presente texto tiene como propósito señalar algunas de las concepciones femeninas principalmente en México y Latinoamérica. Primero, se señala por medio de diferentes autores como las obras artísticas contienen latentemente elementos de dominación sobre el cuerpo de la mujer, pero también sobre otros grupos vulnerables. Por último, se encuentra a modo de conclusión distintas reflexiones sobre el sentido del arte y el poder que este tiene sobre los espectadores.
{"title":"Los paradigmas femeninos plasmados en el arte y la percepción de la mujer de principios del siglo XXI en México y Latinoamérica","authors":"Gabriela Arhelí García Guerra, Coral Revueltas Valle","doi":"10.26807/CAV.V0I07.210","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/CAV.V0I07.210","url":null,"abstract":"La imagen de la mujer representada en el arte se ha transformado conforme el contexto de su época, el cual a su vez estuvo sometido a creencias y propósitos. A dos décadas del siglo XXI es posible identificar los orígenes de los paradigmas en la imagen femenina, así como hacer una crítica hacia estos pensamientos hoy en día obsoletos. De tal manera, el presente texto tiene como propósito señalar algunas de las concepciones femeninas principalmente en México y Latinoamérica. Primero, se señala por medio de diferentes autores como las obras artísticas contienen latentemente elementos de dominación sobre el cuerpo de la mujer, pero también sobre otros grupos vulnerables. Por último, se encuentra a modo de conclusión distintas reflexiones sobre el sentido del arte y el poder que este tiene sobre los espectadores.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"7 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"82042217","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artículo se propone analizar el discurso sonoro mediante su conversión en representaciones gráficas. Parámetros fundamentales de la música como el tiempo, el espacio intramusical, la intensidad, la instrumentación, entre otros, serán plasmados en forma de imágenes. Para lograr el objetivo se estudia a través de un análisis músico-gráfico la obra La muerte del guerrillero (1968-1969) del compositor Harold Gramatges Leyte-Vidal (Santiago de Cuba, 1918 – La Habana, 2008). Se sugiere así una alternativa práctica y efectiva para el estudio de la música ya que los gráficos resultantes nos ayudarán a entender mejor los posibles significados de la obra.
{"title":"La Muerte del Guerrillero","authors":"R. G. Barrios","doi":"10.26807/CAV.V0I07.175","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/CAV.V0I07.175","url":null,"abstract":"Este artículo se propone analizar el discurso sonoro mediante su conversión en representaciones gráficas. Parámetros fundamentales de la música como el tiempo, el espacio intramusical, la intensidad, la instrumentación, entre otros, serán plasmados en forma de imágenes. Para lograr el objetivo se estudia a través de un análisis músico-gráfico la obra La muerte del guerrillero (1968-1969) del compositor Harold Gramatges Leyte-Vidal (Santiago de Cuba, 1918 – La Habana, 2008). Se sugiere así una alternativa práctica y efectiva para el estudio de la música ya que los gráficos resultantes nos ayudarán a entender mejor los posibles significados de la obra. \u0000 ","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"205 ","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"72555898","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El presente artículo tiene como objetivo desarrollar y reflexionar sobre mi proyecto artístico #body_writer (escritor de cuerpo). Esta obra en proceso, busca evidenciar la manera en la que identidades fluidas que escapan de rígidas normas sociales, buscan espacios y tiempos acordes a sus diversos modos de habitar y estar. Internet, las redes sociales y los espacios virtuales actuales, se disponen como recursos para generar estos nuevos espacios y tiempos, mismos que enriquecen la noción de persona, potenciándola y elevándola con el fin de satisfacer nuevos modos de relación y experiencia entre ella y el resto de usuarios. De ese modo, #body_writer se vale de una relación interdependiente entre arte y tecnología, considerando a los dispositivos electrónicos de comunicación actuales como mediadores o posibilitadores de una interacción ubicua entre el sujeto y la versión digital de sí mismo, ambas vivas y alimentadas mutuamente.
{"title":"#body_writer","authors":"Ernesto Eduardo Salazar Rodríguez","doi":"10.26807/cav.v0i07.209","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/cav.v0i07.209","url":null,"abstract":"El presente artículo tiene como objetivo desarrollar y reflexionar sobre mi proyecto artístico #body_writer (escritor de cuerpo). Esta obra en proceso, busca evidenciar la manera en la que identidades fluidas que escapan de rígidas normas sociales, buscan espacios y tiempos acordes a sus diversos modos de habitar y estar. Internet, las redes sociales y los espacios virtuales actuales, se disponen como recursos para generar estos nuevos espacios y tiempos, mismos que enriquecen la noción de persona, potenciándola y elevándola con el fin de satisfacer nuevos modos de relación y experiencia entre ella y el resto de usuarios. De ese modo, #body_writer se vale de una relación interdependiente entre arte y tecnología, considerando a los dispositivos electrónicos de comunicación actuales como mediadores o posibilitadores de una interacción ubicua entre el sujeto y la versión digital de sí mismo, ambas vivas y alimentadas mutuamente.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"128 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"79554051","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este ensayo presenta una reflexión sobre la trayectoria de Patricio Dalgo Toledo y las obras realizadas para la exhibición Funambular, presentada en la galería Khora, en Quito, en mayo del 2019. En su trabajo, este artista explora el uso de bajas tecnologías y DIY, la experimentación sonora y la investigación en la acústica de los materiales, reflexionando en las estructuras del pensamiento.
{"title":"Ideas funámbulas para un proceso creativo","authors":"Patricio Javier Dalgo Toledo","doi":"10.26807/CAV.V0I07.244","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/CAV.V0I07.244","url":null,"abstract":"Este ensayo presenta una reflexión sobre la trayectoria de Patricio Dalgo Toledo y las obras realizadas para la exhibición Funambular, presentada en la galería Khora, en Quito, en mayo del 2019. En su trabajo, este artista explora el uso de bajas tecnologías y DIY, la experimentación sonora y la investigación en la acústica de los materiales, reflexionando en las estructuras del pensamiento. ","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"51 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"91034714","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
El preguntarme sobre la representación del paisaje urbano fue uno de los detonantes para que paulatinamente fuera accediendo de manera más consciente y crítica a una ciudad que no era aquella que se veía en postales oficiales, podríamos decir que era la ciudad “otra”; la ciudad que se transita. Describo tres metodologías aplicadas a obras realizadas dentro de los períodos 2014-2019.
{"title":"Recorridos y Hallazgos","authors":"Luis Alberto Chenche","doi":"10.26807/CAV.V0I07.227","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/CAV.V0I07.227","url":null,"abstract":"El preguntarme sobre la representación del paisaje urbano fue uno de los detonantes para que paulatinamente fuera accediendo de manera más consciente y crítica a una ciudad que no era aquella que se veía en postales oficiales, podríamos decir que era la ciudad “otra”; la ciudad que se transita. \u0000Describo tres metodologías aplicadas a obras realizadas dentro de los períodos 2014-2019. \u0000 ","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"3 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73404074","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
En 1988 un grupo de familias ocupa una ex-hacienda estatal para fundar Atucucho, hoy un barrio de más de 20.000 habitantes al noroccidente de Quito. Para conmemorar el trigésimo aniversario del barrio, se realizó un cortometraje en el que se dramatizan los primeros momentos de la ocupación. El presente artículo hace uso de las discusiones sobre cine indígena y cine comunitario para recorrer la producción colectiva del cortometraje Atucucho 1988: hecho a mano y esclarecer sus efectos entre los realizadores y colaboradores en torno a la generación de relaciones sociales, recuperación de la memoria histórica, representación e imaginario cultural del sector.
{"title":"Atucucho 1988, hacia un cine-minga","authors":"E. Donoso","doi":"10.26807/CAV.V0I07.182","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/CAV.V0I07.182","url":null,"abstract":"En 1988 un grupo de familias ocupa una ex-hacienda estatal para fundar Atucucho, hoy un barrio de más de 20.000 habitantes al noroccidente de Quito. Para conmemorar el trigésimo aniversario del barrio, se realizó un cortometraje en el que se dramatizan los primeros momentos de la ocupación. El presente artículo hace uso de las discusiones sobre cine indígena y cine comunitario para recorrer la producción colectiva del cortometraje Atucucho 1988: hecho a mano y esclarecer sus efectos entre los realizadores y colaboradores en torno a la generación de relaciones sociales, recuperación de la memoria histórica, representación e imaginario cultural del sector.","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"96 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73396296","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Las generaciones son categorías socialmente construidas que permiten delimitar y definir prácticas artísticas. Cuando este concepto es utilizado en la discursividad por agentes hegemónicos del campo artístico, es posible evidenciar parámetros de valor del arte que se intentan instituir como legítimos. Este artículo estudia el uso operativo del concepto de ‘generación’ en la discursividad producida y difundida por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Mamba) y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) con el objetivo de trazar los lineamientos propuestos en torno a la escena artística argentina del comienzo del siglo XXI.
{"title":"¿Generaciones de artistas? O cómo configurar una escena del arte.","authors":"Agustina Battezzati","doi":"10.26807/CAV.V0I07.225","DOIUrl":"https://doi.org/10.26807/CAV.V0I07.225","url":null,"abstract":"Las generaciones son categorías socialmente construidas que permiten delimitar y definir prácticas artísticas. Cuando este concepto es utilizado en la discursividad por agentes hegemónicos del campo artístico, es posible evidenciar parámetros de valor del arte que se intentan instituir como legítimos. Este artículo estudia el uso operativo del concepto de ‘generación’ en la discursividad producida y difundida por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Mamba) y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) con el objetivo de trazar los lineamientos propuestos en torno a la escena artística argentina del comienzo del siglo XXI. \u0000 ","PeriodicalId":53022,"journal":{"name":"INDEX Revista de Arte Contemporaneo","volume":"48 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2019-06-30","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"74140234","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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