Pub Date : 2021-12-21DOI: 10.32621/acotaciones.2021.47.04
Mariángeles Rodríguez Alonso, Mariángeles Rodríguez Alonso
El presente trabajo argumenta la centralidad de la metáfora en la dramaturgia de Remón en un doble sentido, escénico y poético. Metáfora en el sentido escénico, en tanto la puesta en escena que propone su dramaturgia se recrea en la distancia entre lo representante –actor, escenografía, etc.— y lo representado —ficción teatral—, subrayando la materialidad del primer plano mediante estrategias diegéticas y metateatrales; y metáfora poética en tanto el texto participa del salto del significar poético en el que un término figurado es empleado para decir con más precisión, con mayor intensidad el elemento real. Para ilustrar los procedimientos que vertebran su teatro, el artículo se detiene en el análisis de Cuarenta años de paz, (2015); Barbados (2017); y El autor y la incertidumbre (2020).
{"title":"EL PÉNDULO Y EL PÁJARO: LA CENTRALIDAD DE LA METÁFORA EN EL TEATRO DE REMÓN","authors":"Mariángeles Rodríguez Alonso, Mariángeles Rodríguez Alonso","doi":"10.32621/acotaciones.2021.47.04","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/acotaciones.2021.47.04","url":null,"abstract":"El presente trabajo argumenta la centralidad de la metáfora en la dramaturgia de Remón en un doble sentido, escénico y poético. Metáfora en el sentido escénico, en tanto la puesta en escena que propone su dramaturgia se recrea en la distancia entre lo representante –actor, escenografía, etc.— y lo representado —ficción teatral—, subrayando la materialidad del primer plano mediante estrategias diegéticas y metateatrales; y metáfora poética en tanto el texto participa del salto del significar poético en el que un término figurado es empleado para decir con más precisión, con mayor intensidad el elemento real. Para ilustrar los procedimientos que vertebran su teatro, el artículo se detiene en el análisis de Cuarenta años de paz, (2015); Barbados (2017); y El autor y la incertidumbre (2020).","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"62 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"90119125","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-12-21DOI: 10.32621/acotaciones.2021.47.02
Juan Carlos Díaz Pérez
La necesidad del actor de expresarse en una variedad lingüística desprovista de marcas geográficas suscita la reflexión sobre qué se entiende por acento idiomático no marcado. Si existe realmente el llamado acento neutro, quién decide cuál es ese acento y de dónde surge el concepto, en qué se diferencia de la variedad normativa o correcta de la lengua, por qué se estigmatizan las variedades marcadas regionalmente y qué importancia se le otorga al acento no marcado en el mundo de la interpretación son algunas de las cuestiones de este artículo. Asimismo, se exponen los rasgos característicos del español no marcado a partir de su base de articulación y se proponen algunas pautas para adquirirlo estableciendo una relación con la enseñanza de segundas lenguas.
{"title":"EL ACENTO NO MARCADO DEL ACTOR","authors":"Juan Carlos Díaz Pérez","doi":"10.32621/acotaciones.2021.47.02","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/acotaciones.2021.47.02","url":null,"abstract":"La necesidad del actor de expresarse en una variedad lingüística desprovista de marcas geográficas suscita la reflexión sobre qué se entiende por acento idiomático no marcado. Si existe realmente el llamado acento neutro, quién decide cuál es ese acento y de dónde surge el concepto, en qué se diferencia de la variedad normativa o correcta de la lengua, por qué se estigmatizan las variedades marcadas regionalmente y qué importancia se le otorga al acento no marcado en el mundo de la interpretación son algunas de las cuestiones de este artículo. Asimismo, se exponen los rasgos característicos del español no marcado a partir de su base de articulación y se proponen algunas pautas para adquirirlo estableciendo una relación con la enseñanza de segundas lenguas.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"31 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73288360","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-12-21DOI: 10.32621/acotaciones.2021.47.07
Lucía Zanfardini, Guillermo Riegelhaupt
En este trabajo analizamos la participación de las mujeres en el teatro independiente argentino contemporáneo (2001-2020). Nos concentramos en la ocupación de roles de referencia: dirección, autoría (dramatúrgica y crítico/teórica) y representación institucional, tomando como caso testigo al Instituto Nacional del Teatro. La investigación se nutre de algunos postulados de la Sociología del Arte y de las teorías críticas feministas, especialmente de los estudios sobre participación político-institucional de las mujeres. La metodología es de carácter cuantitativa y el corpus se constituye de datos primarios de acceso público y de información interna de la institución. Los resultados indican que las mujeres acceden en la actualidad a un nivel bajo de participación en todas las categorías analizadas, cercana al 30%. Este dato refuerza la necesidad de planificar políticas con perspectiva de género y abordar el debate de la paridad considerando todos los aspectos de participación de las mujeres en el teatro.
{"title":"MUJERES Y TEATRO INDEPENDIENTE EN ARGENTINA (2001-2020): EL CASO DEL INSTITUTO NACIONAL DEL TEATRO","authors":"Lucía Zanfardini, Guillermo Riegelhaupt","doi":"10.32621/acotaciones.2021.47.07","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/acotaciones.2021.47.07","url":null,"abstract":"En este trabajo analizamos la participación de las mujeres en el teatro independiente argentino contemporáneo (2001-2020). Nos concentramos en la ocupación de roles de referencia: dirección, autoría (dramatúrgica y crítico/teórica) y representación institucional, tomando como caso testigo al Instituto Nacional del Teatro. La investigación se nutre de algunos postulados de la Sociología del Arte y de las teorías críticas feministas, especialmente de los estudios sobre participación político-institucional de las mujeres. La metodología es de carácter cuantitativa y el corpus se constituye de datos primarios de acceso público y de información interna de la institución. Los resultados indican que las mujeres acceden en la actualidad a un nivel bajo de participación en todas las categorías analizadas, cercana al 30%. Este dato refuerza la necesidad de planificar políticas con perspectiva de género y abordar el debate de la paridad considerando todos los aspectos de participación de las mujeres en el teatro.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"128 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"74984092","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-12-21DOI: 10.32621/acotaciones.2021.47.08
Gino Luque
El artículo propone leer La ira de Narciso como un arte poética de Sergio Blanco. Para ello, se interpreta el mito de Narciso como una alegoría de la escritura autoficcional. A partir de dicha premisa, se analizan las dinámicas especulares presentes en la trama y en los mecanismos de composición de la pieza. La combinación de elementos factuales y ficcionales en el relato, el empleo de recursos metateatrales en su construcción, y su indagación en las relaciones entre identidad y alteridad revelan que el texto no solo contiene reflexiones sobre la poética autoficcional del autor, sino que la obra, en sí misma, constituye una performance de estos principios. En esa línea, la narración de la muerte del protagonista es un recurso que, en lugar de contradecir las convenciones del género, subraya la figura poética que lo caracteriza —la paradoja— y reafirma, así, su identidad como autoficción.
{"title":"MORIR EN ESCENA: UNA APROXIMACIÓN A LOS LÍMITES DE LA POÉTICA AUTOFICCIONAL DE","authors":"Gino Luque","doi":"10.32621/acotaciones.2021.47.08","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/acotaciones.2021.47.08","url":null,"abstract":"El artículo propone leer La ira de Narciso como un arte poética de Sergio Blanco. Para ello, se interpreta el mito de Narciso como una alegoría de la escritura autoficcional. A partir de dicha premisa, se analizan las dinámicas especulares presentes en la trama y en los mecanismos de composición de la pieza. La combinación de elementos factuales y ficcionales en el relato, el empleo de recursos metateatrales en su construcción, y su indagación en las relaciones entre identidad y alteridad revelan que el texto no solo contiene reflexiones sobre la poética autoficcional del autor, sino que la obra, en sí misma, constituye una performance de estos principios. En esa línea, la narración de la muerte del protagonista es un recurso que, en lugar de contradecir las convenciones del género, subraya la figura poética que lo caracteriza —la paradoja— y reafirma, así, su identidad como autoficción.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-12-21","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"74631583","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-06-29DOI: 10.32621/acotaciones.2021.46.04
Marina Athanasiou-Taki
In the 21st century, the era of globalization, the technological advancement and the ongoing migration movements, the global com-munity experiences a deep and multi-dimensional crisis (sociopolitical, financial, and cultural). This paper discusses the impact of these multi-ple aspects of the crisis in the theatre of Cyprus, especially during the second decade of the 21st century. The theatre in the time of crisis seems to suffocate within the traditional frames of dramatic theatre. As a re-sult, a group of young directors, without hesitation, confront and keep up with the new trends observed internationally, thus introducing new theatre forms (devised theatre, site-specific theatre, happenings etc.) in the Cypriot theatrical landscape and seeking to develop a new way of dialogue with the audience. Cypriot theatre today uses methods and approaches (ideological and aesthetic) that renounce fundamental the-atrical conventions of dramatic theatre. This fact allows us to talk about experimentation, as well as about presence of elements of post-dramatic theatre in the country. The making of theatre in the public sphere is now an act of social resistance to local and global events and the first step that may lead to political and social change.
{"title":"THE CYPRIOT THEATRE IN THE MIDST OF GLOBAL CRISIS","authors":"Marina Athanasiou-Taki","doi":"10.32621/acotaciones.2021.46.04","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/acotaciones.2021.46.04","url":null,"abstract":"In the 21st century, the era of globalization, the technological advancement and the ongoing migration movements, the global com-munity experiences a deep and multi-dimensional crisis (sociopolitical, financial, and cultural). This paper discusses the impact of these multi-ple aspects of the crisis in the theatre of Cyprus, especially during the second decade of the 21st century. The theatre in the time of crisis seems to suffocate within the traditional frames of dramatic theatre. As a re-sult, a group of young directors, without hesitation, confront and keep up with the new trends observed internationally, thus introducing new theatre forms (devised theatre, site-specific theatre, happenings etc.) in the Cypriot theatrical landscape and seeking to develop a new way of dialogue with the audience. Cypriot theatre today uses methods and approaches (ideological and aesthetic) that renounce fundamental the-atrical conventions of dramatic theatre. This fact allows us to talk about experimentation, as well as about presence of elements of post-dramatic theatre in the country. The making of theatre in the public sphere is now an act of social resistance to local and global events and the first step that may lead to political and social change.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"11 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-06-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"82885236","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-06-29DOI: 10.32621/acotaciones.2021.46.08
Regina Solis Miranda, Fernando Valcheff García, Sara Hermo Nieto
La pandemia de COVID-19 obligó a tomar estrictas medidas de aislamiento social durante la mayor parte del año 2020. Tras semanas de suspensión indefinida de espectáculos artísticos presenciales, se pro-dujo el surgimiento de modalidades innovadoras de expresión como res-puesta a lo que supuso una crisis sin precedentes para el sector cultural a nivel global en la era contemporánea. Partiendo de dicho contexto, el presente artículo aborda el fenómeno del teatro virtual focalizándose en el proyecto #LiveOnlineNow llevado adelante por la productora teatral mexicana Tercera Llamada vía Zoom. Nuestro estudio toma como ob-jeto de análisis tres de sus puestas en escena virtuales proponiendo pen-sar la práctica del teatro en tiempos de confinamiento como un espacio de convergencia que apela a reforzar el sentido de comunidad. En torno a esta noción, planteamos cuatro ejes de análisis: el contexto de apoyo a las artes en México; los guiones y patrones temáticos de las obras; el uso de la tecnología en los procesos de producción, montaje, convo-catoria y transmisión; y las relaciones intermediales que atraviesan las puestas. La activa resistencia ejercida por las artes escénicas al apostar por instancias colaborativas en la migración al medio virtual, motiva a examinar las conexiones entre el formato tradicional y el telepresencial, tanto como a cuestionar y replantear la noción misma de «teatro». En este sentido, nuestras observaciones críticas buscan reflexionar acerca de las posibilidades y desafíos que estas nuevas experiencias teatrales suponen para las y los creadores e intérpretes.
{"title":"TEATRO EN TIEMPOS DE PANDEMIA: UNA LLAMADA AL ENCUENTRO","authors":"Regina Solis Miranda, Fernando Valcheff García, Sara Hermo Nieto","doi":"10.32621/acotaciones.2021.46.08","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/acotaciones.2021.46.08","url":null,"abstract":"La pandemia de COVID-19 obligó a tomar estrictas medidas de aislamiento social durante la mayor parte del año 2020. Tras semanas de suspensión indefinida de espectáculos artísticos presenciales, se pro-dujo el surgimiento de modalidades innovadoras de expresión como res-puesta a lo que supuso una crisis sin precedentes para el sector cultural a nivel global en la era contemporánea. Partiendo de dicho contexto, el presente artículo aborda el fenómeno del teatro virtual focalizándose en el proyecto #LiveOnlineNow llevado adelante por la productora teatral mexicana Tercera Llamada vía Zoom. Nuestro estudio toma como ob-jeto de análisis tres de sus puestas en escena virtuales proponiendo pen-sar la práctica del teatro en tiempos de confinamiento como un espacio de convergencia que apela a reforzar el sentido de comunidad. En torno a esta noción, planteamos cuatro ejes de análisis: el contexto de apoyo a las artes en México; los guiones y patrones temáticos de las obras; el uso de la tecnología en los procesos de producción, montaje, convo-catoria y transmisión; y las relaciones intermediales que atraviesan las puestas. La activa resistencia ejercida por las artes escénicas al apostar por instancias colaborativas en la migración al medio virtual, motiva a examinar las conexiones entre el formato tradicional y el telepresencial, tanto como a cuestionar y replantear la noción misma de «teatro». En este sentido, nuestras observaciones críticas buscan reflexionar acerca de las posibilidades y desafíos que estas nuevas experiencias teatrales suponen para las y los creadores e intérpretes.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"22 5 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-06-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"78117543","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-06-29DOI: 10.32621/acotaciones.2021.46.03
Eleni Guini
En el período que nos ocupa —desde 2010 hasta la actuali-dad— caracterizado como una época de crisis que todavía no ha aca-bado, debemos reflexionar sobre cómo se involucra el teatro en la crisis y actúa en paralelo, al emitir juicios, plantear preguntas y mantener un diálogo con la sociedad. El presente ensayo analiza tres creaciones tea-trales que presentan su trabajo en la escena griega y europea y que han obtenido un notable éxito. La elección del dúo de directores Azás -Tsini-coris, el grupo Station Athens de Marcopulu y el grupo Blitz, respondió a dos consideraciones: por un lado, su temática, que expone puntos co-munes como la emigración, la xenofobia, la violencia y la melancolía pro-vocada por la resistencia a un mundo cruel, y, por otro lado, sus textos, que proceden de la ficción y el documental, y que son fruto de la labor común de todo el grupo. La intertextualidad, la alegoría y el realismo del formato como documento, componen representaciones vertebradas, road movies sin desplazamiento, relatos tragicómicos de la violencia de los siglos XX y XXI, versiones de canciones con guiños bien reconocibles a la coyuntura de crisis actual. Actores amateurs y profesionales, inmi-grantes, ciudadanos de la calle, directores que cuentan con la tecnología como coprotagonista, transforman experiencias e ideas en un fecundo género metateatral.
{"title":"TEATRO POSDRAMÁTICO EN TIEMPOS DE CRISIS: TRES EJEMPLOS DE TEATRO DOCUMENTO Y TEATRO DE CREACIÓN","authors":"Eleni Guini","doi":"10.32621/acotaciones.2021.46.03","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/acotaciones.2021.46.03","url":null,"abstract":"En el período que nos ocupa —desde 2010 hasta la actuali-dad— caracterizado como una época de crisis que todavía no ha aca-bado, debemos reflexionar sobre cómo se involucra el teatro en la crisis y actúa en paralelo, al emitir juicios, plantear preguntas y mantener un diálogo con la sociedad. El presente ensayo analiza tres creaciones tea-trales que presentan su trabajo en la escena griega y europea y que han obtenido un notable éxito. La elección del dúo de directores Azás -Tsini-coris, el grupo Station Athens de Marcopulu y el grupo Blitz, respondió a dos consideraciones: por un lado, su temática, que expone puntos co-munes como la emigración, la xenofobia, la violencia y la melancolía pro-vocada por la resistencia a un mundo cruel, y, por otro lado, sus textos, que proceden de la ficción y el documental, y que son fruto de la labor común de todo el grupo. La intertextualidad, la alegoría y el realismo del formato como documento, componen representaciones vertebradas, road movies sin desplazamiento, relatos tragicómicos de la violencia de los siglos XX y XXI, versiones de canciones con guiños bien reconocibles a la coyuntura de crisis actual. Actores amateurs y profesionales, inmi-grantes, ciudadanos de la calle, directores que cuentan con la tecnología como coprotagonista, transforman experiencias e ideas en un fecundo género metateatral.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"41 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-06-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"89448232","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-06-29DOI: 10.32621/acotaciones.2021.46.05
Luz Elena Muñoz Salazar
La investigación se llevó a cabo con el objetivo de develar los núcleos significativos del desarraigo de cuatro integrantes de la fami-lia Muñoz Salazar, para la construcción de la obra dramatúrgica Coroteo. Para este ejercicio de investigación creación, se eligió una metodología de enfoque cualitativo, y el instrumento utilizado fue el biograma mo-dificado de García (2007). Se logró determinar que los cuatro núcleos significativos sobre el desarraigo son el silencio autoimpuesto como es-trategia de evasión, la vivienda como relato de destierro, el empleo in-fantil e informal y el aprendizaje situado como evidencia de resiliencia, las cuales se asumen como las líneas creativas para la consolidación del texto dramático Coroteo.
{"title":"EL COROTEO COMO METÁFORA DEL DESTIERRO. PROCESO DE CREACIÓN DESDE LA DRAMATURGIA AUTORREFERENCIAL","authors":"Luz Elena Muñoz Salazar","doi":"10.32621/acotaciones.2021.46.05","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/acotaciones.2021.46.05","url":null,"abstract":"La investigación se llevó a cabo con el objetivo de develar los núcleos significativos del desarraigo de cuatro integrantes de la fami-lia Muñoz Salazar, para la construcción de la obra dramatúrgica Coroteo. Para este ejercicio de investigación creación, se eligió una metodología de enfoque cualitativo, y el instrumento utilizado fue el biograma mo-dificado de García (2007). Se logró determinar que los cuatro núcleos significativos sobre el desarraigo son el silencio autoimpuesto como es-trategia de evasión, la vivienda como relato de destierro, el empleo in-fantil e informal y el aprendizaje situado como evidencia de resiliencia, las cuales se asumen como las líneas creativas para la consolidación del texto dramático Coroteo.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"7 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-06-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"82183582","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-06-29DOI: 10.32621/ACOTACIONES.2021.46.01
E. Evangelou
The article aims to examine the interconnectedness between a global health crisis and a performing arts festival, within a contested space. The COVID-19 global health crisis interacted with the geogra-phy of Cyprus and Nicosia, a space defined by its separating line, in the context of the Buffer Fringe Performing Arts Festival 2020. As a result, part of the theatrical praxis has come to be re-defined based on the new emergency of the global health crisis. It has reframed much of the praxis that rests in the gap between a political act and an interventionist practice. The article firstly presents the curatorial approach as that emerged from the 2019 Festival with the interplay between methodology and con-tent, leading to the formulation and implementation of the 2020 festival as a physical and digital event in the midst of the pandemic. The maneu-vering through the limitations of the health crisis, fostered processes of newly formulating the Open Call, cancelling and postponing, creating new norms and conditions to maintain the inclusive character of the Festival and create new audiences. This process resulted in redefining the contested space itself, and the notions of the ‘marginal’, the ‘stranger’ and the ‘other’ in Cyprus, as well as part of the digital and international dimensions of the Festival.
{"title":"A Global Crisis in a Contested Space: Curating the Buffer Fringe Performing Arts Festival 2020","authors":"E. Evangelou","doi":"10.32621/ACOTACIONES.2021.46.01","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/ACOTACIONES.2021.46.01","url":null,"abstract":"The article aims to examine the interconnectedness between a global health crisis and a performing arts festival, within a contested space. The COVID-19 global health crisis interacted with the geogra-phy of Cyprus and Nicosia, a space defined by its separating line, in the context of the Buffer Fringe Performing Arts Festival 2020. As a result, part of the theatrical praxis has come to be re-defined based on the new emergency of the global health crisis. It has reframed much of the praxis that rests in the gap between a political act and an interventionist practice. The article firstly presents the curatorial approach as that emerged from the 2019 Festival with the interplay between methodology and con-tent, leading to the formulation and implementation of the 2020 festival as a physical and digital event in the midst of the pandemic. The maneu-vering through the limitations of the health crisis, fostered processes of newly formulating the Open Call, cancelling and postponing, creating new norms and conditions to maintain the inclusive character of the Festival and create new audiences. This process resulted in redefining the contested space itself, and the notions of the ‘marginal’, the ‘stranger’ and the ‘other’ in Cyprus, as well as part of the digital and international dimensions of the Festival.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"5 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-06-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81687680","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2021-06-29DOI: 10.32621/ACOTACIONES.2021.46.07
Ana Prieto Nadal
La obra del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco se ha convertido, en los últimos años, en uno de los máximos exponentes del teatro autoficcional. En COVID-451, escrita en tiempos de pan-demia y estrenada en julio de 2020 en el Teatre Lliure de Barcelona, Blanco amplía el espectro de la autoficción para llegar a la «alterficción»; extrapola el método de trabajo y acaba implicando a cinco trabajadores del ámbito sanitario que vivieron en primera persona la situación de emergencia hospitalaria. El juego metateatral y metaficcional de Sergio Blanco superpone el periplo clínico —imaginado a partir de un proto-colo plausible— a la sala de ensayos. En este artículo nos proponemos analizar hasta qué punto el hecho de acoger a esos cinco profesionales en escena supone ampliar los mecanismos y estrategias de la autoficción a otros actantes.
{"title":"COVID-451, DE SERGIO BLANCO: UNA ALTERFICCIÓN EN TIEMPOS DE PANDEMIA","authors":"Ana Prieto Nadal","doi":"10.32621/ACOTACIONES.2021.46.07","DOIUrl":"https://doi.org/10.32621/ACOTACIONES.2021.46.07","url":null,"abstract":"La obra del dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco se ha convertido, en los últimos años, en uno de los máximos exponentes del teatro autoficcional. En COVID-451, escrita en tiempos de pan-demia y estrenada en julio de 2020 en el Teatre Lliure de Barcelona, Blanco amplía el espectro de la autoficción para llegar a la «alterficción»; extrapola el método de trabajo y acaba implicando a cinco trabajadores del ámbito sanitario que vivieron en primera persona la situación de emergencia hospitalaria. El juego metateatral y metaficcional de Sergio Blanco superpone el periplo clínico —imaginado a partir de un proto-colo plausible— a la sala de ensayos. En este artículo nos proponemos analizar hasta qué punto el hecho de acoger a esos cinco profesionales en escena supone ampliar los mecanismos y estrategias de la autoficción a otros actantes.","PeriodicalId":36745,"journal":{"name":"Acotaciones","volume":"17 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2021-06-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81621148","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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