O artigo discute a aplicabilidade da atual teoria de subáreas da Música a partir de análises documentais qualitativas e quantitativas de produtos de pesquisa, regulamentos de programas de pós-graduação e chamadas de trabalho de eventos acadêmicos, debatidos à luz das trajetórias de associações acadêmicas no Brasil e no exterior e de teorias musicológicas. As análises revelaram um descompasso entre a teoria promovida em discursos e a teoria de fato colocada em prática pelos pesquisadores da própria área, constatação que levou à elaboração de uma discussão conceitual a respeito da forma com que se segmenta a área da Música no Brasil atualmente. Foram identificadas iniciativas específicas que já adotam abertamente uma nova forma de trabalhar com subáreas, que constituem, ao final do debate, um conjunto de encaminhamentos viáveis para renovar a teoria musicológica frente às práticas já em ação no país.
{"title":"A árvore e a rede: repensando nossa teoria para a área da Música","authors":"Renato Borges","doi":"10.20504/opus2022.28.26","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.26","url":null,"abstract":"O artigo discute a aplicabilidade da atual teoria de subáreas da Música a partir de análises documentais qualitativas e quantitativas de produtos de pesquisa, regulamentos de programas de pós-graduação e chamadas de trabalho de eventos acadêmicos, debatidos à luz das trajetórias de associações acadêmicas no Brasil e no exterior e de teorias musicológicas. As análises revelaram um descompasso entre a teoria promovida em discursos e a teoria de fato colocada em prática pelos pesquisadores da própria área, constatação que levou à elaboração de uma discussão conceitual a respeito da forma com que se segmenta a área da Música no Brasil atualmente. Foram identificadas iniciativas específicas que já adotam abertamente uma nova forma de trabalhar com subáreas, que constituem, ao final do debate, um conjunto de encaminhamentos viáveis para renovar a teoria musicológica frente às práticas já em ação no país.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"54 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-12-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"75260067","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Neste trabalho descrevemos os procedimentos composicionais utilizados no planejamento de uma obra para quinteto de metais, cujos materiais são oriundos de séries quadráticas e séries não dodecafônicas. As primeiras possibilitam a criação de matrizes dodecafônicas com 96 formas seriais, ou seja, o dobro das possibilidades disponíveis no dodecafonismo tradicional. As segundas nos permitem manipular séries com cardinalidade menor do que doze e, com elas, produzir matrizes que podem ser mapeadas em diversos parâmetros musicais, tais como altura, dinâmicas, articulações etc. As bases teóricas para a construção de séries quadráticas se originam nos estudos sobre simetria musical, com especial foco nas operações de rotação em torno de cinco eixos. Adicionalmente, serão utilizados repositórios construídos a partir de contrapontos dissonantes como elementos de contraste.
{"title":"Séries quadráticas e não dodecafônicas como estruturas fundamentais na construção de uma obra para quinteto de metais","authors":"Liduino Pitombeira","doi":"10.20504/opus2022.28.28","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.28","url":null,"abstract":"Neste trabalho descrevemos os procedimentos composicionais utilizados no planejamento de uma obra para quinteto de metais, cujos materiais são oriundos de séries quadráticas e séries não dodecafônicas. As primeiras possibilitam a criação de matrizes dodecafônicas com 96 formas seriais, ou seja, o dobro das possibilidades disponíveis no dodecafonismo tradicional. As segundas nos permitem manipular séries com cardinalidade menor do que doze e, com elas, produzir matrizes que podem ser mapeadas em diversos parâmetros musicais, tais como altura, dinâmicas, articulações etc. As bases teóricas para a construção de séries quadráticas se originam nos estudos sobre simetria musical, com especial foco nas operações de rotação em torno de cinco eixos. Adicionalmente, serão utilizados repositórios construídos a partir de contrapontos dissonantes como elementos de contraste.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"22 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-12-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"75160843","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este artigo apresenta evidências sobre a influência de elementos musicais de origem banto em montagens de funk carioca realizadas na primeira metade da década de 1990. Com base nos trabalhos de Mukuna (1990) e Mukuna e Pinto (1998), sobre persistências e descartes nos processos musicais da Diáspora Africana, o presente trabalho de pesquisa demonstra a inclusão de sonoridades afrodiaspóricas no que ficou conhecido como nacionalização do funk carioca a partir de 1989. Para a realização desta etnografia histórica, foram utilizados os seguintes métodos: a) pesquisa exploratória em produções musicais da época, como as montagens da Equipe Pipo’s e do DJ Alessandro (Equipe Laser Rio), b) entrevistas semiestruturadas com produtores da época, e c) análise musical. Em suma, demonstrou-se a existência da: 1) popularização da técnica de produção de montagens a partir do advento de samplers acessíveis a produtores e equipes de pequeno e médio porte do Rio de Janeiro; 2) utilização de uma gravação acústica do instrumento berimbau na montagem intitulada Berimbau, da Equipe Pipo’s, e o início de uma fase do processo de nacionalização estabelecida entre a capoeira e as produções musicais associadas aos bailes funk; 3) influência da montagem Berimbau da Pipo’s para as montagens criadas pelo DJ Alessandro da Equipe Laser Rio com elementos oriundos da capoeira e do maculelê; e 4) relação de continuidade estabelecida entre o toque maculelê, tido por base na montagem intitulada Macumba Lelê (1994), com o toque congo de ouro (candomblé de caboclo) e o ciclo rítmico do congo, de origem banto.
这篇文章提供了证据的音乐元素的起源班托在里约热内卢放克蒙太奇在90年代上半叶。基于Mukuna(1990)和Mukuna e Pinto(1998)关于非洲散居侨民音乐过程中的持久性和笛卡尔的作品，这项研究工作表明，自1989年以来，非洲散居侨民的声音被纳入了所谓的里约热内卢放克国有化。为了实现这一历史民族志，我们采用了以下方法:a)对当时的音乐作品进行探索性研究，如Pipo’s团队和DJ Alessandro (Laser里约热内卢团队)的作品;b)对当时制作人的半结构化访谈;c)音乐分析。简而言之，它证明了:1)在里约热内卢里约热内卢的生产者和中小型团队可获得的取样器的出现后，组装生产技术的普及;2)在名为berimbau的Pipo团队的蒙太奇中使用berimbau乐器的录音，并开始了在卡波耶拉和与放克舞蹈相关的音乐作品之间建立的国有化进程的一个阶段;3) Pipo的Berimbau组合对Laser里约热内卢团队DJ Alessandro创作的组合的影响，元素来自capoeira和maculele;4)基于名为Macumba lele(1994)的蒙托亚的toque Macumba与toque congo de ouro (candomble de caboclo)和banto起源的刚果节奏循环之间建立的连续性关系。
{"title":"Montagens de funk carioca: processos afrodiaspóricos com o ciclo rítmico do congo, a capoeira e o maculelê","authors":"Renan Moutinho","doi":"10.20504/opus2022.28.22","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.22","url":null,"abstract":"Este artigo apresenta evidências sobre a influência de elementos musicais de origem banto em montagens de funk carioca realizadas na primeira metade da década de 1990. Com base nos trabalhos de Mukuna (1990) e Mukuna e Pinto (1998), sobre persistências e descartes nos processos musicais da Diáspora Africana, o presente trabalho de pesquisa demonstra a inclusão de sonoridades afrodiaspóricas no que ficou conhecido como nacionalização do funk carioca a partir de 1989. Para a realização desta etnografia histórica, foram utilizados os seguintes métodos: a) pesquisa exploratória em produções musicais da época, como as montagens da Equipe Pipo’s e do DJ Alessandro (Equipe Laser Rio), b) entrevistas semiestruturadas com produtores da época, e c) análise musical. Em suma, demonstrou-se a existência da: 1) popularização da técnica de produção de montagens a partir do advento de samplers acessíveis a produtores e equipes de pequeno e médio porte do Rio de Janeiro; 2) utilização de uma gravação acústica do instrumento berimbau na montagem intitulada Berimbau, da Equipe Pipo’s, e o início de uma fase do processo de nacionalização estabelecida entre a capoeira e as produções musicais associadas aos bailes funk; 3) influência da montagem Berimbau da Pipo’s para as montagens criadas pelo DJ Alessandro da Equipe Laser Rio com elementos oriundos da capoeira e do maculelê; e 4) relação de continuidade estabelecida entre o toque maculelê, tido por base na montagem intitulada Macumba Lelê (1994), com o toque congo de ouro (candomblé de caboclo) e o ciclo rítmico do congo, de origem banto.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-12-26","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"73487069","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
O presente trabalho apresenta resultados de estudo da trilha musical composta por Antonio Carlos Jobim (1927-1994) para o filme Porto das Caixas, longa-metragem ficcional dirigido por Paulo César Saraceni (1933-2012) em 1962. Para tanto, foram consultadas quatro fontes principais: o manuscrito autógrafo de Tom Jobim para a trilha musical; obras posteriormente gravadas pelo compositor em seus trabalhos solo, as quais contém arranjos de materiais musicais presentes no filme; cópia digitalizada do filme; excertos de crítica cinematográfica publicados na imprensa brasileira à época, além de informações sobre o filme disponíveis no acervo Filmografia Brasileira, da Cinemateca Brasileira. A análise envolveu aspectos relativos à compreensão do filme como fenômeno audiovisual narrativo, a partir das reflexões de Jacques Aumont e Michel Marie (2003), Ismail Xavier (2005) e Jean-Claude Bernardet (2007). Já a música de Porto das Caixas foi analisada em seus aspectos morfológicos, a partir da transcrição aural e edição em partitura de todas as 26 faixas de áudio apresentadas durante a película. Tais fontes embasaram a construção de uma interpretação a respeito das características estilísticas e da função da trilha musical frente à estrutura narrativa do filme, tendo como base conceitos e metodologia de análise sobre música de filme formulados por Gorbman (1987), Cooke (2001) e Chion (2011). Neste sentido, o texto aqui apresentado sinaliza a possibilidade de compreensão do filme que considera seus elementos musicais como camada essencial na estruturação de uma narrativa fílmica caracterizada pela noção de anempatia.
{"title":"A música de Antonio Carlos Jobim para o filme Porto das Caixas","authors":"F. Poletto, Marllon Silva","doi":"10.20504/opus2022.28.20","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.20","url":null,"abstract":"O presente trabalho apresenta resultados de estudo da trilha musical composta por Antonio Carlos Jobim (1927-1994) para o filme Porto das Caixas, longa-metragem ficcional dirigido por Paulo César Saraceni (1933-2012) em 1962. Para tanto, foram consultadas quatro fontes principais: o manuscrito autógrafo de Tom Jobim para a trilha musical; obras posteriormente gravadas pelo compositor em seus trabalhos solo, as quais contém arranjos de materiais musicais presentes no filme; cópia digitalizada do filme; excertos de crítica cinematográfica publicados na imprensa brasileira à época, além de informações sobre o filme disponíveis no acervo Filmografia Brasileira, da Cinemateca Brasileira. A análise envolveu aspectos relativos à compreensão do filme como fenômeno audiovisual narrativo, a partir das reflexões de Jacques Aumont e Michel Marie (2003), Ismail Xavier (2005) e Jean-Claude Bernardet (2007). Já a música de Porto das Caixas foi analisada em seus aspectos morfológicos, a partir da transcrição aural e edição em partitura de todas as 26 faixas de áudio apresentadas durante a película. Tais fontes embasaram a construção de uma interpretação a respeito das características estilísticas e da função da trilha musical frente à estrutura narrativa do filme, tendo como base conceitos e metodologia de análise sobre música de filme formulados por Gorbman (1987), Cooke (2001) e Chion (2011). Neste sentido, o texto aqui apresentado sinaliza a possibilidade de compreensão do filme que considera seus elementos musicais como camada essencial na estruturação de uma narrativa fílmica caracterizada pela noção de anempatia.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"23 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-12-26","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"86339343","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Neste artigo, discutimos alguns aspectos técnico-musicais relacionados à performance de instrumentistas de sopro no contexto do sambajazz, registrados em fonogramas produzidos entre 1963 e 1965. Por meio da descrição analítica de elementos técnico-musicais presentes na interpretação de tais performers, realizada a partir de transcrições de excertos de doze fonogramas tidos como standards do gênero, investigamos a recorrência de recursos interpretativos, notadamente no que concerne a articulações e inflexões. A partir disso, foi possível constatar que: a) nos casos em que há mais de um instrumentista de sopro envolvido no mesmo fonograma, há determinadas “irregularidades” – deliberadas ou não – resultantes da não coincidência de detalhes interpretativos referentes a ritmo, articulações e inflexões; b) as articulações e inflexões mais recorrentes nesta órbita estético-musical são as mesmas encontradas na discografia do jazz, notadamente o bebop. Por fim, na reflexão empreendida concluímos que, nesse contexto estético e período, em alguns casos a noção de performance de sopros é resultado não somente de nuances interpretativas, mas também da tomada de “liberdades melódicas” por parte dos performers ao expor um tema. Desta maneira, entendemos que os elementos recorrentes da performance de instrumentos de sopro no sambajazz produzido nessa época englobam articulações, inflexões e ornamentação improvisada da melodia.
{"title":"Elementos recorrentes na performance de sopros no sambajazz – 1963 a 1965","authors":"R. Silva, Maico Lopes","doi":"10.20504/opus2022.28.21","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.21","url":null,"abstract":"Neste artigo, discutimos alguns aspectos técnico-musicais relacionados à performance de instrumentistas de sopro no contexto do sambajazz, registrados em fonogramas produzidos entre 1963 e 1965. Por meio da descrição analítica de elementos técnico-musicais presentes na interpretação de tais performers, realizada a partir de transcrições de excertos de doze fonogramas tidos como standards do gênero, investigamos a recorrência de recursos interpretativos, notadamente no que concerne a articulações e inflexões. A partir disso, foi possível constatar que: a) nos casos em que há mais de um instrumentista de sopro envolvido no mesmo fonograma, há determinadas “irregularidades” – deliberadas ou não – resultantes da não coincidência de detalhes interpretativos referentes a ritmo, articulações e inflexões; b) as articulações e inflexões mais recorrentes nesta órbita estético-musical são as mesmas encontradas na discografia do jazz, notadamente o bebop. Por fim, na reflexão empreendida concluímos que, nesse contexto estético e período, em alguns casos a noção de performance de sopros é resultado não somente de nuances interpretativas, mas também da tomada de “liberdades melódicas” por parte dos performers ao expor um tema. Desta maneira, entendemos que os elementos recorrentes da performance de instrumentos de sopro no sambajazz produzido nessa época englobam articulações, inflexões e ornamentação improvisada da melodia.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"13 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-12-26","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"78880081","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
A evolução da linguagem musical em Hindemith e Schönberg, em dois pólos europeus de Berlim e Viena, de alguma forma se enraizou numa vertente comum nas obras de início do séc. XX, pela conexão ao movimento expressionista. Embora assumindo formas diferentes nos dois compositores, o direcionamento via um crescente atonalismo acompanhou a integração da estética expressionista, com temas de introspecção freudiana, sendo que a fragilidade psicológica explorada no Expressionismo como abordagem existencial e social se traduziu num cromatismo crescente até à dissolução total da tonalidade e, por redundância, numa anulação dos elementos constitutivos de discurso musical, enquanto o próprio discurso e a psique das personagens se fragmentavam, explorando os limites do possível ou do aceitável. Depois desta fase, cada um dos compositores seguiu o seu caminho, consolidando o seu próprio sistema musical numa reorganização cabal do material que, tendo passado por um processo de desconstrução extrema, reaparecia totalmente reorganizado.
{"title":"O impacto do movimento expressionista em Schönberg e Hindemith","authors":"Helena Carvalho","doi":"10.20504/opus2022.28.18","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.18","url":null,"abstract":"A evolução da linguagem musical em Hindemith e Schönberg, em dois pólos europeus de Berlim e Viena, de alguma forma se enraizou numa vertente comum nas obras de início do séc. XX, pela conexão ao movimento expressionista. Embora assumindo formas diferentes nos dois compositores, o direcionamento via um crescente atonalismo acompanhou a integração da estética expressionista, com temas de introspecção freudiana, sendo que a fragilidade psicológica explorada no Expressionismo como abordagem existencial e social se traduziu num cromatismo crescente até à dissolução total da tonalidade e, por redundância, numa anulação dos elementos constitutivos de discurso musical, enquanto o próprio discurso e a psique das personagens se fragmentavam, explorando os limites do possível ou do aceitável. Depois desta fase, cada um dos compositores seguiu o seu caminho, consolidando o seu próprio sistema musical numa reorganização cabal do material que, tendo passado por um processo de desconstrução extrema, reaparecia totalmente reorganizado.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"1 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-12-23","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"76108732","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Organizado por André Egg e publicado em 2016 pela editora CRV, o livro Música, cultura e sociedade: dilemas do moderno é uma obra para consulta temática, destinada a estudantes e pesquisadores que buscam se atualizar em relação às pesquisas que vêm sendo realizadas na área da Música. Reúne onze textos, de onze autores e autoras diferentes, que tratam, de maneira geral, das relações de produção e veiculação de música, do século XIX ao século XXI, utilizando os meios de comunicação disponíveis em cada época. Com um olhar crítico, a presente resenha busca destacar os pontos principais de cada um dos textos, que estão divididos em duas partes: Modernismo, instituições, crítica musical e musicologia, composta por cinco textos, e Meios de comunicação, identidades e música brasileira, que reúne outros seis textos.
{"title":"Resenha do livro Música, cultura e sociedade","authors":"Nira Pomar","doi":"10.20504/opus2022.28.19","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.19","url":null,"abstract":"Organizado por André Egg e publicado em 2016 pela editora CRV, o livro Música, cultura e sociedade: dilemas do moderno é uma obra para consulta temática, destinada a estudantes e pesquisadores que buscam se atualizar em relação às pesquisas que vêm sendo realizadas na área da Música. Reúne onze textos, de onze autores e autoras diferentes, que tratam, de maneira geral, das relações de produção e veiculação de música, do século XIX ao século XXI, utilizando os meios de comunicação disponíveis em cada época. Com um olhar crítico, a presente resenha busca destacar os pontos principais de cada um dos textos, que estão divididos em duas partes: Modernismo, instituições, crítica musical e musicologia, composta por cinco textos, e Meios de comunicação, identidades e música brasileira, que reúne outros seis textos.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"10 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-12-23","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"80150888","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
O gondoleiro do amor, com versos de Castro Alves (1847-1851), é uma modinha clássica do repertório seresteiro registrada em disco inúmeras vezes ao longo do século XX. Tomando como objeto as gravações em 78 rpm da canção disponíveis na Discografia Brasileira (Instituto Moreira Salles), o artigo acompanha sua trajetória, em transcrições das performances gravadas, para investigar as adequações prosódicas feitas por intérpretes no estilo “seresteiro” e “sertanejo” entre 1909 e 1960. O estudo foi conduzido em etapas: inicialmente a investigação sobre a atribuição de autoria da música de O gondoleiro do amor; depois a definição de barcarola como gênero literário e gênero musical; a seguir um levantamento sobre a poesia de Castro Alves no cancioneiro popular; a revisão e discussão sobre o processo de transmissão e metodologia de transcrição musicais; a apresentação e análise das transcrições das gravações; a conclusão com as contribuições do estudo para a musicologia. No processo de contextualização histórica de O gondoleiro do amor, à luz de nova documentação a partir de garimpo na Hemeroteca Digital Brasileira (Biblioteca Nacional), foram encontradas evidências sobre a autoria de sua música que questionam a historiografia vigente. A discussão sobre transcrição mostra que, no caso dos estudos da música popular, são úteis para a análise musical tanto a notação tradicional quanto a imagem de espectrogramas; a primeira apontando aspectos gerais dos parâmetros altura e duração do som, a segunda mostrando detalhes da sua intensidade e timbre.
《爱的gondoleiro do amor》是一首经典的摩丁哈舞曲，由卡斯特罗·阿尔维斯(Castro Alves, 1847-1851)创作，在20世纪被记录了无数次。本文以巴西唱片公司(Instituto Moreira Salles) 78转的歌曲录音为研究对象，通过录音表演的转录，跟踪其发展轨迹，以调查1909年至1960年间“seresteiro”和“sertanejo”风格的表演者所做的韵律调整。这项研究是分阶段进行的:首先是对《O gondoleiro do amor》歌曲的作者归属的调查，然后是对《O gondoleiro do amor》歌曲的作者归属的调查然后将barcarola定义为文学体裁和音乐体裁;以下是对《流行歌曲集》中卡斯特罗·阿尔维斯诗歌的调查;回顾和讨论音乐的传播过程和转录方法;介绍和分析录音的文字记录;结论与研究对音乐学的贡献。在《O gondoleiro do amor》的历史语境化过程中，根据巴西数字报纸(国家图书馆)的新文献，发现了对其音乐作者身份的证据，这对当前的史学提出了质疑。关于转录的讨论表明，在流行音乐研究的情况下，传统的记谱法和谱图的图像对音乐分析都是有用的;第一个显示音调和持续时间参数的一般方面，第二个显示其强度和音色的细节。
{"title":"O gondoleiro do amor: a trajetória de uma canção","authors":"M. Ulhôa, Marcílio Lopes","doi":"10.20504/opus2022.28.17","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.17","url":null,"abstract":"O gondoleiro do amor, com versos de Castro Alves (1847-1851), é uma modinha clássica do repertório seresteiro registrada em disco inúmeras vezes ao longo do século XX. Tomando como objeto as gravações em 78 rpm da canção disponíveis na Discografia Brasileira (Instituto Moreira Salles), o artigo acompanha sua trajetória, em transcrições das performances gravadas, para investigar as adequações prosódicas feitas por intérpretes no estilo “seresteiro” e “sertanejo” entre 1909 e 1960. O estudo foi conduzido em etapas: inicialmente a investigação sobre a atribuição de autoria da música de O gondoleiro do amor; depois a definição de barcarola como gênero literário e gênero musical; a seguir um levantamento sobre a poesia de Castro Alves no cancioneiro popular; a revisão e discussão sobre o processo de transmissão e metodologia de transcrição musicais; a apresentação e análise das transcrições das gravações; a conclusão com as contribuições do estudo para a musicologia. No processo de contextualização histórica de O gondoleiro do amor, à luz de nova documentação a partir de garimpo na Hemeroteca Digital Brasileira (Biblioteca Nacional), foram encontradas evidências sobre a autoria de sua música que questionam a historiografia vigente. A discussão sobre transcrição mostra que, no caso dos estudos da música popular, são úteis para a análise musical tanto a notação tradicional quanto a imagem de espectrogramas; a primeira apontando aspectos gerais dos parâmetros altura e duração do som, a segunda mostrando detalhes da sua intensidade e timbre.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"5 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-12-02","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"86469588","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Ao revisar textos brasileiros sobre técnicas estendidas, quatro abordagens principais são identificadas: uma técnico-descritiva, uma entendida provisoriamente como ecológica ou contextualizada, uma musicológica e uma pedagógica. Em seguida, uma série de questões relativas às técnicas estendidas é elencada, tais como a relação intérprete/compositor, a dinâmica da colaboração e do dialogismo e a questão da temporalidade e do foco da discussão e da comunicação sobre música, dentre outras. Em meio a estas problemáticas, a ideia de superar a técnica é proposta como um movimento necessário. Com isso, as técnicas estendidas passariam a ser tratadas de maneira integrada com as técnicas consolidadas, entendendo o conjunto resultante como sonoridade (em sentido amplo) no estudo, discussão e comunicação da música contemporânea, tanto entre intérpretes e compositores quanto entre estes e ouvintes.
{"title":"A superação da técnica (estendida) e a proposta da sonoridade no estudo, discussão e comunicação da música contemporânea","authors":"Germán Gras","doi":"10.20504/opus2022.28.16","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2022.28.16","url":null,"abstract":"Ao revisar textos brasileiros sobre técnicas estendidas, quatro abordagens principais são identificadas: uma técnico-descritiva, uma entendida provisoriamente como ecológica ou contextualizada, uma musicológica e uma pedagógica. Em seguida, uma série de questões relativas às técnicas estendidas é elencada, tais como a relação intérprete/compositor, a dinâmica da colaboração e do dialogismo e a questão da temporalidade e do foco da discussão e da comunicação sobre música, dentre outras. Em meio a estas problemáticas, a ideia de superar a técnica é proposta como um movimento necessário. Com isso, as técnicas estendidas passariam a ser tratadas de maneira integrada com as técnicas consolidadas, entendendo o conjunto resultante como sonoridade (em sentido amplo) no estudo, discussão e comunicação da música contemporânea, tanto entre intérpretes e compositores quanto entre estes e ouvintes.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"31 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2022-11-29","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"80232791","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Michele Rosita Mantovani, Regina Antunes Teixeira dos Santos
In the current literature, instrumental practice dealing with elementary levels of expertise tends to be underestimated compared to that of professional musicians. Therefore, the purpose of the present research was to investigate actions and behaviors in piano practice carried out by pianists belonging of different levels of expertise. In a case-study approach guided by phenomenological principles, four participants were selected according to their potential representativeness at different levels of expertise, their received formal piano instruction, and accumulated practice time. The participants were asked to record one practice session of two piano pieces from their current repertoire. They were instructed to select one piece that they considered more challenging (piece 1) and another piece that they considered less challenging (piece 2). Semi-structured interviews provided information about their strategies. Nine categories were proposed as characteristic actions and behaviors of piano practice within the scope of the classical Western music tradition, namely, testing, repeating, isolating, alternating, exploring, adjusting, pausing, straggling, and slipping. Such categories proved to be common for all participants, exemplified by the practices of four participants (precollege, undergraduate, graduate students and professional pianists), and provided evidence of the nuances of deliberation, such as the procedures to approach and improve the repertoire (and their effectiveness), the effort to stay engaged and on task, and some of the limits in attention to practice.
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