Este artigo descreve e analisa a forma e o percurso histórico de um paradigma interpretativo da história da chamada “música popular brasileira”, que o autor denomina “paradigma da mediação”, e que tem como principais características a concepção de cultura nacional como fruto de misturas raciais e o reconhecimento desigual do papel desempenhado pelos sujeitos na história de acordo com sua raça. Para tanto, faz-se uma revisão crítica da historiografia da música popular (1960-2017) e de uma análise da produção dos Depoimentos para a Posteridade do Museu da Imagem do Som do Rio Janeiro (1966-1972), um importante acervo de fontes orais utilizado na construção dessa historiografia. Constrói-se, a partir das evidências históricas apresentadas, a hipótese de que este paradigma constitui uma forma racializada de autoinscrição na história, com a qual se promove um entendimento conservador da operação da raça na sociedade brasileira, historicamente caro aos grupos dirigentes do país no século XX.
{"title":"O mistério d’O mistério do samba: o paradigma da mediação e a produção racializada de silêncios na memória hegemônica da “Música Popular Brasileira” (1960-2017)","authors":"Lurian José Reis da Silva Lima","doi":"10.20504/OPUS2021C2705","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/OPUS2021C2705","url":null,"abstract":"Este artigo descreve e analisa a forma e o percurso histórico de um paradigma interpretativo da história da chamada “música popular brasileira”, que o autor denomina “paradigma da mediação”, e que tem como principais características a concepção de cultura nacional como fruto de misturas raciais e o reconhecimento desigual do papel desempenhado pelos sujeitos na história de acordo com sua raça. Para tanto, faz-se uma revisão crítica da historiografia da música popular (1960-2017) e de uma análise da produção dos Depoimentos para a Posteridade do Museu da Imagem do Som do Rio Janeiro (1966-1972), um importante acervo de fontes orais utilizado na construção dessa historiografia. Constrói-se, a partir das evidências históricas apresentadas, a hipótese de que este paradigma constitui uma forma racializada de autoinscrição na história, com a qual se promove um entendimento conservador da operação da raça na sociedade brasileira, historicamente caro aos grupos dirigentes do país no século XX.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"125 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-11-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"85134420","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Neste artigo tratamos da trajetória da gravadora Festa (1955-1967), do produtor Irineu Garcia, que desempenhou um papel fundamental por ter produzido discos para segmentos de circulação restrita no mercado que ganharam grande relevância histórica. Ao analisar a produção da gravadora, avaliamos de que modo o seu perfil de atuação no mercado – que ficou marcado pelo lançamento de LP’s com poesia recitada pelas vozes de poetas modernistas brasileiros consagrados, discos de música erudita nacional e de artistas de música popular com letras e arranjos próximos da esfera culta–, refletiu algumas transformações que ocorriam no âmbito mais amplo das indústrias culturais do período associado tanto ao desenvolvimento da base técnica como ao recrudescimento da segmentação do mercado de bens simbólicos em curso.
{"title":"Canções, poesias e Modernismo em concerto: a gravadora Festa e a busca pela autonomia","authors":"G. Freire","doi":"10.20504/opus2021c2722","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2021c2722","url":null,"abstract":"Neste artigo tratamos da trajetória da gravadora Festa (1955-1967), do produtor Irineu Garcia, que desempenhou um papel fundamental por ter produzido discos para segmentos de circulação restrita no mercado que ganharam grande relevância histórica. Ao analisar a produção da gravadora, avaliamos de que modo o seu perfil de atuação no mercado – que ficou marcado pelo lançamento de LP’s com poesia recitada pelas vozes de poetas modernistas brasileiros consagrados, discos de música erudita nacional e de artistas de música popular com letras e arranjos próximos da esfera culta–, refletiu algumas transformações que ocorriam no âmbito mais amplo das indústrias culturais do período associado tanto ao desenvolvimento da base técnica como ao recrudescimento da segmentação do mercado de bens simbólicos em curso.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"64 3 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-11-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"85056328","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
O presente artigo discute a aplicabilidade do conceito de escolas de violino, outrora influentes, no Brasil de hoje. A partir de uma pesquisa que coletou dados de 110 violinistas residentes no país, foi constatado que expressiva fração dos participantes se declarava inserida em alguma escola de violino, como franco-belga, alemã ou russa. No entanto, a maioria absoluta também afirmava possuir em sua formação elementos oriundos das mais variadas fontes de aprendizado, incluindo diversos professores com visões técnicas, musicais e interpretativas distintas. Posto isto, buscamos então entender o que de fato constituiria uma escola de violino, para que possamos refletir sobre a real validação de vertentes oitocentistas na contemporaneidade brasileira globalizada. Por meio de revisão bibliográfica e questionário direcionado ao nosso público-alvo, tratamos o assunto sob as perspectivas histórica e pedagógica. Procuramos demonstrar que reduzir a noção de escola de violino a critérios técnicos e mecânicos, desvinculados de aspectos estilísticos associados a valores estéticos pregressos, não sustenta um sistema que seria hermético em si mesmo.
{"title":"O conceito de escolas de violino e sua atual aplicabilidade no Brasil","authors":"Adonhiran Reis, Marcus Held","doi":"10.20504/opus2021c2707","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/opus2021c2707","url":null,"abstract":"O presente artigo discute a aplicabilidade do conceito de escolas de violino, outrora influentes, no Brasil de hoje. A partir de uma pesquisa que coletou dados de 110 violinistas residentes no país, foi constatado que expressiva fração dos participantes se declarava inserida em alguma escola de violino, como franco-belga, alemã ou russa. No entanto, a maioria absoluta também afirmava possuir em sua formação elementos oriundos das mais variadas fontes de aprendizado, incluindo diversos professores com visões técnicas, musicais e interpretativas distintas. Posto isto, buscamos então entender o que de fato constituiria uma escola de violino, para que possamos refletir sobre a real validação de vertentes oitocentistas na contemporaneidade brasileira globalizada. Por meio de revisão bibliográfica e questionário direcionado ao nosso público-alvo, tratamos o assunto sob as perspectivas histórica e pedagógica. Procuramos demonstrar que reduzir a noção de escola de violino a critérios técnicos e mecânicos, desvinculados de aspectos estilísticos associados a valores estéticos pregressos, não sustenta um sistema que seria hermético em si mesmo.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"32 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-11-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"78017812","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
O hábito de cantar enquanto embala ou entretém uma criança está presente em diversas culturas. As canções de ninar com suas melodias suaves e ritmo lento envolvem a afetividade. Este artigo reflete especificamente sobre como a música ao vivo modifica a paisagem sonora em unidades de terapia intensiva neonatal (UTIN) ao possibilitar a vivência do afeto e tornar as emoções audíveis, conforme apontado por Zuckerkandl (1973,1976). A base empírica para nossa análise advém de uma pesquisa concluída sobre o potencial de humanização a partir das intervenções musicais realizadas pelo Grupo Saracura em três hospitais da cidade de São Paulo, estudo que utilizou a metodologia de observação participante e entrevista de história oral com pacientes, suas mães e profissionais de saúde e músicos. O estudo incluiu análises de diários de campo e narrativas de entrevistados, realizadas na perspectiva da fenomenologia hermenêutica, que considerou a vivência dos sujeitos envolvidos. Os resultados mostraram que a música, além de tornar o ambiente mais alegre, sereno e confortável para todos, transformou as relações vividas nesse espaço e, consequentemente, tornou-se o ponto de partida para a ampliação da humanização na unidade de terapia intensiva neonatal. Este artigo aprofunda essa reflexão reconhecendo que a presença da música na unidade de terapia intensiva é um meio significativo para gerar vínculos, principalmente quando o tratamento exige que o bebê permaneça na incubadora, fisicamente longe da mãe. A música, ao possibilitar a vivência do afeto, contribui para aumentar a afetividade entre mãe e filho, pacientes e profissionais de saúde, de forma que se tornem potências da vitalidade humana.
{"title":"A paisagem sonora das Unidades de Terapia Intensiva Neonatal: experiências acerca da música e da afetividade","authors":"L. Souza, V. Cândido, D. Gallian","doi":"10.20504/OPUS2021C2704","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/OPUS2021C2704","url":null,"abstract":"O hábito de cantar enquanto embala ou entretém uma criança está presente em diversas culturas. As canções de ninar com suas melodias suaves e ritmo lento envolvem a afetividade. Este artigo reflete especificamente sobre como a música ao vivo modifica a paisagem sonora em unidades de terapia intensiva neonatal (UTIN) ao possibilitar a vivência do afeto e tornar as emoções audíveis, conforme apontado por Zuckerkandl (1973,1976). A base empírica para nossa análise advém de uma pesquisa concluída sobre o potencial de humanização a partir das intervenções musicais realizadas pelo Grupo Saracura em três hospitais da cidade de São Paulo, estudo que utilizou a metodologia de observação participante e entrevista de história oral com pacientes, suas mães e profissionais de saúde e músicos. O estudo incluiu análises de diários de campo e narrativas de entrevistados, realizadas na perspectiva da fenomenologia hermenêutica, que considerou a vivência dos sujeitos envolvidos. Os resultados mostraram que a música, além de tornar o ambiente mais alegre, sereno e confortável para todos, transformou as relações vividas nesse espaço e, consequentemente, tornou-se o ponto de partida para a ampliação da humanização na unidade de terapia intensiva neonatal. Este artigo aprofunda essa reflexão reconhecendo que a presença da música na unidade de terapia intensiva é um meio significativo para gerar vínculos, principalmente quando o tratamento exige que o bebê permaneça na incubadora, fisicamente longe da mãe. A música, ao possibilitar a vivência do afeto, contribui para aumentar a afetividade entre mãe e filho, pacientes e profissionais de saúde, de forma que se tornem potências da vitalidade humana.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"19 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-11-07","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"89880642","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Uma parte considerável do repertório dramático musical ocidental dos séculos XVIII e XIX esteve relacionada a importantes festejos, como, por exemplo, aniversários, batizados, casamentos e onomásticos de personagens importantes. Dentro desta produção é possível encontrar as “licenças” (licenze), breves adendos ao drama principal nos quais se comenta diretamente a respectiva ocasião. O que se pretende aqui é apresentar estas licenças no contexto do repertório luso-brasileiro. Veremos que, apesar de bastante esquecido hoje em dia, este repertório é peça relevante no intricado mecanismo de produção operática. Será possível também demonstrar que estas peças musicais se constituem em momento privilegiado da representação do eu por parte dos monarcas.
{"title":"As licenças dramáticas luso-brasileiras e a representação do eu","authors":"A. Pacheco","doi":"10.20504/OPUS2021B2709","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/OPUS2021B2709","url":null,"abstract":"Uma parte considerável do repertório dramático musical ocidental dos séculos XVIII e XIX esteve relacionada a importantes festejos, como, por exemplo, aniversários, batizados, casamentos e onomásticos de personagens importantes. Dentro desta produção é possível encontrar as “licenças” (licenze), breves adendos ao drama principal nos quais se comenta diretamente a respectiva ocasião. O que se pretende aqui é apresentar estas licenças no contexto do repertório luso-brasileiro. Veremos que, apesar de bastante esquecido hoje em dia, este repertório é peça relevante no intricado mecanismo de produção operática. Será possível também demonstrar que estas peças musicais se constituem em momento privilegiado da representação do eu por parte dos monarcas.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"12 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"86588021","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Nicola Vicentino (1511-1576/1577) foi um importante músico e teórico italiano que discutiu amplamente a música cromática do século XVI. Seu tratado L’antica musica ridotta alla moderna prattica (1555), sobre a aplicação dos genera gregos na prática de sua época, é uma importante fonte para compreensão da música cromática deste período. O cromatismo da música do século XVI ainda é entendido de maneiras muito divergentes pelos pesquisadores da área. Em busca de maior profundidade quanto a este aspecto do repertório, o presente estudo pretende esclarecer os fundamentos cadenciais da música cromática de Vicentino apresentados em seu tratado e examinar o uso que o compositor fez desta teoria na sua prática composicional. Para alcançar este objetivo, foi feita uma revisão bibliográfica dos principais trabalhos sobre Vicentino e sua teoria, juntamente com um exame cuidadoso de seu tratado, principal fonte de suas ideias, e alguns outros escritos contemporâneos do autor. O foco foi dirigido aos aspectos particulares da teoria do cromatismo proposta por Vicentino, às premissas de seu pensamento composicional e suas possíveis aplicações práticas. Como resultado, são apresentadas a estrutura e peculiaridades dos movimentos cadenciais de Vicentino, traçando a relação destas peculiaridades com sua teoria e demonstrando o uso que o compositor faz das cadências cromáticas em peças de seu tratado e do seu quinto livro de madrigais (1572).
尼古拉·维琴蒂诺(1511-1576/1577)是意大利著名的音乐家和理论家，他广泛讨论了16世纪的半音音乐。1555年，他的论文《希腊属在他那个时代实践中的应用》(L’antica musica ridotta alla moderna prattica)是理解这一时期半音阶音乐的重要来源。16世纪音乐的半音学仍然被研究人员以非常不同的方式理解。为了更深入地探讨这方面的曲目，本研究旨在澄清文森半音音乐的韵律基础，并考察作曲家在作曲实践中对这一理论的运用。为了达到这一目的，本文对文森逊及其理论的主要著作进行了文献综述，并对他的论文、他思想的主要来源以及他同时代的一些著作进行了仔细的检查。重点是文森蒂诺提出的半音理论的具体方面，他的作曲思想的前提及其可能的实际应用。因此，本文介绍了文森蒂诺韵律运动的结构和特点，追溯了这些特点与他的理论的关系，并展示了作曲家在他的论文和他的第五牧歌书(1572)中对半音阶韵律的使用。
{"title":"As cadências cromáticas de Nicola Vicentino","authors":"Marcos Pupo Nogueira, Maria Clara Costa Pereira","doi":"10.20504/OPUS2021B2706","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/OPUS2021B2706","url":null,"abstract":"Nicola Vicentino (1511-1576/1577) foi um importante músico e teórico italiano que discutiu amplamente a música cromática do século XVI. Seu tratado L’antica musica ridotta alla moderna prattica (1555), sobre a aplicação dos genera gregos na prática de sua época, é uma importante fonte para compreensão da música cromática deste período. O cromatismo da música do século XVI ainda é entendido de maneiras muito divergentes pelos pesquisadores da área. Em busca de maior profundidade quanto a este aspecto do repertório, o presente estudo pretende esclarecer os fundamentos cadenciais da música cromática de Vicentino apresentados em seu tratado e examinar o uso que o compositor fez desta teoria na sua prática composicional. Para alcançar este objetivo, foi feita uma revisão bibliográfica dos principais trabalhos sobre Vicentino e sua teoria, juntamente com um exame cuidadoso de seu tratado, principal fonte de suas ideias, e alguns outros escritos contemporâneos do autor. O foco foi dirigido aos aspectos particulares da teoria do cromatismo proposta por Vicentino, às premissas de seu pensamento composicional e suas possíveis aplicações práticas. Como resultado, são apresentadas a estrutura e peculiaridades dos movimentos cadenciais de Vicentino, traçando a relação destas peculiaridades com sua teoria e demonstrando o uso que o compositor faz das cadências cromáticas em peças de seu tratado e do seu quinto livro de madrigais (1572).","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"77 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81907388","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Esta pesquisa apresenta uma categorização de conteúdos de ensino para o coral infantil, oferecendo aos regentes subsídios teóricos na elaboração dos planejamentos de ensaio. Refere-se a um recorte e aprofundamento da tese de doutorado “LARCI (Laboratório de Regência Coral Infantil): proposta de formação acadêmica para regentes de coros infantis” (2019), que desenvolveu um laboratório de formação acadêmica em regência coral. Para isso, são usados os estudos de C. Coll (1998) e seus parceiros (POZO; VALLS; SARABIA, 1998), das autoras Braga e Tourinho (2013), dos regentes pesquisadores Fernandes (2009) e Leck (2009), além das experiências empíricas registradas e analisadas durante a implementação do LARCI na Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP). A ciência e a organização dos conteúdos auxiliam que os planejamentos de ensaio contemplem atividades significativas com objetivos específicos e graduais, estimulando assim o aprendizado do conjunto de habilidades musicais, vocais e sociais relevantes à performance coral.
{"title":"Conteúdos de ensino para o coral infantil: a experiência do Laboratório de Regência Coral Infantil (LARCI)","authors":"Rafael Keidi Kashima","doi":"10.20504/OPUS2021B2714","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/OPUS2021B2714","url":null,"abstract":"Esta pesquisa apresenta uma categorização de conteúdos de ensino para o coral infantil, oferecendo aos regentes subsídios teóricos na elaboração dos planejamentos de ensaio. Refere-se a um recorte e aprofundamento da tese de doutorado “LARCI (Laboratório de Regência Coral Infantil): proposta de formação acadêmica para regentes de coros infantis” (2019), que desenvolveu um laboratório de formação acadêmica em regência coral. Para isso, são usados os estudos de C. Coll (1998) e seus parceiros (POZO; VALLS; SARABIA, 1998), das autoras Braga e Tourinho (2013), dos regentes pesquisadores Fernandes (2009) e Leck (2009), além das experiências empíricas registradas e analisadas durante a implementação do LARCI na Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP). A ciência e a organização dos conteúdos auxiliam que os planejamentos de ensaio contemplem atividades significativas com objetivos específicos e graduais, estimulando assim o aprendizado do conjunto de habilidades musicais, vocais e sociais relevantes à performance coral.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"5 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"75531929","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
O presente trabalho investiga as estratégias e os recursos composicionais empregados pelo compositor Muzio Clementi na confecção dos temas (área temática principal) das suas Sonatas para piano Opp. 1, 2, 7 e 8. Tem como objetivo esclarecer esses processos utilizando como método a comparação através da análise e tendo como aporte teórico os conceitos de Tight Knit Organization, simetria e paralelismo propostos por William Caplin. Após as análises, concluiu-se que, como esperado, estas obras aderem, com certa flexibilidade, à essência das características apontadas pelo autor, mas também apontam para uma progressiva articulação entre questões técnicas do instrumento e estruturação formal. Ainda, nas duas obras em modo menor do recorte, observou-se o emprego do estilo sensível, denotando uma maior preocupação com a expressividade destacando-se das sonatas anteriores do compositor. Todos estes fatores contribuem para a noção de que Clementi foi, de fato, um pioneiro na promoção do gênero sonata de uma obra doméstica/camerística para um veículo de expressão pessoal e técnica do compositor/virtuose, característica da virada do século XVIII para o XIX, tendo sido influenciado e influenciando outros compositores contemporâneos.
{"title":"Do Galante ao Clássico: as estratégias e os recursos composicionais e técnicos empregados por Muzio Clementi na construção das áreas temáticas I nas suas primeiras Sonatas para piano (1779-1782)","authors":"Ernesto Hartmann, Juliano Dinelli","doi":"10.20504/OPUS2021B2710","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/OPUS2021B2710","url":null,"abstract":"O presente trabalho investiga as estratégias e os recursos composicionais empregados pelo compositor Muzio Clementi na confecção dos temas (área temática principal) das suas Sonatas para piano Opp. 1, 2, 7 e 8. Tem como objetivo esclarecer esses processos utilizando como método a comparação através da análise e tendo como aporte teórico os conceitos de Tight Knit Organization, simetria e paralelismo propostos por William Caplin. Após as análises, concluiu-se que, como esperado, estas obras aderem, com certa flexibilidade, à essência das características apontadas pelo autor, mas também apontam para uma progressiva articulação entre questões técnicas do instrumento e estruturação formal. Ainda, nas duas obras em modo menor do recorte, observou-se o emprego do estilo sensível, denotando uma maior preocupação com a expressividade destacando-se das sonatas anteriores do compositor. Todos estes fatores contribuem para a noção de que Clementi foi, de fato, um pioneiro na promoção do gênero sonata de uma obra doméstica/camerística para um veículo de expressão pessoal e técnica do compositor/virtuose, característica da virada do século XVIII para o XIX, tendo sido influenciado e influenciando outros compositores contemporâneos.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"18 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"89946174","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Fernando López-Calatayud, Ana María Botella-Nicolás
En este estudio cuantitativo de carácter descriptivo se investigan las creencias de 31 estudiantes de la especialidad de Música del Máster de Profesor de Educación Secundaria de la Universitat de València, sus expectativas al cursar este tipo de formación, su valoración de la distribución de los créditos de las asignaturas que lo conforman y diferencias en base al género. Los resultados presentan sus consideraciones para realizar este Máster, su opinión sobre la función docente, la metodología y contenidos que desarrollarán en futuras clases, las expectativas y la valoración de los créditos de las asignaturas del Máster, entre otros.
{"title":"Estudiantes de Música del Máster de Profesor de Educación Secundaria: creencias, expectativas y valoración de la distribución de créditos","authors":"Fernando López-Calatayud, Ana María Botella-Nicolás","doi":"10.20504/OPUS2021B2701","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/OPUS2021B2701","url":null,"abstract":"En este estudio cuantitativo de carácter descriptivo se investigan las creencias de 31 estudiantes de la especialidad de Música del Máster de Profesor de Educación Secundaria de la Universitat de València, sus expectativas al cursar este tipo de formación, su valoración de la distribución de los créditos de las asignaturas que lo conforman y diferencias en base al género. Los resultados presentan sus consideraciones para realizar este Máster, su opinión sobre la función docente, la metodología y contenidos que desarrollarán en futuras clases, las expectativas y la valoración de los créditos de las asignaturas del Máster, entre otros.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"24 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"81019492","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Este trabalho apresenta uma análise da obra Maktub II (1972) para violino e piano de Mario Ficarelli, considerado um dos compositores brasileiros mais relevantes de sua época. A série Maktub contém três peças, compostas durante a década de 1970. Apoiadas pelos trabalhos teóricos de Joseph Straus (2013) e Michael Friedmann (1987), empregamos recursos analíticos voltados a obras pós-tonais. Observamos que a aparentemente despretensiosa Maktub II é formada por sutis desdobramentos de uma única ideia principal, os quais vão sendo gradativamente imbuídos de grande sofisticação ao associarem técnicas de permutação, substituição, adição e rarefação a processos de indeterminação característicos da forma aberta.
{"title":"A natureza livre de Mario Ficarelli: uma análise da obra Maktub II (1972) para violino e piano","authors":"Ana Leticia Zomer, A. Moreira","doi":"10.20504/OPUS2021B2711","DOIUrl":"https://doi.org/10.20504/OPUS2021B2711","url":null,"abstract":"Este trabalho apresenta uma análise da obra Maktub II (1972) para violino e piano de Mario Ficarelli, considerado um dos compositores brasileiros mais relevantes de sua época. A série Maktub contém três peças, compostas durante a década de 1970. Apoiadas pelos trabalhos teóricos de Joseph Straus (2013) e Michael Friedmann (1987), empregamos recursos analíticos voltados a obras pós-tonais. Observamos que a aparentemente despretensiosa Maktub II é formada por sutis desdobramentos de uma única ideia principal, os quais vão sendo gradativamente imbuídos de grande sofisticação ao associarem técnicas de permutação, substituição, adição e rarefação a processos de indeterminação característicos da forma aberta.","PeriodicalId":42804,"journal":{"name":"Opus","volume":"26 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.2,"publicationDate":"2021-05-01","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"86004385","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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