RESUMEN: El objetivo de este trabajo es comparar las novelas latinoamericanas sobre la piratería del siglo XIX con las novelas sobre el narcotráfico del siglo XX para demostrar que los negocios del crimen organizado crean su propia soberanía yuxtapuesta a la soberanía estatal y que tanto los piratas como los narcotraficantes están en la constante renegociación de su relación con el Estado. Las novelas que se tomarán en cuenta son: del siglo XIX, El filibustero (1864), del escritor mexicano Eligio Ancona, y Los piratas en Cartagena (1886), de la escritora colombiana Soledad Acosta de Samper; del siglo XX, Contrabando (1991), del escritor mexicano Víctor Hugo Rascón Banda, y La Virgen de los Sicarios (1994), del escritor colombiano Fernando Vallejo. El trabajo se divide en dos apartados; el primer apartado trabaja la relación entre los piratas y narcotraficantes con el Estado. Se discuten las actitudes de los escritores de la época hacia el Estado y las implicaciones de los actores estatales en el negocio ilegal. El segundo apartado discute la existencia de las soberanías yuxtapuestas que se representan a través la creación del imaginario social de la piratería y del narcotráfico. Partiendo de los recursos históricos y políticos sobre la piratería y el narcotráfico, este trabajo pretende crear un ambiente interdisciplinario para discutir el crimen organizado en la literatura y su influencia política en la sociedad. Palabras clave: la piratería, el narcotráfico, la soberanía, el Estado, la ambigüedad, la literatura instrumental ABSTRACT: The aim of this paper is to compare 19th-century Latin American novels about piracy with 20th-century novels about drug trafficking in order to demonstrate that organized crime creates its own sovereignty juxtaposed with state sovereignty and that both pirates and drug traffickers are constantly renegotiating their relationship with the state. The literary corpus from the 19th century includes El filibustero (1864), by Mexican writer Eligio Ancona, and Los piratas en Cartagena (1886), by Colombian writer Soledad Acosta de Samper; from the 20th century, Contrabando (1991), by Mexican writer Víctor Hugo Rascón Banda, and La Virgen de los Sicarios (1994), by Colombian writer Fernando Vallejo. This paper is divided into two sections; the first section deals with the relationship between pirates and drug traffickers and the State. It discusses the attitudes of the writers towards the State and the implications of the State actors in the illegal business. The second section discusses the existence of juxtaposed sovereignties represented through the creation of the social imaginary of piracy and drug trafficking. Drawing on historical and political resources on piracy and drug trafficking, this paper aims to create an interdisciplinary environment to discuss organized crime in literature and its political influence on society. Keywords: piracy, drug trafficking, sovereignty, State, ambiguity, instrumental literatur
ABSTRACT: 本文旨在比较 19 世纪拉丁美洲关于海盗的小说和 20 世纪关于贩毒的小说，以证明有组织犯罪企业创造了与国家主权并列的自身主权，海盗和贩毒者都在不断重新谈判他们与国家的关系。将讨论的小说包括：19 世纪的墨西哥作家埃利吉奥-安科纳的《El filibustero》（1864 年）和哥伦比亚作家索莱达-阿科斯塔-德-桑佩尔的《Los piratas en Cartagena》（1886 年）；20 世纪的墨西哥作家维克多-乌戈-拉斯孔-班达的《Contrabando》（1991 年）和哥伦比亚作家费尔南多-巴列霍的《La Virgen de los Sicarios》（1994 年）。作品分为两部分：第一部分涉及海盗和毒贩与国家之间的关系。它讨论了当时的作家对国家的态度以及国家行为者参与非法生意的影响。第二部分讨论了通过创造海盗和贩毒的社会想象所代表的并列主权的存在。本文利用有关海盗和贩毒的历史和政治资源，旨在创造一个跨学科的环境，讨论文学作品中的有组织犯罪及其对社会的政治影响。关键词：海盗；贩毒；主权；国家；模糊性；工具性文学 ABSTRACT: 本文旨在比较 19 世纪拉丁美洲关于海盗的小说和 20 世纪关于贩毒的小说，以证明有组织犯罪创造了与国家主权并列的自身主权，海盗和贩毒者都在不断重新谈判他们与国家的关系。19 世纪的文学作品包括墨西哥作家埃利吉奥-安科纳（Eligio Ancona）的《El filibustero》（1864 年）和哥伦比亚作家索莱达-阿科斯塔-德-桑佩尔（Soledad Acosta de Samper）的《Los piratas en Cartagena》（1886 年）；20 世纪的作品包括墨西哥作家维克多-乌戈-拉斯孔-班达（Víctor Hugo Rascón Banda）的《Contrabando》（1991 年）和哥伦比亚作家费尔南多-巴列霍（Fernando Vallejo）的《La Virgen de los Sicarios》（1994 年）。本文分为两部分：第一部分涉及海盗和贩毒者与国家之间的关系。它讨论了作家对国家的态度以及国家行为者在非法交易中的影响。第二部分讨论了通过创造海盗和贩毒的社会想象所代表的并列主权的存在。本文利用有关海盗和贩毒的历史和政治资源，旨在创造一个跨学科的环境，讨论文学作品中的有组织犯罪及其对社会的政治影响。关键词：海盗、贩毒、主权、国家、模糊性、工具性文学
{"title":"Las soberanías yuxtapuestas: los piratas y los narcotraficantes en la literatura latinoamericana y su relación con el Estado","authors":"Tijana Cupic","doi":"10.26824/lalr.389","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.389","url":null,"abstract":" \u0000RESUMEN: El objetivo de este trabajo es comparar las novelas latinoamericanas sobre la piratería del siglo XIX con las novelas sobre el narcotráfico del siglo XX para demostrar que los negocios del crimen organizado crean su propia soberanía yuxtapuesta a la soberanía estatal y que tanto los piratas como los narcotraficantes están en la constante renegociación de su relación con el Estado. Las novelas que se tomarán en cuenta son: del siglo XIX, El filibustero (1864), del escritor mexicano Eligio Ancona, y Los piratas en Cartagena (1886), de la escritora colombiana Soledad Acosta de Samper; del siglo XX, Contrabando (1991), del escritor mexicano Víctor Hugo Rascón Banda, y La Virgen de los Sicarios (1994), del escritor colombiano Fernando Vallejo. El trabajo se divide en dos apartados; el primer apartado trabaja la relación entre los piratas y narcotraficantes con el Estado. Se discuten las actitudes de los escritores de la época hacia el Estado y las implicaciones de los actores estatales en el negocio ilegal. El segundo apartado discute la existencia de las soberanías yuxtapuestas que se representan a través la creación del imaginario social de la piratería y del narcotráfico. Partiendo de los recursos históricos y políticos sobre la piratería y el narcotráfico, este trabajo pretende crear un ambiente interdisciplinario para discutir el crimen organizado en la literatura y su influencia política en la sociedad.\u0000 \u0000Palabras clave: la piratería, el narcotráfico, la soberanía, el Estado, la ambigüedad, la literatura instrumental\u0000 \u0000ABSTRACT: The aim of this paper is to compare 19th-century Latin American novels about piracy with 20th-century novels about drug trafficking in order to demonstrate that organized crime creates its own sovereignty juxtaposed with state sovereignty and that both pirates and drug traffickers are constantly renegotiating their relationship with the state. The literary corpus from the 19th century includes El filibustero (1864), by Mexican writer Eligio Ancona, and Los piratas en Cartagena (1886), by Colombian writer Soledad Acosta de Samper; from the 20th century, Contrabando (1991), by Mexican writer Víctor Hugo Rascón Banda, and La Virgen de los Sicarios (1994), by Colombian writer Fernando Vallejo. This paper is divided into two sections; the first section deals with the relationship between pirates and drug traffickers and the State. It discusses the attitudes of the writers towards the State and the implications of the State actors in the illegal business. The second section discusses the existence of juxtaposed sovereignties represented through the creation of the social imaginary of piracy and drug trafficking. Drawing on historical and political resources on piracy and drug trafficking, this paper aims to create an interdisciplinary environment to discuss organized crime in literature and its political influence on society.\u0000 \u0000Keywords: piracy, drug trafficking, sovereignty, State, ambiguity, instrumental literatur","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140700397","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
RESUMEN: Este artículo analiza la narración femenina en La amante de Gardel (2015) de la autora puertorriqueña Mayra Santos-Febres según los planteamientos de Mladen Dolar al conceptualizar la voz como objeto y las definiciones del sujeto que proponen Patricia Collins y bell hooks. El trabajo sitúa la novela en relación con la producción literaria anterior de Santos-Febres para mostrar cómo La amante de Gardel comparte algunas de las mismas preocupaciones a la vez que se distingue por ser narrada en primera persona por una protagonista afrodescendiente, Micaela Thorné. El artículo demuestra cómo los rasgos ambiguos del objeto voz del cantante Carlos Gardel, convertido en personaje, provocan la narración de la protagonista. Al narrarse a sí misma, Micaela se apropia de la voz de Gardel y se afirma como sujeto al mismo tiempo que reconoce y cuestiona los discursos sexistas y racistas que pretenden limitarla, en particular la dicotomía mente y cuerpo. Palabras clave: Mayra Santos-Febres, objeto voz, feminismo, subjetividad, racismo, Carlos Gardel ABSTRACT: This article analyzes the female narration of La amante de Gardel (2015) by Puerto Rican author Mayra Santos-Febres in light of Mladen Dolar’s theorization of the object voice and the definitions of the subject proposed by Patricia Collins and bell hooks. The essay situates the novel in relation to Santos-Febres’ earlier works in order to show how La amante de Gardel shares some of the same concerns while distinguishing itself through its first-person narration by an Afrodescendant protagonist, Micaela Thorné. The article shows how the ambiguous qualities of Carlos Gardel’s object voice inspire the protagonist’s narration. By narrating her story, Micaela appropriates Gardel’s voice and affirms herself as a subject at the same time that she recognizes and questions the sexist and racist discourses that attempt to limit her, in particular the mind/body dichotomy. Key words: Mayra Santos-Febres, object voice, feminism, subjectivity, racism, Carlos Gardel
ABSTRACT: 本文根据姆拉登-多拉尔（Mladen Dolar）将声音概念化为对象的方法以及帕特里夏-柯林斯（Patricia Collins）和贝尔-霍克斯（Bell hooks）提出的主体定义，分析了波多黎各作家梅拉-桑托斯-费布雷斯（Mayra Santos-Febres）的《加德尔的朋友》（La amante de Gardel，2015 年）中的女性叙述。文章将这部小说与桑托斯-费布雷斯早期的文学作品联系起来，说明《加德尔的朋友》与桑托斯-费布雷斯早期的文学作品有一些相同之处，但又有区别，因为这部小说是由非洲裔主人公米塞拉-索内以第一人称叙述的。文章展示了歌手卡洛斯-加德尔（Carlos Gardel）的声音对象的模棱两可的特征如何引发了主人公的叙述。通过自我叙述，米塞拉挪用了加德尔的声音，并宣称自己是一个主体，同时承认并质疑试图限制她的性别歧视和种族主义话语，尤其是身心二分法。关键词：梅拉-桑托斯-费布雷斯；客体声音；女权主义；主体性；种族主义；卡洛斯-加德尔 ABSTRACT: This article analyzes the female narration of La amante de Gardel (2015) by Puerto Rican author Mayra Santos-Febres in light of Mladen Dolar's theorization of the object voice and the definitions of the subject proposed by Patricia Collins and bell hooks.文章将这部小说与桑托斯-费布雷斯的早期作品联系起来，以说明《加德尔的闺蜜》与桑托斯-费布雷斯的早期作品有一些相同之处，同时又通过非洲裔主人公米塞拉-索内的第一人称叙述而与众不同。文章展示了卡洛斯-加德尔的对象声音的模棱两可的特质如何启发了主人公的叙述。通过讲述自己的故事，米塞拉借用了卡洛斯-加德尔的声音，肯定了自己作为主体的地位，同时她也认识到并质疑了试图限制她的性别歧视和种族主义话语，尤其是身心二分法。 关键词：梅拉-桑托斯-费布雷斯；客体声音；女权主义；主体性；种族主义；卡洛斯-加德尔
{"title":"El poder de la voz y del acto de narrar en La amante de Gardel de Mayra Santos Febres","authors":"S. Piazza","doi":"10.26824/lalr.401","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.401","url":null,"abstract":"RESUMEN: Este artículo analiza la narración femenina en La amante de Gardel (2015) de la autora puertorriqueña Mayra Santos-Febres según los planteamientos de Mladen Dolar al conceptualizar la voz como objeto y las definiciones del sujeto que proponen Patricia Collins y bell hooks. El trabajo sitúa la novela en relación con la producción literaria anterior de Santos-Febres para mostrar cómo La amante de Gardel comparte algunas de las mismas preocupaciones a la vez que se distingue por ser narrada en primera persona por una protagonista afrodescendiente, Micaela Thorné. El artículo demuestra cómo los rasgos ambiguos del objeto voz del cantante Carlos Gardel, convertido en personaje, provocan la narración de la protagonista. Al narrarse a sí misma, Micaela se apropia de la voz de Gardel y se afirma como sujeto al mismo tiempo que reconoce y cuestiona los discursos sexistas y racistas que pretenden limitarla, en particular la dicotomía mente y cuerpo. \u0000Palabras clave: Mayra Santos-Febres, objeto voz, feminismo, subjetividad, racismo, Carlos Gardel\u0000 \u0000ABSTRACT: This article analyzes the female narration of La amante de Gardel (2015) by Puerto Rican author Mayra Santos-Febres in light of Mladen Dolar’s theorization of the object voice and the definitions of the subject proposed by Patricia Collins and bell hooks. The essay situates the novel in relation to Santos-Febres’ earlier works in order to show how La amante de Gardel shares some of the same concerns while distinguishing itself through its first-person narration by an Afrodescendant protagonist, Micaela Thorné. The article shows how the ambiguous qualities of Carlos Gardel’s object voice inspire the protagonist’s narration. By narrating her story, Micaela appropriates Gardel’s voice and affirms herself as a subject at the same time that she recognizes and questions the sexist and racist discourses that attempt to limit her, in particular the mind/body dichotomy. \u0000Key words: Mayra Santos-Febres, object voice, feminism, subjectivity, racism, Carlos Gardel\u0000 ","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140698931","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
ABSTRACT: The text is the first English translation of Cirilo Villaverde’s 1839 “primitive” Cecilia Valdés, a short story that the author penned decades before publishing his canonical novel by the same name. The 1882 novel narrates the unwittingly incestuous relationship between the novel’s eponymous mulata heroine and her creole half-brother Leonardo Gamboa. Though the work enjoys high-canonical status, its textual history, tightly entangled with nineteenth-century Cuba’s racially fraught struggle for independence, is largely unknown to non-specialists. The translation is preceded by an introduction that discusses the short story’s relationship to the novel and the racial and political ideas present in the earlier text, as well as the translator’s efforts to render these paradigms legible to an English-language readership. keywords: Cirilio Villaverde, Cecilia Valdés, Cuba 19th century, Afrolatinidades, Latin American literature in translation, literary translation
{"title":"The “Primitive” Cecilia Valdés. A short story by Cirilio Villaverde. A translation and introduction by Thomas Genova","authors":"Thomas Genova","doi":"10.26824/lalr.441","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.441","url":null,"abstract":"ABSTRACT: The text is the first English translation of Cirilo Villaverde’s 1839 “primitive” Cecilia Valdés, a short story that the author penned decades before publishing his canonical novel by the same name. The 1882 novel narrates the unwittingly incestuous relationship between the novel’s eponymous mulata heroine and her creole half-brother Leonardo Gamboa. Though the work enjoys high-canonical status, its textual history, tightly entangled with nineteenth-century Cuba’s racially fraught struggle for independence, is largely unknown to non-specialists. The translation is preceded by an introduction that discusses the short story’s relationship to the novel and the racial and political ideas present in the earlier text, as well as the translator’s efforts to render these paradigms legible to an English-language readership.\u0000 \u0000keywords: Cirilio Villaverde, Cecilia Valdés, Cuba 19th century, Afrolatinidades, Latin American literature in translation, literary translation","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140699761","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
ABSTRACT: In the Suriname Maroon dance genre awasa, much of performers’ expressive work can be described as having some kind of conversational aspect. While this idea finds broad resonance with other African Diasporan genres, awasa’s use of rhythmic cues and phrases in the drummed language apinti, and the population’s diminishing fluency in apinti, demonstrates the need for clarity and precision when discussing components of choreo-musical interaction. In this case, the shift from drummers and dancers being in a conversation to interacting in a way that resembles a conversation can signal the loss of deeply valued cultural knowledge. Here I argue that the subtleties of message and meaning in awasa can only be understood in light of particularities in language, syntax, and word play that contribute to a Maroon communicative matrix. First, I consider the ostensibly non-lexical gi futu section of awasa in relation to interactions in apinti language that precede it. Second, I argue that whereas awasa may seem peripheral to apinti drum language, it is also a vital training ground for the aspiring apinti drummer. Third, I discuss gi futu (“give foot”) relative to other social gestures that are expressed as being given (for instance giving thanks or giving greeting). Finally, I demonstrate how choreo-rhythmic futu patterns are functionally similar to descriptive words known as ideophones. This multi-dimensional approach to processes of meaning-making serves as a corrective to descriptive shorthands through which conversation and interaction are assumed to be functional equivalents. Keywords: Suriname, Maroon, drum language, dance, choreo-musical interaction, communicative matrix, apinti, awasa RESUMEN: En el género de danza awasa de las comunidades cimarronas de Surinam, gran parte del trabajo expresivo de los artistas parece exhibir un aspecto conversacional. Si bien esta idea encuentra resonancia con otros géneros afrodiaspóricos, el uso en awasa de señales y frases rítmicas en el lenguaje de tambor apinti, y la fluidez decreciente de la población en apinti, demuestra la necesidad de claridad y precisión al discutir los componentes de la interacción coreo-musical. El paso de los tamborileros y bailarines estar en conversación a imitar una conversación puede implicar la pérdida de un conocimiento cultural valorado. Sostengo que las sutilezas del mensaje y el significado en awasa solo pueden entenderse a la luz de las particularidades del lenguaje, la sintaxis y el juego de palabras de una matriz comunicativa cimarrona. En primer lugar, considero la sección aparentemente no léxica de awasa gi futu en relación con las interacciones en la lengua apinti que la preceden. En segundo lugar, argumento que, aunque el awasa pueda parecer periférico al lenguaje del tambor apinti, es un campo de entrenamiento vital para el aspirante tamborilero de apinti. En tercer lugar, analizo el gi futu (“dar el pie”) en relación con otros gestos sociales que se expresan
{"title":"Moving Beyond Words: Awasa and Apinti in a Suriname Maroon Communicative Matrix","authors":"Corinna Campbell","doi":"10.26824/lalr.437","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.437","url":null,"abstract":" \u0000ABSTRACT: In the Suriname Maroon dance genre awasa, much of performers’ expressive work can be described as having some kind of conversational aspect. While this idea finds broad resonance with other African Diasporan genres, awasa’s use of rhythmic cues and phrases in the drummed language apinti, and the population’s diminishing fluency in apinti, demonstrates the need for clarity and precision when discussing components of choreo-musical interaction. In this case, the shift from drummers and dancers being in a conversation to interacting in a way that resembles a conversation can signal the loss of deeply valued cultural knowledge. Here I argue that the subtleties of message and meaning in awasa can only be understood in light of particularities in language, syntax, and word play that contribute to a Maroon communicative matrix. First, I consider the ostensibly non-lexical gi futu section of awasa in relation to interactions in apinti language that precede it. Second, I argue that whereas awasa may seem peripheral to apinti drum language, it is also a vital training ground for the aspiring apinti drummer. Third, I discuss gi futu (“give foot”) relative to other social gestures that are expressed as being given (for instance giving thanks or giving greeting). Finally, I demonstrate how choreo-rhythmic futu patterns are functionally similar to descriptive words known as ideophones. This multi-dimensional approach to processes of meaning-making serves as a corrective to descriptive shorthands through which conversation and interaction are assumed to be functional equivalents.\u0000Keywords: Suriname, Maroon, drum language, dance, choreo-musical interaction, communicative matrix, apinti, awasa \u0000 \u0000RESUMEN: En el género de danza awasa de las comunidades cimarronas de Surinam, gran parte del trabajo expresivo de los artistas parece exhibir un aspecto conversacional. Si bien esta idea encuentra resonancia con otros géneros afrodiaspóricos, el uso en awasa de señales y frases rítmicas en el lenguaje de tambor apinti, y la fluidez decreciente de la población en apinti, demuestra la necesidad de claridad y precisión al discutir los componentes de la interacción coreo-musical. El paso de los tamborileros y bailarines estar en conversación a imitar una conversación puede implicar la pérdida de un conocimiento cultural valorado. Sostengo que las sutilezas del mensaje y el significado en awasa solo pueden entenderse a la luz de las particularidades del lenguaje, la sintaxis y el juego de palabras de una matriz comunicativa cimarrona. En primer lugar, considero la sección aparentemente no léxica de awasa gi futu en relación con las interacciones en la lengua apinti que la preceden. En segundo lugar, argumento que, aunque el awasa pueda parecer periférico al lenguaje del tambor apinti, es un campo de entrenamiento vital para el aspirante tamborilero de apinti. En tercer lugar, analizo el gi futu (“dar el pie”) en relación con otros gestos sociales que se expresan ","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140702839","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Reseña de Espejismos reales Imágenes y política en la literatura rioplatense. Diego Alonso. Córdoba: Editorial Universitaria Villa María, 2023. 259 páginas.
Espejismos reales Imágenes y política en la literatura rioplatense》评论。迭戈-阿隆索。科尔多瓦：比利亚玛丽亚大学出版社，2023 年。259 页。
{"title":"Espejismos reales Imágenes y política en la literatura rioplatense. Diego Alonso. ","authors":"Rodrigo Del Rio","doi":"10.26824/lalr.450","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.450","url":null,"abstract":"Reseña de Espejismos reales Imágenes y política en la literatura rioplatense. Diego Alonso. Córdoba: Editorial Universitaria Villa María, 2023. 259 páginas.","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140700658","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
INTRODUCTION: “Lolo” is one of the eight stories from the book Otosan (2015). Written by Peruvian journalist Luis Arriola Ayala, this book gives visibility to postcolonial, transnational migrant experiences. “Lolo” tells the story of an encounter between two undocumented workers, a young Peruvian and an old Filipino, in a garbage incineration plant in Tokyo. Despite the alienating situation and not being able to speak the same language, the two manage to find temporary companionship and ways to resist. This short story is based on the author’s personal experiences working in Japanese factories. KEYWORDS: Tokyo, Japan, Peru, Philippines, trash, recycling, material, postcolonialism, immigration, solidarity
{"title":"\"Lolo,\" by Luis Arriola Ayala. Translation by Megan Saltzman","authors":"Megan Saltzman","doi":"10.26824/lalr.415","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.415","url":null,"abstract":"INTRODUCTION: “Lolo” is one of the eight stories from the book Otosan (2015). Written by Peruvian journalist Luis Arriola Ayala, this book gives visibility to postcolonial, transnational migrant experiences. “Lolo” tells the story of an encounter between two undocumented workers, a young Peruvian and an old Filipino, in a garbage incineration plant in Tokyo. Despite the alienating situation and not being able to speak the same language, the two manage to find temporary companionship and ways to resist. This short story is based on the author’s personal experiences working in Japanese factories.\u0000KEYWORDS: Tokyo, Japan, Peru, Philippines, trash, recycling, material, postcolonialism, immigration, solidarity","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140699707","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
ABSTRACT: This article analyzes two recent poetry collections by queer Caribbean writers and probes them for what they can reveal about silence as a combined affective, aesthetic and political strategy. Both Kohnjehr Woman by Ana-Maurine Lara and While They Sleep by Raquel Salas Rivera encourage embodied reading practices that resist traditional literary analysis, understood as focused on achieving “mastery” and intellectual domination of a text, by engaging the reading body queerly and tangentially, and they ask what opportunities are presented by illegibility and untranslatability. I argue that these poems employ silence as a strategy either by creating visual/aural space on the page, refusing translation, or by requiring words to be vocalized in order to be cognitively understood. Following Doris Sommer and Édouard Glissant, this strategic refusal can be understood as a response to the lived experience of disaster within the postcolonial Caribbean and its diaspora that maintains opacity by refusing straightforward legibility, and at the same time allows for a fuller form of solidarity that centers embodied knowledge. Keywords: coloniality, opacity, poetry/poetics, queer, Latine/x, diaspora, translation, embodiment RESUMEN: Este artículo analiza dos colecciones de poesía recientes escritas por autores “queer,” e investiga lo que pueden revelar sobre el silencio como una estrategia afectiva, estética, y política. Tanto “Kohnjehr Woman” de Ana-Maurine Lara como “While They Sleep” de Raquel Salas Rivera animan prácticas encarnadas de lectura que resisten el análisis literario tradicional, entendido como algo enfocado en lograr dominio y control intelectual sobre el texto. Por el contrario, estas obras involucran al cuerpo del lector de manera “queer” y tangencial, y se cuestionan las oportunidades que nos presentan la ilegibilidad y la intraducibilidad. Argumento que estos poemas emplean el silencio como una estrategia o bien creando espacio visual/aural en la página, o bien negando traducción, o requiriendo que las palabras se vocalicen para ser entendidas cognitivamente. Siguiendo a Doris Sommer y Édouard Glissant, esta negación estratégica se puede entender como una respuesta a la experiencia vivida del desastre dentro del caribe poscolonial y su diáspora que mantiene su opacidad a través del rechazo de la legibilidad directa, lo que al mismo tiempo permite una forma más amplia de solidaridad que centraliza el conocimiento encarnado. Palabras claves: colonialidad, opacidad, poesía/poética, queer/cuir, Latine/x, diáspora, traducción, encarnación
{"title":"Estranged Intimacies: An Anticolonial Poetics of Silence in the Poetry of Raquel Salas Rivera and Ana-Maurine Lara","authors":"Marena Fleites Lear","doi":"10.26824/lalr.421","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.421","url":null,"abstract":" \u0000ABSTRACT: This article analyzes two recent poetry collections by queer Caribbean writers and probes them for what they can reveal about silence as a combined affective, aesthetic and political strategy. Both Kohnjehr Woman by Ana-Maurine Lara and While They Sleep by Raquel Salas Rivera encourage embodied reading practices that resist traditional literary analysis, understood as focused on achieving “mastery” and intellectual domination of a text, by engaging the reading body queerly and tangentially, and they ask what opportunities are presented by illegibility and untranslatability. I argue that these poems employ silence as a strategy either by creating visual/aural space on the page, refusing translation, or by requiring words to be vocalized in order to be cognitively understood. Following Doris Sommer and Édouard Glissant, this strategic refusal can be understood as a response to the lived experience of disaster within the postcolonial Caribbean and its diaspora that maintains opacity by refusing straightforward legibility, and at the same time allows for a fuller form of solidarity that centers embodied knowledge.\u0000 \u0000Keywords: coloniality, opacity, poetry/poetics, queer, Latine/x, diaspora, translation, embodiment\u0000 \u0000RESUMEN: Este artículo analiza dos colecciones de poesía recientes escritas por autores “queer,” e investiga lo que pueden revelar sobre el silencio como una estrategia afectiva, estética, y política. Tanto “Kohnjehr Woman” de Ana-Maurine Lara como “While They Sleep” de Raquel Salas Rivera animan prácticas encarnadas de lectura que resisten el análisis literario tradicional, entendido como algo enfocado en lograr dominio y control intelectual sobre el texto. Por el contrario, estas obras involucran al cuerpo del lector de manera “queer” y tangencial, y se cuestionan las oportunidades que nos presentan la ilegibilidad y la intraducibilidad. Argumento que estos poemas emplean el silencio como una estrategia o bien creando espacio visual/aural en la página, o bien negando traducción, o requiriendo que las palabras se vocalicen para ser entendidas cognitivamente. Siguiendo a Doris Sommer y Édouard Glissant, esta negación estratégica se puede entender como una respuesta a la experiencia vivida del desastre dentro del caribe poscolonial y su diáspora que mantiene su opacidad a través del rechazo de la legibilidad directa, lo que al mismo tiempo permite una forma más amplia de solidaridad que centraliza el conocimiento encarnado.\u0000Palabras claves: colonialidad, opacidad, poesía/poética, queer/cuir, Latine/x, diáspora, traducción, encarnación\u0000 ","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140701155","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
ABSTRACT: In the 1920s, declamadora Berta Singerman was frequently criticized by the Argentine avant-garde because her popular performances never included their poems. Dismissed as an embodiment of cursilería ever since, she was in fact a key component of international poetry circuits who developed relationships with Alfonsina Storni, Federico García Lorca, and Gabriela Mistral, among others. In correspondence with Alejo Carpentier, the Cuban writer counseled her on capturing the dynamics of declamation onscreen, suggesting that she could emphasize the rhythms of her performances through close-ups on her moving hands accompanying the poem—a technique Singerman employed in a 1942 film. No stranger to working across media, Carpentier recognized rhythm as the crucial connection between declamation’s two types of corpus: the collection of poems and the body. In conversation with Carpentier’s observations, this piece focuses on how rhythm shaped production and reception alike as Singerman attracted large crowds across the Americas. It argues that Singerman, who would call herself the “libertadora de poesía,” accented rhythm in her performances so that audiences could make sense of the recited poems—and this process involved not only allowing those poems to be heard and felt but also creating a space for them to perform ideological work. Keywords: Berta Singerman, Alejo Carpentier, declamation, poetry, cinema, media studies, body, rhythm RESUMEN: En la década de 1920, Berta Singerman fue criticada varias veces por las vanguardias argentinas porque los recitales de la declamadora no incluían sus poemas. Desde entonces frecuentemente ha sido desestimada como un ejemplo de la cursilería, pero Singerman formaba parte de importantes circuitos internacionales de poesía y se relacionó con Alfonsina Storni, Federico García Lorca y Gabriela Mistral, entre otros. En su correspondencia con Alejo Carpentier, el escritor cubano le ofreció a Singerman sugerencias sobre cómo captar las dinámicas de la declamación en el cine, proponiendo estrategias como el uso de primeros planos para mostrar el movimiento de sus manos acompañando un poema—una técnica que Singerman luego empleó en una película de 1942. Carpentier, quien manejaba una variedad de medios, identificó el ritmo como la conexión crucial entre los dos tipos de corpus que aparecen en la declamación: la colección de poemas y el cuerpo. Este artículo trabaja con las observaciones de Carpentier para pensar el modo en el cual el ritmo influía tanto en la producción como en la recepción de la declamación durante el período en que Singerman atraía a grandes públicos en las Américas y Europa. Arguye que Singerman, quien se autodenominaba la “libertadora de poesía”, acentuaba el ritmo en sus recitales para que los públicos pudieran encontrar sentido a los poemas recitados. Ese proceso implicaba la creación de un espacio no solo para escuchar y sentir los poemas sino también donde los mismos generaban efectos ideol
{"title":"Making Sense of a Corpus: Berta Singerman, Rhythm, and Recitation","authors":"Sam Carter","doi":"10.26824/lalr.433","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.433","url":null,"abstract":"ABSTRACT: In the 1920s, declamadora Berta Singerman was frequently criticized by the Argentine avant-garde because her popular performances never included their poems. Dismissed as an embodiment of cursilería ever since, she was in fact a key component of international poetry circuits who developed relationships with Alfonsina Storni, Federico García Lorca, and Gabriela Mistral, among others. In correspondence with Alejo Carpentier, the Cuban writer counseled her on capturing the dynamics of declamation onscreen, suggesting that she could emphasize the rhythms of her performances through close-ups on her moving hands accompanying the poem—a technique Singerman employed in a 1942 film. No stranger to working across media, Carpentier recognized rhythm as the crucial connection between declamation’s two types of corpus: the collection of poems and the body. In conversation with Carpentier’s observations, this piece focuses on how rhythm shaped production and reception alike as Singerman attracted large crowds across the Americas. It argues that Singerman, who would call herself the “libertadora de poesía,” accented rhythm in her performances so that audiences could make sense of the recited poems—and this process involved not only allowing those poems to be heard and felt but also creating a space for them to perform ideological work.\u0000 \u0000Keywords: Berta Singerman, Alejo Carpentier, declamation, poetry, cinema, media studies, body, rhythm\u0000 \u0000RESUMEN: En la década de 1920, Berta Singerman fue criticada varias veces por las vanguardias argentinas porque los recitales de la declamadora no incluían sus poemas. Desde entonces frecuentemente ha sido desestimada como un ejemplo de la cursilería, pero Singerman formaba parte de importantes circuitos internacionales de poesía y se relacionó con Alfonsina Storni, Federico García Lorca y Gabriela Mistral, entre otros. En su correspondencia con Alejo Carpentier, el escritor cubano le ofreció a Singerman sugerencias sobre cómo captar las dinámicas de la declamación en el cine, proponiendo estrategias como el uso de primeros planos para mostrar el movimiento de sus manos acompañando un poema—una técnica que Singerman luego empleó en una película de 1942. Carpentier, quien manejaba una variedad de medios, identificó el ritmo como la conexión crucial entre los dos tipos de corpus que aparecen en la declamación: la colección de poemas y el cuerpo. Este artículo trabaja con las observaciones de Carpentier para pensar el modo en el cual el ritmo influía tanto en la producción como en la recepción de la declamación durante el período en que Singerman atraía a grandes públicos en las Américas y Europa. Arguye que Singerman, quien se autodenominaba la “libertadora de poesía”, acentuaba el ritmo en sus recitales para que los públicos pudieran encontrar sentido a los poemas recitados. Ese proceso implicaba la creación de un espacio no solo para escuchar y sentir los poemas sino también donde los mismos generaban efectos ideol","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140699942","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Entre 1907 y 1910, diversas compañías fonográficas con sede en Estados Unidos sacaron al mercado mexicano varias grabaciones en las que se podían escuchar, en situaciones diferentes, la voz de Porfirio Díaz. En un disco incluido en un catálogo de Columbia Records publicado en 1907, por ejemplo, circularon las enérgicas órdenes del caudillo durante la batalla librada el 2 de abril de 1867 en Puebla, entre las tropas interventoras y el ejército juarista. Realmente, se trataba de una escenificación grabada en un taller de fonógrafos y bicicletas por un grupo de actores y músicos populares. Por su parte, un cilindro producido por Edison Company en 1909 contuvo una carta de Díaz dirigida a Thomas Alva Edison. A través de estas grabaciones y otras fuentes sonoras, visuales y manuscritas intentaré demostrar la relevancia de los sonidos grabados para estudiar las relaciones diplomáticas y comerciales entre el gobierno estadounidense y el Estado mexicano, así como las estrategias de los sectores subalternos para participar en las batallas cotidianas por la memoria de la nación. Las voces de don Porfirio revelan un privilegiado campo de tensiones sociales, entre la veracidad y la ficción, que permite reescribir la historia política y popular de México, desde otras posibilidades metodológicas.
{"title":"Las dos voces de Porfirio Díaz. Estado, ficciones audibles y una carta para Edison \u0000(México-Estados Unidos, 1907-1910)","authors":"Jaddiel Díaz Frene","doi":"10.26824/lalr.425","DOIUrl":"https://doi.org/10.26824/lalr.425","url":null,"abstract":"Entre 1907 y 1910, diversas compañías fonográficas con sede en Estados Unidos sacaron al mercado mexicano varias grabaciones en las que se podían escuchar, en situaciones diferentes, la voz de Porfirio Díaz. En un disco incluido en un catálogo de Columbia Records publicado en 1907, por ejemplo, circularon las enérgicas órdenes del caudillo durante la batalla librada el 2 de abril de 1867 en Puebla, entre las tropas interventoras y el ejército juarista. Realmente, se trataba de una escenificación grabada en un taller de fonógrafos y bicicletas por un grupo de actores y músicos populares. Por su parte, un cilindro producido por Edison Company en 1909 contuvo una carta de Díaz dirigida a Thomas Alva Edison. A través de estas grabaciones y otras fuentes sonoras, visuales y manuscritas intentaré demostrar la relevancia de los sonidos grabados para estudiar las relaciones diplomáticas y comerciales entre el gobierno estadounidense y el Estado mexicano, así como las estrategias de los sectores subalternos para participar en las batallas cotidianas por la memoria de la nación. Las voces de don Porfirio revelan un privilegiado campo de tensiones sociales, entre la veracidad y la ficción, que permite reescribir la historia política y popular de México, desde otras posibilidades metodológicas.","PeriodicalId":333470,"journal":{"name":"Latin American Literary Review","volume":null,"pages":null},"PeriodicalIF":0.0,"publicationDate":"2024-04-15","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"140703610","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
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