Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-179
Земфира Тараян
В данной статье на основании исторических данных мы пытаемся восстановить подлинную историю иконописи и имя живописца, создавшего первый образ Иисуса Христа, искаженный легендой, приписавшей этому образу «нерукотворность». Изначально ни один историк (Герубна, Евсевий Кесарийский, Мовсес Хоренаци) не упоминает о нерукотворности образа, напротив, все единогласно называют живописца-мастера, писавшего его. Это Анан (Ананий Апахуни), выполнявший дипломатические поручения царя Абгара. То, что он одновременно являлся придворным художником, придает его авторству еще большую правдоподобность. Безусловно, дипломат должен уметь фиксировать документальные данные. У Анана этот дар проявлялся в его способности не только описать, но и зарисовать происходящие события и причастных к ним лиц. В этом плане его авторство бесценно, и легенда о нерукотворном образе, предав забвению имя создателя важнейшей для христианства реликвии, незаслуженно лишила иконописную школу подлинной истории. Armenia had developed schools of mural painting and miniature painting. Monasteries and churches had scriptoria and corresponding workshops for copying and illuminating books. However, it should be mentioned that icon painting was weak in Armenia, notwithstanding the fact that it was one of the main directions of Christian art in the neighbouring Byzantium, Georgia, and Russia. Researchers did not either focus their attention to the fact that the Armenian Church almost never introduced iconostases but widely used altar curtains. However, it was in the Armenian settlements that the first sacred images (Christ and Our Lady) were elaborated and later accepted as icons. These controversial circumstances in the history of Christianity need thorough research. Early historians of the Christian church call artist Anan Apahuni the creator of the first image of Christ. Painted in His earthly life, this image of Christ represents His historical portrait. The concept of an icon did not exist then. The legend about the Miraculous Image of the Saviour unjustly deprived the artist of his authorship, which should be restored, and his role in the development of icon painting reappraised.
在这篇文章中，我们试图根据历史数据重现真实的图标历史和艺术家的名字，他创造了耶稣基督的第一个形象，被传说为“不锈迹”。最初，没有一位历史学家(赫本，凯斯利乌斯，莫斯利斯)提到过这幅画的不完整，相反，所有人一致认为这幅画的作者是艺术家。这是阿南(阿纳尼乌斯·阿帕胡尼)，他为阿卜加国王执行外交任务。他同时也是一名宫廷艺术家，这让他的作者更加可信。当然，外交官必须能够记录文件。阿纳恩不仅有能力描述，而且有能力描绘事件和相关人员。从这个意义上说，他的作者是无价的，他的不锈钢形象的传说，抛弃了基督教最重要文物的创造者的名字，错误地剥夺了圣像学校的真实历史。Armenia had开发学校的mural painting和miniature painting。Monasteries和churches had scriptoria和corresponding workshops for coping和illiminating books。However，这应该是在Armenia上发布的，而不是在乔治亚州和俄罗斯发布的基督教艺术的主要主题。研究人员还没有意识到亚美尼亚教会的存在，但有了阿尔塔的存在，他们就有了力量。However，那是在Armenian setlements，那是我们的第一幅画。在基督需要恐怖研究的历史上，有一个控制圈。基督教基督教教会的历史学家安安·阿帕利尼是基督第一形象的创作者。在《地球生命》中受伤，这是基督信使的形象。《圣经》的内容并不特别。《野蛮人》的传奇人物《野蛮人》的《野蛮人》《野蛮人》的《野蛮人》《野蛮人》的《野蛮人》《野蛮人》的《野蛮人》《野蛮人》的《野蛮人》。
{"title":"Значение иконы в армянском христианском искусстве","authors":"Земфира Тараян","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-179","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-179","url":null,"abstract":"В данной статье на основании исторических данных мы пытаемся восстановить подлинную историю иконописи и имя живописца, создавшего первый образ Иисуса Христа, искаженный легендой, приписавшей этому образу «нерукотворность». Изначально ни один историк (Герубна, Евсевий Кесарийский, Мовсес Хоренаци) не упоминает о нерукотворности образа, напротив, все единогласно называют живописца-мастера, писавшего его. Это Анан (Ананий Апахуни), выполнявший дипломатические поручения царя Абгара. То, что он одновременно являлся придворным художником, придает его авторству еще большую правдоподобность. Безусловно, дипломат должен уметь фиксировать документальные данные. У Анана этот дар проявлялся в его способности не только описать, но и зарисовать происходящие события и причастных к ним лиц. В этом плане его авторство бесценно, и легенда о нерукотворном образе, предав забвению имя создателя важнейшей для христианства реликвии, незаслуженно лишила иконописную школу подлинной истории.\u0000Armenia had developed schools of mural painting and miniature painting. Monasteries and churches had scriptoria and corresponding workshops for copying and illuminating books. However, it should be mentioned that icon painting was weak in Armenia, notwithstanding the fact that it was one of the main directions of Christian art in the neighbouring Byzantium, Georgia, and Russia. Researchers did not either focus their attention to the fact that the Armenian Church almost never introduced iconostases but widely used altar curtains. However, it was in the Armenian settlements that the first sacred images (Christ and Our Lady) were elaborated and later accepted as icons. These controversial circumstances in the history of Christianity need thorough research. Early historians of the Christian church call artist Anan Apahuni the creator of the first image of Christ. Painted in His earthly life, this image of Christ represents His historical portrait. The concept of an icon did not exist then. The legend about the Miraculous Image of the Saviour unjustly deprived the artist of his authorship, which should be restored, and his role in the development of icon painting reappraised.","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"50 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"75135222","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-40
Татьяна Леонидовна Брославская
Предлагаемая многоаспектная тема занимает важное место как в вузовском историческом курсе, так и в деятельности Кабинета истории национальных музыкальных культур Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н.А. Римского-Корсакова. При изучении культуры Армении было проведено немало научных заседаний, посвященных творчеству избранных композиторов на разных площадках Петербурга. Комитас и Тертерян – художники, принадлежавшие к разным временным периодам истории Армении, отдаленным друг от друга на весьма заметную дистанцию. Это этапы творческой зрелости культуры: рубеж XIX – начала XX века, время становления композиторской школы, и вторая половина XX столетия (эпоха бурного развития и расцвета). Такая дистанция обусловила обращение к иным музыкально–выразительным средствам и различные жанровые приоритеты: обработки народных песен и танцев у Комитаса, симфонии и музыкальный театр – в творчестве Тертеряна. Комитас обозначил грань нового подхода к фольклору, к корневым народным традициям. Он решал многие проблемы: фольклорного многоголосия фактуры, её полифонизации и сонорности (фонизма). Продолжая традиции классика, Тертерян обращался к различным формам монодии, ее архитипам, активно переосмысливая выбранные варианты при яркой тембровой динамике. Творчество музыкантов объединила энциклопедическая широта деятельности. Художников подобного «двуединства» характеризует особое ощущение звука, насыщенного содержательностью тона, чуткостью слышания протяженного «дама». Их объединяют содержательность сочинений, обращенных к истории страны, прошедшей через многие испытания. Они оба – уникальные провидцы, обогнавшие свое время, и в этом их величие! The proposed topic of numerous aspects occupies an important place both in the university’s history course and in the activities of the Cabinet of the History of National Musical Cultures at the N.A. Rimsky-Korsakov State Conservatory in St. Petersburg. When studying the culture of Armenia, many scientific meetings were held dedicated to the work of selected composers at various venues in St. Petersburg. Komitas and Terteryan are artists who belonged to different periods in the history of Armenia, quite noticeably distant from each other. These are the stages of the creative maturity of culture at the turn of the 19th - early 20th centuries, the period of the composer school formation and the second half of the 20th century, the era of rapid development and prosperity. Such a distance led to an appeal to other musical and expressive means and various genre priorities: arrangements of folk songs and dances by Komitas, symphonies and musical theatre in Terteryan’s creative work. Komitas designated a new approach to folklore, and the fundamental folk traditions. He solved many problems: folklore polyphony of texture, its polyphonization and sonority (phonism). Continuing the traditions of the classic, Terteryan turned to various forms of monody, its archetypes, actively rethinking the chosen options with bri
{"title":"Прошлое в настоящем – связь поколений (стилистика Комитаса и ее осмысление в творчестве Авета Тертеряна)","authors":"Татьяна Леонидовна Брославская","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-40","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-40","url":null,"abstract":"Предлагаемая многоаспектная тема занимает важное место как в вузовском историческом курсе, так и в деятельности Кабинета истории национальных музыкальных культур Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н.А. Римского-Корсакова. При изучении культуры Армении было проведено немало научных заседаний, посвященных творчеству избранных композиторов на разных площадках Петербурга. Комитас и Тертерян – художники, принадлежавшие к разным временным периодам истории Армении, отдаленным друг от друга на весьма заметную дистанцию. Это этапы творческой зрелости культуры: рубеж XIX – начала XX века, время становления композиторской школы, и вторая половина XX столетия (эпоха бурного развития и расцвета). Такая дистанция обусловила обращение к иным музыкально–выразительным средствам и различные жанровые приоритеты: обработки народных песен и танцев у Комитаса, симфонии и музыкальный театр – в творчестве Тертеряна. Комитас обозначил грань нового подхода к фольклору, к корневым народным традициям. Он решал многие проблемы: фольклорного многоголосия фактуры, её полифонизации и сонорности (фонизма). Продолжая традиции классика, Тертерян обращался к различным формам монодии, ее архитипам, активно переосмысливая выбранные варианты при яркой тембровой динамике. Творчество музыкантов объединила энциклопедическая широта деятельности. Художников подобного «двуединства» характеризует особое ощущение звука, насыщенного содержательностью тона, чуткостью слышания протяженного «дама». Их объединяют содержательность сочинений, обращенных к истории страны, прошедшей через многие испытания. Они оба – уникальные провидцы, обогнавшие свое время, и в этом их величие!\u0000The proposed topic of numerous aspects occupies an important place both in the university’s history course and in the activities of the Cabinet of the History of National Musical Cultures at the N.A. Rimsky-Korsakov State Conservatory in St. Petersburg. When studying the culture of Armenia, many scientific meetings were held dedicated to the work of selected composers at various venues in St. Petersburg. Komitas and Terteryan are artists who belonged to different periods in the history of Armenia, quite noticeably distant from each other. These are the stages of the creative maturity of culture at the turn of the 19th - early 20th centuries, the period of the composer school formation and the second half of the 20th century, the era of rapid development and prosperity. Such a distance led to an appeal to other musical and expressive means and various genre priorities: arrangements of folk songs and dances by Komitas, symphonies and musical theatre in Terteryan’s creative work. Komitas designated a new approach to folklore, and the fundamental folk traditions. He solved many problems: folklore polyphony of texture, its polyphonization and sonority (phonism). Continuing the traditions of the classic, Terteryan turned to various forms of monody, its archetypes, actively rethinking the chosen options with bri","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"39 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"90776109","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-268
Սուսաննա Բրիկյան
19-րդ դարավերջին հայ թատրոնի գլխավոր առանձնահատկությունը ձևային և էսթետիկական որոնումներն էին: Տվյալ ժամանակաշրջանում հայ թատրոնի սահմաններն ընդգրկում էին ոչ միայն հայրենի գավառները, այլև տարածվում ընդհուպ մինչև Մոսկ-վա, Կոստանդնուպոլիս, Թիֆլիս, Բաքու, որտեղ հանդիսատեսի դատին էին ներկայացվում բազում թատերական ներկայացումներ` շնորհալի հայ դերասանների մասնակցությամբ: Հենց այդ ժամանակաշրջանում իր դերասանական ուղին սկսեց Սաթենիկ Ադամյանը, ում շատերը հետագայում համարեցին հայ թատրոնի առաջնուհի: Սաթենիկ Ադամյանը լավ կրթություն ստացած սակավաթիվ դերասանուհիներից էր: Գերազանց տիրապետելով հայոց լեզվին՝ թարգմանել է մեկ տասնյակից ավելի պիեսներ` Ի. Պոտապենկոյի «Դյութական հեքիաթը», Ն. Ալեքսանդրովի «Մի ամուսնության պատմություն», Ա. Շնիցլերի «Զվարճալիք», Կնուտ Համսունի «Փառքի շեմին» և այլն: Հեղինակել է հայկական առաջին կինոլիբրետոն՝ ըստ Մ. Մանվելյանի «Դյութական հեքիաթ» սիմվոլիստական պիեսի: The main distinguishing feature of the late 19th-century Armenian theatre is the formal and aesthetic search. It was a time, when the boundaries of the Armenian theatre included not only the provinces of the motherland, but also extended to Moscow, Constantinople, Tbilisi, and other places, where many theatrical performances were presented with the participation of talented Armenian actors and actresses. Satenik Adamyan’s acting career began precisely during this period; later, many considered her the first lady of the Armenian theatre. Satenik Adamyan was one of the few actresses who received a good education. Having an excellent command of the Armenian language, she translated more than a dozen plays, including I. Potapenko's “Magic Tale”, N. Alexandrov՚s “The Story of a Marriage”, A. Schnitzler՚s “Fun”, Knut Hamsun՚s “On the Edge of Glory”, etc. Тhe actress is the author of the first film libretto based on the symbolic play by M. Manvelyan “Magic Story”. The life and creative path of Satenik Adamyan attracted the attention of many researchers in the theatrical field. Friends, relatives, and colleagues of the actress spoke of her with admiration and love. However, there does not exist a comprehensive study that would explain her acting profile, personality and all layers of creativity, as well as point out the important details in her biography. Taking into consideration the significance of the creative path of Satenik Adamyan in the further development and formation of the Armenian theatre, there are reasonable grounds to state that the study of the role of the actress in the history of the Armenian theatre, her creative principles and acting style features, is quite actual today.
{"title":"Սաթենիկ Ադամյանի ստեղծագործական ուղին (համառոտ ակնարկ)","authors":"Սուսաննա Բրիկյան","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-268","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-268","url":null,"abstract":"19-րդ դարավերջին հայ թատրոնի գլխավոր առանձնահատկությունը ձևային և էսթետիկական որոնումներն էին: Տվյալ ժամանակաշրջանում հայ թատրոնի սահմաններն ընդգրկում էին ոչ միայն հայրենի գավառները, այլև տարածվում ընդհուպ մինչև Մոսկ-վա, Կոստանդնուպոլիս, Թիֆլիս, Բաքու, որտեղ հանդիսատեսի դատին էին ներկայացվում բազում թատերական ներկայացումներ` շնորհալի հայ դերասանների մասնակցությամբ: Հենց այդ ժամանակաշրջանում իր դերասանական ուղին սկսեց Սաթենիկ Ադամյանը, ում շատերը հետագայում համարեցին հայ թատրոնի առաջնուհի: Սաթենիկ Ադամյանը լավ կրթություն ստացած սակավաթիվ դերասանուհիներից էր: Գերազանց տիրապետելով հայոց լեզվին՝ թարգմանել է մեկ տասնյակից ավելի պիեսներ` Ի. Պոտապենկոյի «Դյութական հեքիաթը», Ն. Ալեքսանդրովի «Մի ամուսնության պատմություն», Ա. Շնիցլերի «Զվարճալիք», Կնուտ Համսունի «Փառքի շեմին» և այլն: Հեղինակել է հայկական առաջին կինոլիբրետոն՝ ըստ Մ. Մանվելյանի «Դյութական հեքիաթ» սիմվոլիստական պիեսի:\u0000The main distinguishing feature of the late 19th-century Armenian theatre is the formal and aesthetic search. It was a time, when the boundaries of the Armenian theatre included not only the provinces of the motherland, but also extended to Moscow, Constantinople, Tbilisi, and other places, where many theatrical performances were presented with the participation of talented Armenian actors and actresses. Satenik Adamyan’s acting career began precisely during this period; later, many considered her the first lady of the Armenian theatre. Satenik Adamyan was one of the few actresses who received a good education. Having an excellent command of the Armenian language, she translated more than a dozen plays, including I. Potapenko's “Magic Tale”, N. Alexandrov՚s “The Story of a Marriage”, A. Schnitzler՚s “Fun”, Knut Hamsun՚s “On the Edge of Glory”, etc. Тhe actress is the author of the first film libretto based on the symbolic play by M. Manvelyan “Magic Story”. The life and creative path of Satenik Adamyan attracted the attention of many researchers in the theatrical field. Friends, relatives, and colleagues of the actress spoke of her with admiration and love. However, there does not exist a comprehensive study that would explain her acting profile, personality and all layers of creativity, as well as point out the important details in her biography. Taking into consideration the significance of the creative path of Satenik Adamyan in the further development and formation of the Armenian theatre, there are reasonable grounds to state that the study of the role of the actress in the history of the Armenian theatre, her creative principles and acting style features, is quite actual today.","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"123 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"85684063","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-60
Lilit Yernjakyan
The American Armenian composer Alan Hovhaness’ “otherness” in the context of the 20th century musical discourse can be explained by his Armenian-Scottish origins, Armenian-Eastern musical identity and his unique interpretation of different artistic traditions of eastern musical cultures - Indian, Japanese, Korean etc., available in his works. The tragic pages of Armenian history are reflected in Alan Hovhaness’ immense heritage; this article particularly focuses on the “Exile” symphony (No. 1, 1939), dedicated to the Armenian Genocide. The “Exile” is a kind of catharsis in the long run of Hovhaness’ pursuit of national spirit and musical identity to achieve solution to his psychological and creative crisis. The symphony became a symbolic self-acknowledgement of the composer’s Armenian identity, and an offering in commemoration of the Genocide victims in the realm of the musical space of the composer’s individual perceptions.
{"title":"The Tragic Pages of Armenian History in Alan Hovhaness’ Works","authors":"Lilit Yernjakyan","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-60","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-60","url":null,"abstract":"The American Armenian composer Alan Hovhaness’ “otherness” in the context of the 20th century musical discourse can be explained by his Armenian-Scottish origins, Armenian-Eastern musical identity and his unique interpretation of different artistic traditions of eastern musical cultures - Indian, Japanese, Korean etc., available in his works. The tragic pages of Armenian history are reflected in Alan Hovhaness’ immense heritage; this article particularly focuses on the “Exile” symphony (No. 1, 1939), dedicated to the Armenian Genocide. The “Exile” is a kind of catharsis in the long run of Hovhaness’ pursuit of national spirit and musical identity to achieve solution to his psychological and creative crisis. The symphony became a symbolic self-acknowledgement of the composer’s Armenian identity, and an offering in commemoration of the Genocide victims in the realm of the musical space of the composer’s individual perceptions.","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"16 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"89515703","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-129
Anahit Bekaryan
From the beginning of their settlement in Canada, since the early 1900s, Armenians have been actively engaged in organizing and holding modest shows and gatherings with recitals, songs, theatrical rehearsals, and impromptu performances. Their purpose was to unite the Armenians of the community, as well as to raise funds in favour of Armenian immigrants, schools, and hospitals. Although the performances of those shows and gatherings did not have any outstanding artistic value, it is an undeniable fact that they played a significant role in educating the younger generation of Armenians in the spirit of national-cultural traditions, preserving national identity, and served their main goal of uniting the Armenians of Canada to acquaint and connect them with the national theatre. In this regard, the organizers of the aforementioned events deserve all the praise and high evaluation.
{"title":"Berj Fazlian՚s “Othello” on the Armenian Stage in Canada","authors":"Anahit Bekaryan","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-129","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-129","url":null,"abstract":"From the beginning of their settlement in Canada, since the early 1900s, Armenians have been actively engaged in organizing and holding modest shows and gatherings with recitals, songs, theatrical rehearsals, and impromptu performances. Their purpose was to unite the Armenians of the community, as well as to raise funds in favour of Armenian immigrants, schools, and hospitals. Although the performances of those shows and gatherings did not have any outstanding artistic value, it is an undeniable fact that they played a significant role in educating the younger generation of Armenians in the spirit of national-cultural traditions, preserving national identity, and served their main goal of uniting the Armenians of Canada to acquaint and connect them with the national theatre. In this regard, the organizers of the aforementioned events deserve all the praise and high evaluation.","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"9 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"90665545","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-93
Маргарита Рухкян
Искусство Армении прочно основано на эпическом наследии. Эпос «Давид Са-сунский» сформировал в народе особый взгляд на отечественную историю. Загадочная мудрость эпоса «Давид Сасунский» вобрала в себя и отразила вечную пограничность армянской судьбы, двойственность истоков происхождения, широкую почву армянского искусства, граничащего и с Востоком и с Западом, героическую устремленность народа к единому духовному ориентиру, осознанную готовность к испытаниям, жертвенность… Сложные повороты истории не снижают в народе уровня высокого эпического мироощущения. Это и выражает армянское искусство. Жанр симфонии – самой крупной формы в музыкальном искусстве, стал в Армении прочной национальной художественной традицией. The art of Armenia is firmly based on the epic heritage. The epic David of Sasun has formed a special view of national history among the people. The mysterious wisdom of the epic David of Sasun incorporates and reflects the eternal nature of the Armenians’ existence, duality in their origins, the wide grounds of Armenian art, bordering upon the East and the West, the people’s heroic aspiration towards a single spiritual guideline, conscious readiness for trials, sacrifice… Complicated twists and turns of history do not lower the level of the people's high epic worldview. This is what Armenian art expresses. The genre of the symphony, the largest form in the art of music, has become a strong national artistic tradition in Armenia.
亚美尼亚的艺术是建立在史诗遗产的基础上的。这部史诗《萨松的大卫》以一种独特的方式塑造了人们对国内历史的看法。神秘智慧史诗《大卫сасунск永远吸收并反映亚美尼亚边境”命运,对偶起源尚宽土壤亚美尼亚接壤的艺术和东方和西方,英勇的人民团结精神标杆,意识到试验准备祭祀复杂曲折故事不能降低人民的高水平史诗般的态度。这就是亚美尼亚艺术的表达方式。交响乐是音乐艺术中最大的形式，成为亚美尼亚持久的民族艺术传统。Armenia的艺术是史诗遗产的基础。《国家历史悠久》中的史诗人物大卫·斯宾塞·斯宾塞·斯宾塞。神秘的智慧of The epic David of Sasun incorporates and reflects The eternal nature of The亚美尼亚‘起源duality in their existence, The wide grounds of亚美尼亚art bordering on The》(East and West, The people ' s heroic aspiration a single《精神guideline, conscious readiness for试验走向,牺牲Complicated twists and turns of history do not下epic worldview The level of The people ' s high。这是亚美尼亚艺术快车。交响乐的天才，音乐艺术中最大的力量，在阿曼尼亚的国家艺术交易之前。
{"title":"Национальный эпос как основа армянского искусства. На примере армянской симфонии","authors":"Маргарита Рухкян","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-93","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-93","url":null,"abstract":"Искусство Армении прочно основано на эпическом наследии. Эпос «Давид Са-сунский» сформировал в народе особый взгляд на отечественную историю. Загадочная мудрость эпоса «Давид Сасунский» вобрала в себя и отразила вечную пограничность армянской судьбы, двойственность истоков происхождения, широкую почву армянского искусства, граничащего и с Востоком и с Западом, героическую устремленность народа к единому духовному ориентиру, осознанную готовность к испытаниям, жертвенность… Сложные повороты истории не снижают в народе уровня высокого эпического мироощущения. Это и выражает армянское искусство. Жанр симфонии – самой крупной формы в музыкальном искусстве, стал в Армении прочной национальной художественной традицией.\u0000The art of Armenia is firmly based on the epic heritage. The epic David of Sasun has formed a special view of national history among the people. The mysterious wisdom of the epic David of Sasun incorporates and reflects the eternal nature of the Armenians’ existence, duality in their origins, the wide grounds of Armenian art, bordering upon the East and the West, the people’s heroic aspiration towards a single spiritual guideline, conscious readiness for trials, sacrifice… Complicated twists and turns of history do not lower the level of the people's high epic worldview. This is what Armenian art expresses. The genre of the symphony, the largest form in the art of music, has become a strong national artistic tradition in Armenia.","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"344 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"77686186","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-138
Александр Чепалов
Статья посвящена истории и сегодняшним творческим процессам второго по значению музыкального театра Мюнхена и Баварского региона Gärtnerplatztheater. Исследованы истоки формирования репертуарных тенденций, которые выделили Театр на Гертнерплац в качестве поставщика зрелищ легкого жанра. Изучены процессы, позволившие ему снять эти ограничения. В частности, анализируется постановка принципиально новых по стилистике немецких опер («Джонни наигрывает» Э. Кшенека) с параллельным рассмотрением подобных авангардных тенденций в театрах СССР. В качестве примера резонансной мировой премьеры рассматривается постановка оперы «Землетрясение» А. Тертеряна и судьба этого талантливого композитора. The article is devoted to the history and current creative processes in the Gärtnerplatztheater, the second most important musical theater in Munich and the Bavarian region. The author investigates the origins of the repertoire trends that highlighted the Theater at Gärtnerplatz as a producer of light entertainment shows. The article also looks into the processes that allowed the theatre to remove these restrictions. In particular, the staging of German operas that are fundamentally new in style (“Jonny spielt auf” by E. Krenek) is reviewed. Simultaneously, the author is exploring similar avant-garde trends in the USSR theaters. As an example of a resonant world premiere, the performance based on A. Terteryan՚s opera “The Earthquake” and the fate of the talented composer are analyzed.
这篇文章是关于慕尼黑音乐剧院和巴伐利亚地区Gartnerplatztheater的历史和今天的创作过程。研究了曲目趋势形成的根源，这些趋势将剧院划分为格特纳普拉茨剧院，作为轻型马戏团的供应商。研究了使他能够解除这些限制的过程。特别引人注目的是，德国歌剧的主要新风格(“强尼演奏”e . ksheneka)的制作，并行审查了苏联剧院的这种前卫趋势。作为全球首映式的一个例子，歌剧《地震》的制作也被视为这位才华横溢的作曲家的命运。这首歌是献给gartnerplattheer历史和传统知识专业的，是Munich和巴伐利亚地区第二受影响的音乐剧。《超人前传》的主播是《光娱乐》的制片人。艺术家also looks参与了剧院对他们的报复。在《德国operas》中，这是对Jonny spielt auf的评论。在美国剧院里，领班是一种挑战。As an example of a谐振premiere, the world = on a . Terteryan՚s opera《地震》“and the fate of the talented composer are analyzed。
{"title":"Gärtnerplatztheater в Мюнхене: социокультурные и компаративные аспекты творческого процесса","authors":"Александр Чепалов","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-138","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-138","url":null,"abstract":"Статья посвящена истории и сегодняшним творческим процессам второго по значению музыкального театра Мюнхена и Баварского региона Gärtnerplatztheater. Исследованы истоки формирования репертуарных тенденций, которые выделили Театр на Гертнерплац в качестве поставщика зрелищ легкого жанра. Изучены процессы, позволившие ему снять эти ограничения. В частности, анализируется постановка принципиально новых по стилистике немецких опер («Джонни наигрывает» Э. Кшенека) с параллельным рассмотрением подобных авангардных тенденций в театрах СССР. В качестве примера резонансной мировой премьеры рассматривается постановка оперы «Землетрясение» А. Тертеряна и судьба этого талантливого композитора.\u0000The article is devoted to the history and current creative processes in the Gärtnerplatztheater, the second most important musical theater in Munich and the Bavarian region. The author investigates the origins of the repertoire trends that highlighted the Theater at Gärtnerplatz as a producer of light entertainment shows. The article also looks into the processes that allowed the theatre to remove these restrictions. In particular, the staging of German operas that are fundamentally new in style (“Jonny spielt auf” by E. Krenek) is reviewed. Simultaneously, the author is exploring similar avant-garde trends in the USSR theaters. As an example of a resonant world premiere, the performance based on A. Terteryan՚s opera “The Earthquake” and the fate of the talented composer are analyzed.","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"8 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"80936347","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-50
Larisa Gontovaya
The article is devoted to relevance of the folklore tradition in the work of composers of various national schools, namely, A. Spendiaryan, I. Stravinsky, L. Revutsky. Tradition is considered from the perspective of the main characteristics of metamodern as one of the important semantic guidelines for the listener, who is in the conditions of semantic uncertainty and oscillation in modern culture. The article attempts to highlight the paradoxical nature of tradition, which lies in its avant-garde potential against the background of “habitualness” of innovations in modern culture. From the history of arts, examples of using traditional elements by the avant-garde in the works of A. Archipenko, K. Malevich, M. Saryan, A. Erdeli are given. The interpretation of folklore in the works of Spendiaryan, Stravinsky and Revutsky reveals both common and different features, which indicates the innovative potential of tradition. Spendiaryan and Revutsky follow the integrity of the original folklore source and its active development, creating a new colorful material, while Stravinsky explores it and, on its basis, creates a new synthesis of word, movement and sound. The conclusion is made that tradition may sound modern, it may sound more “avant-garde” than many of the presented innovations․
这篇文章致力于与民俗传统在不同国家流派的作曲家的作品中的相关性，即A. spenddiaryan, I. Stravinsky, L. Revutsky。从元现代的主要特征出发，认为传统是现代文化中处于语义不确定和振荡状态下的听者的重要语义指导之一。本文试图突出传统的悖论性，即传统在现代文化创新的“习惯性”背景下的先锋性。从艺术史的角度，给出了A. Archipenko, K. Malevich, M. Saryan, A. Erdeli的作品中先锋派使用传统元素的例子。斯潘迪尔扬、斯特拉文斯基和列夫茨基的作品对民间传说的阐释既有共性又有差异性，显示出传统的创新潜力。斯潘迪亚扬和雷夫茨基遵循原始民俗来源的完整性及其积极发展，创造了一种新的丰富多彩的材料，而斯特拉文斯基则对其进行了探索，并在此基础上创造了一种新的文字，动作和声音的合成。由此得出的结论是，传统可能听起来很现代，它可能比许多展示的创新听起来更“前卫”
{"title":"The paradox of tradition: Alexander Spendiaryan, Lev Revutsky, Igor Stravinsky","authors":"Larisa Gontovaya","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-50","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-50","url":null,"abstract":"The article is devoted to relevance of the folklore tradition in the work of composers of various national schools, namely, A. Spendiaryan, I. Stravinsky, L. Revutsky. Tradition is considered from the perspective of the main characteristics of metamodern as one of the important semantic guidelines for the listener, who is in the conditions of semantic uncertainty and oscillation in modern culture. The article attempts to highlight the paradoxical nature of tradition, which lies in its avant-garde potential against the background of “habitualness” of innovations in modern culture. From the history of arts, examples of using traditional elements by the avant-garde in the works of A. Archipenko, K. Malevich, M. Saryan, A. Erdeli are given. The interpretation of folklore in the works of Spendiaryan, Stravinsky and Revutsky reveals both common and different features, which indicates the innovative potential of tradition. Spendiaryan and Revutsky follow the integrity of the original folklore source and its active development, creating a new colorful material, while Stravinsky explores it and, on its basis, creates a new synthesis of word, movement and sound. The conclusion is made that tradition may sound modern, it may sound more “avant-garde” than many of the presented innovations․","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"29 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"77740501","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-224
Վիգեն Ղազարյան
19-րդ դարի վերջից առ այսօր իրականացվում են քրիստոնեական արվեստի պատկերագրությանը նվիրված բազմաթիվ հետազոտություններ: Այս առումով աննախադեպ են Ս. Տեր-Ներսեսյանի բեղուն գործունեությունը և պատկերագրության ծագման և կազմավորման մեծ գիտակ Ա. Գրաբարի ուսումնասիրությունները: Հայ և մնացած երկրների քրիստոնեական արվեստում առավել ակնառու են ոճական տարբերությունները: Ամենից շատ պատկերազարդվել են Սուրբ Ավետարանները: Միջնադարյան մանրանկարչության և զարդարվեստի մեկնաբանման համար աղբյուր է հանդիսացել հիմնականում Սուրբ Գիրքը, որը հնարավորություն է տալիս հասկանալ աստվածաբանական բովանդակությունը և նրանից շեղման հավաստման հնարավորությունը հայ, ինչպես նաև ասորական, բյուզանդական, վրացական, կարոլինգյան, ռոմանական, գոթական և առհասարակ միջ-նադարյան արվեստների համար: Հայ եկեղեցու դավանաբանական խնդիրների մեկնաբանման և դավանաբանությունը հասկանալու համար շատ կարևոր են «Գիրք թղթոց» և«Կնիք հավատոց» երկերը: Ուսումնասիրությունների արդյունքում պարզվում է, որ դավանաբանությունը անմիջական ազդեցություն է թողնում պատկերագրության վրա: Պատկերագրական տարբերությունները միջնադարում հատկապես ակնառու են զարդարվեստում: From the end of the 19th century to the present day, numerous studies have been conducted on the iconography of Christian art. In this regard, the studies and fruitful activity of S. Der Nersessian and A. Grabar, a great connoisseur of the origin and formation of iconography, are unprecedented. Stylistic differences are most obvious in the Christian art of Armenia and other countries. The sacred Gospels were illustrated most of all. The Holy Book was the main source for the interpretation of medieval miniature painting and ornamental art, which allows us to understand the theological content. “The Book of Papers” and “The Seal of Faith” are the most important works to interpret the dogmatic problems of the Armenian Church and to understand religion. As a result of research, it turned out that religion has a direct impact on iconography. Iconographic differences in the Middle Ages are especially noticeable in ornamental art.
19րդդարիվերջիցառայսօրիրականացվումենքրիստոնեականարվեստիպատկերագրությանընվիրվածբազմաթիվհետազոտություններ:ԱյսառումովաննախադեպենՍ。Տեր-ՆերսեսյանիբեղունգործունեությունըևպատկերագրությանծագմանևկազմավորմանմեծգիտակԱ。Գրաբարիուսումնասիրությունները:Հայևմնացածերկրներիքրիստոնեականարվեստումառավելակնառուենոճականտարբերությունները:ԱմենիցշատպատկերազարդվելենՍուրբԱվետարանները:ՄիջնադարյանմանրանկարչությանևզարդարվեստիմեկնաբանմանհամարաղբյուրէհանդիսացելհիմնականումՍուրբԳիրքը,որըհնարավորությունէտալիսհասկանալաստվածաբանականբովանդակությունըևնրանիցշեղմանհավաստմանհնարավորությունըհայ,ինչպեսնաևասորական,բյուզանդական,վրացական,կարոլինգյան,ռոմանական,գոթականևառհասարակմիջ-նադարյանարվեստներիհամար:Հայեկեղեցուդավանաբանականխնդիրներիմեկնաբանմանևդավանաբանությունըհասկանալուհամարշատկարևորեն“Գիրքթղթոցև”“Կնիքհավատոց”երկերը:Ուսումնասիրություններիարդյունքումպարզվումէ,որդավանաբանությունըանմիջականազդեցությունէթողնումպատկերագրությանվրա:Պատկերագրականտարբերություններըմիջնադարումհատկապեսակնառուենզարդարվեստում:From the end of the 19th century to the present day, numerous studies have been conducted on the iconography of Christian art。在瑞格德、工作室和工作室里，《尼尔斯和a . Grabar》和《伟大的创世纪》是无与伦比的。在阿梅尼亚和另一个国家的基督教艺术中，Stylistic differences是最有争议的。《神圣的神》是所有人的幻想。《好书》是《圣经》中最受欢迎的中篇小说，也是《圣经》中最受欢迎的作品。《教皇的书》和《信仰的海豹》是亚美尼亚教会最受欢迎的作品，也是最受欢迎的作品。这是对研究的回应，这是对传统的回应，是对iconography的直接攻击。中段的差异是ornamental艺术中的一个音符。
{"title":"Պատկերագրության և պատկերաբանության շուրջ (մաս 2)","authors":"Վիգեն Ղազարյան","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-224","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-224","url":null,"abstract":"19-րդ դարի վերջից առ այսօր իրականացվում են քրիստոնեական արվեստի պատկերագրությանը նվիրված բազմաթիվ հետազոտություններ: Այս առումով աննախադեպ են Ս. Տեր-Ներսեսյանի բեղուն գործունեությունը և պատկերագրության ծագման և կազմավորման մեծ գիտակ Ա. Գրաբարի ուսումնասիրությունները: Հայ և մնացած երկրների քրիստոնեական արվեստում առավել ակնառու են ոճական տարբերությունները: Ամենից շատ պատկերազարդվել են Սուրբ Ավետարանները: Միջնադարյան մանրանկարչության և զարդարվեստի մեկնաբանման համար աղբյուր է հանդիսացել հիմնականում Սուրբ Գիրքը, որը հնարավորություն է տալիս հասկանալ աստվածաբանական բովանդակությունը և նրանից շեղման հավաստման հնարավորությունը հայ, ինչպես նաև ասորական, բյուզանդական, վրացական, կարոլինգյան, ռոմանական, գոթական և առհասարակ միջ-նադարյան արվեստների համար: Հայ եկեղեցու դավանաբանական խնդիրների մեկնաբանման և դավանաբանությունը հասկանալու համար շատ կարևոր են «Գիրք թղթոց» և«Կնիք հավատոց» երկերը: Ուսումնասիրությունների արդյունքում պարզվում է, որ դավանաբանությունը անմիջական ազդեցություն է թողնում պատկերագրության վրա: Պատկերագրական տարբերությունները միջնադարում հատկապես ակնառու են զարդարվեստում:\u0000From the end of the 19th century to the present day, numerous studies have been conducted on the iconography of Christian art. In this regard, the studies and fruitful activity of S. Der Nersessian and A. Grabar, a great connoisseur of the origin and formation of iconography, are unprecedented. Stylistic differences are most obvious in the Christian art of Armenia and other countries. The sacred Gospels were illustrated most of all. The Holy Book was the main source for the interpretation of medieval miniature painting and ornamental art, which allows us to understand the theological content. “The Book of Papers” and “The Seal of Faith” are the most important works to interpret the dogmatic problems of the Armenian Church and to understand religion. As a result of research, it turned out that religion has a direct impact on iconography. Iconographic differences in the Middle Ages are especially noticeable in ornamental art.","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"10 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"80930544","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
Pub Date : 2023-02-13DOI: 10.54503/2579-2830-2022.2(8)-69
Հռիփսիմե Պիկիչյան
Խորհրդային Միության կազմում ներառված հանրապետությունների զարգացման ռազմավարական ծրագրերում առանձնակի դեր էր հատկացվում մշակութային քաղաքականությանը, որի գերնպատակը մշակույթի միջոցով խորհրդային հասարակության, քաղաքացու ընդհանրացված աշխարհայացքի ու կերպարի ստեղծումն էր: Հոդվածի նպատակն է, ավանդական նվագարանային մշակույթի ոլորտում ծավալվող գործընթացների համատեքստում, քննարկել խորհրդային հանրապետություններում ազգային երաժշտության զարգացման տեսլականը: 1930-ական թթ. ԽՍՀՄ հանրապետություններում երաժշտական մշակույթի համաչափ զարգացմանն ուղղված նախագծերում ազգային երաժշտության առաջընթացը դիտարկվում էր իբրև ֆոլկլորայինից անցում դեպի ավելի բարձր վարկանիշով գնահատվող մասնագիտացված արվեստի: Այդ կերպ փորձ էր արվում ընդհանուր համակարգի մեջ ներառել տարբեր երաժշտամտածողության ու զարգացման ճանապարհ անցած ժողովուրդների մշակութային ավանդույթները: Ոլորտի կառավարման գործընթացներում նախատեսվում էր բոլոր հանրապետություններում ձևավորել պետական երաժշտական կազմակերպությունների ինստիտուցիոնալ համակարգ։ Այս գործընթացի գերնպատակը տեղական ազգային երաժշտական ավանդույթների կանոնակարգումն ու համահարթեցումն էր՝ իբրև հիմք ընդունելով արևմտյան դասական երաժշտության հարացույցը։ Նույն տրամաբանությամբ՝ նախատեսվում էր սիմֆոնիկ նվագախմբի օրինակով՝ ստեղծել ազգային նվագարանների նվագախմբեր: Հոդվածում, մասնագիտական գրականության և հավաքված դաշտային ազգագրական նյութերի հիման վրա, բնութագրվում ու վերլուծվում է տարբեր հանրապետություններում նվագարանային մշակույթի ոլորտի համաշխարհայնացման (գլոբալացում) նպատակին միտված գործընթացը՝ ավանդական նվագարանների վերակառուցման, նոր տեսակների ստեղծման, համապատասխան մասնագետների ու լսարանի ձևավորման ոլորտներում, դրանց հետևանքներն ու մերօրյա զարգացումները։ In the strategic plans of developing the republics in the Soviet Union, a special role was assigned to the cultural policy, the main goal of which was to create a generalized worldview and image of the Soviet society and citizens through culture.The purpose of this article is to discuss the vision of developing national music within the processes, unfolding in traditional instrumental music in the Soviet republics. In the 1930s, in the projects aimed at the balanced development of musical culture in the republics of the USSR, the progress of national music was considered as a transition from folklore to a highly valued specialized art. Thus, an attempt was made to include the cultural traditions of the peoples, who had passed the path of different musical thinking and development, into a common system. In the management of this field, it was envisaged to form an institutional system of state music organizations in all republics. The main goal of this process was the regulation and levelling of local national musical traditions, taking as a basis the paradigm of Western classical music. According to the same logic, it was planned to create orchestras of national instruments, exemplified by a symphonic orchestra. Based on specialized literature and collected field ethnographic materials, the process, aimed at globa
ԽորհրդայինՄիությանկազմումներառվածհանրապետություններիզարգացմանռազմավարականծրագրերումառանձնակիդերէրհատկացվումմշակութայինքաղաքականությանը,որիգերնպատակըմշակույթիմիջոցովխորհրդայինհասարակության,քաղաքացուընդհանրացվածաշխարհայացքիուկերպարիստեղծումնէր:Հոդվածինպատակնէ,ավանդականնվագարանայինմշակույթիոլորտումծավալվողգործընթացներիհամատեքստում,քննարկելխորհրդայինհանրապետություններումազգայիներաժշտությանզարգացմանտեսլականը:1930ականթթ。ԽՍՀՄհանրապետություններումերաժշտականմշակույթիհամաչափզարգացմաննուղղվածնախագծերումազգայիներաժշտությանառաջընթացըդիտարկվումէրիբրևֆոլկլորայինիցանցումդեպիավելիբարձրվարկանիշովգնահատվողմասնագիտացվածարվեստի:Այդկերպփորձէրարվումընդհանուրհամակարգիմեջներառելտարբերերաժշտամտածողությանուզարգացմանճանապարհանցածժողովուրդներիմշակութայինավանդույթները:Ոլորտիկառավարմանգործընթացներումնախատեսվումէրբոլորհանրապետություններումձևավորելպետականերաժշտականկազմակերպություններիինստիտուցիոնալհամակարգ։Այսգործընթացիգերնպատակըտեղականազգայիներաժշտականավանդույթներիկանոնակարգումնուհամահարթեցումնէր՝իբրևհիմքընդունելովարևմտյանդասականերաժշտությանհարացույցը։Նույնտրամաբանությամբ՝նախատեսվումէրսիմֆոնիկնվագախմբիօրինակով՝ստեղծելազգայիննվագարաններինվագախմբեր:Հոդվածում,մասնագիտականգրականությանևհավաքվածդաշտայինազգագրականնյութերիհիմանվրա,բնութագրվումուվերլուծվումէտարբերհանրապետություններումնվագարանայինմշակույթիոլորտիհամաշխարհայնացման(գլոբալացում)նպատակինմիտվածգործընթացը՝ավանդականնվագարաններիվերակառուցման,նորտեսակներիստեղծման,համապատասխանմասնագետներիուլսարանիձևավորմանոլորտներում,դրանցհետևանքներնումերօրյազարգացումները։In the strategic plans of发展republics In the苏联Union,这个特殊的角色是对宗教政治的赞扬，是对社会的普遍认可和对公民的形象的赞扬。这首诗的开头是“发现国家音乐的愿景”，在《独奏者》中被禁止创作。在20世纪30年代，在《USSR》的音乐创作项目中，国家音乐的发展受到了国家音乐的影响。Thus, attempt是《人物崇拜》的主题，他的音乐创作和开发之旅是基于一个共同的系统。在这一领域的管理中，它被引入到所有共和音乐的状态系统中。这首歌的主要主题是《国家音乐交易》，作为西方经典音乐的基础。与萨姆逻辑合作是计划中的国家知识管弦乐队，由交响乐演奏。基于on后者literature and collected field ethnographic材料,the process aimed at globalizing the music culture in different republics has been characterized and analyzed in the文章in the fields of reconstructing倾向钢琴厂,李创造their new types and forming, specialists and audiences as well as•their后果and today՚s developments。
{"title":"Ազգային երաժշտության զարգացման խորհըրդային տեսլականը. էթնոերաժշտագիտական դիտարկումներ","authors":"Հռիփսիմե Պիկիչյան","doi":"10.54503/2579-2830-2022.2(8)-69","DOIUrl":"https://doi.org/10.54503/2579-2830-2022.2(8)-69","url":null,"abstract":"Խորհրդային Միության կազմում ներառված հանրապետությունների զարգացման ռազմավարական ծրագրերում առանձնակի դեր էր հատկացվում մշակութային քաղաքականությանը, որի գերնպատակը մշակույթի միջոցով խորհրդային հասարակության, քաղաքացու ընդհանրացված աշխարհայացքի ու կերպարի ստեղծումն էր: Հոդվածի նպատակն է, ավանդական նվագարանային մշակույթի ոլորտում ծավալվող գործընթացների համատեքստում, քննարկել խորհրդային հանրապետություններում ազգային երաժշտության զարգացման տեսլականը: 1930-ական թթ. ԽՍՀՄ հանրապետություններում երաժշտական մշակույթի համաչափ զարգացմանն ուղղված նախագծերում ազգային երաժշտության առաջընթացը դիտարկվում էր իբրև ֆոլկլորայինից անցում դեպի ավելի բարձր վարկանիշով գնահատվող մասնագիտացված արվեստի: Այդ կերպ փորձ էր արվում ընդհանուր համակարգի մեջ ներառել տարբեր երաժշտամտածողության ու զարգացման ճանապարհ անցած ժողովուրդների մշակութային ավանդույթները: Ոլորտի կառավարման գործընթացներում նախատեսվում էր բոլոր հանրապետություններում ձևավորել պետական երաժշտական կազմակերպությունների ինստիտուցիոնալ համակարգ։ Այս գործընթացի գերնպատակը տեղական ազգային երաժշտական ավանդույթների կանոնակարգումն ու համահարթեցումն էր՝ իբրև հիմք ընդունելով արևմտյան դասական երաժշտության հարացույցը։ Նույն տրամաբանությամբ՝ նախատեսվում էր սիմֆոնիկ նվագախմբի օրինակով՝ ստեղծել ազգային նվագարանների նվագախմբեր: Հոդվածում, մասնագիտական գրականության և հավաքված դաշտային ազգագրական նյութերի հիման վրա, բնութագրվում ու վերլուծվում է տարբեր հանրապետություններում նվագարանային մշակույթի ոլորտի համաշխարհայնացման (գլոբալացում) նպատակին միտված գործընթացը՝ ավանդական նվագարանների վերակառուցման, նոր տեսակների ստեղծման, համապատասխան մասնագետների ու լսարանի ձևավորման ոլորտներում, դրանց հետևանքներն ու մերօրյա զարգացումները։\u0000In the strategic plans of developing the republics in the Soviet Union, a special role was assigned to the cultural policy, the main goal of which was to create a generalized worldview and image of the Soviet society and citizens through culture.The purpose of this article is to discuss the vision of developing national music within the processes, unfolding in traditional instrumental music in the Soviet republics. In the 1930s, in the projects aimed at the balanced development of musical culture in the republics of the USSR, the progress of national music was considered as a transition from folklore to a highly valued specialized art. Thus, an attempt was made to include the cultural traditions of the peoples, who had passed the path of different musical thinking and development, into a common system. In the management of this field, it was envisaged to form an institutional system of state music organizations in all republics. The main goal of this process was the regulation and levelling of local national musical traditions, taking as a basis the paradigm of Western classical music. According to the same logic, it was planned to create orchestras of national instruments, exemplified by a symphonic orchestra. Based on specialized literature and collected field ethnographic materials, the process, aimed at globa","PeriodicalId":40461,"journal":{"name":"AM Journal of Art and Media Studies","volume":"11 1","pages":""},"PeriodicalIF":0.1,"publicationDate":"2023-02-13","publicationTypes":"Journal Article","fieldsOfStudy":null,"isOpenAccess":false,"openAccessPdf":"","citationCount":null,"resultStr":null,"platform":"Semanticscholar","paperid":"79112239","PeriodicalName":null,"FirstCategoryId":null,"ListUrlMain":null,"RegionNum":0,"RegionCategory":"","ArticlePicture":[],"TitleCN":null,"AbstractTextCN":null,"PMCID":"","EPubDate":null,"PubModel":null,"JCR":null,"JCRName":null,"Score":null,"Total":0}
京公网安备 11010802042870号
京ICP备2023020795号-1
扫码关注我们
求助内容：
应助结果提醒方式：